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I Ferrinis non accennano a fermarsi: dopo il successo dell’omonimo debut album "Ferrinis", che ha superato il traguardo di oltre mezzo milione di streams in meno di un anno, e il relativo repack "Ferrinis Deluxe Edition", accolto con entusiasmo dalla stampa nazionale e ripreso dalle più importanti testate di settore come Billboard Italia, il duo di fratelli romagnoli composto da Maicol e Mattia Ferrini torna con "Coca e Malibù", primo estratto dal loro attesissimo secondo progetto full length, "Twins". Pubblicata ad ottobre, l’edizione deluxe del loro primo album ha confermato la straordinaria capacità dei due artisti forlivesi di coniugare sonorità pop-dance con testi che raccontano storie personali e al tempo stesso attuali e condivisibili dal pubblico di ogni fascia d’età, consolidando il loro successo e la loro abilità innata nel fondere egregiamente emozione e intrattenimento. Ora, a pochi mesi di distanza, i Ferrinis sono già pronti a stupire nuovamente vecchi e nuovi fan, dimostrando una creatività inarrestabile e una visione artistica in continua evoluzione, sempre più matura. Una creatività che non conosce pause e che fluisce in una sorprendente miscela di pop, dance, latin e cantautorato italiano e che in “Coca e Malibù” trova la sua piena espressione: questo nuovo singolo, infatti, non è solo un pezzo ballabile, ma una riflessione sulla società attuale, dove tutto corre veloce e le apparenze sostituiscono spesso la sostanza. Al centro del brano, una storia d’amore che si scontra con le contraddizioni del mondo moderno: il desiderio di semplicità e genuina connessione viene travolto dalla superficialità e dalla pressione sociale, rappresentate metaforicamente dal cocktail leggero e ingannevole che dà il titolo alla canzone. Nel verso «brillano i diamanti ma non brilla il mondo, vuoto tutto il resto dentro», Maicol e Mattia descrivono un labirinto di lusso e ostentazione che lascia però un vuoto incolmabile. La protagonista femminile della narrazione, inizialmente immune al fascino delle apparenze, finisce per esserne vittima, perdendo il contatto con la realtà, con tutto ciò che conta davvero. E nel ritornello, la canzone esplode con la sua carica pop-dance: «bevevi Coca Malibù, dicevi non ci penso più, ballando come lei in TV, il cielo sembra un po’ più blu»; un’immagine tanto spensierata quanto malinconica, che immortala il desiderio di evasione e leggerezza in un contesto in cui vengono invece amplificati insicurezze e dubbi. «”Coca e Malibù” parla di quanto sia facile perdersi in un mondo che corre veloce e premia l’apparenza - spiegano i Ferrinis -. È un invito a fermarsi e riflettere su cosa conta davvero, senza lasciarsi travolgere dai like e dalle luci dei social media.» Sotto l’aspetto musicale, “Coca e Malibù” si inserisce nel solco della tradizione dance italiana, arricchita da elementi contemporanei che rendono il brano attuale e irresistibile. I ritmi trascinanti e le melodie che conquistano sin dal primo ascolto si intrecciano ad un testo che lascia spazio alla riflessione, dimostrando ancora una volta la versatilità e l’abilità narrativa dei Ferrinis. Il singolo, accompagnato dal videoclip ufficiale diretto da Alessandro Murdaca, anticipa il secondo album in studio del duo, “Twins”, un album composto da 10 brani inediti che si preannuncia come un ritratto musicale sincero e immediato, capace di trasformare in forma canzone le differenti e complesse sfumature del mondo contemporaneo. Con 'Twins', i Ferrinis portano avanti un percorso artistico che unisce stile e contenuto, spingendo il loro sound verso nuove direzioni senza mai perdere di vista ciò che li ha resi riconoscibili fin dal debutto: creare musica che parla alle nuove generazioni senza dimenticare la tradizione. “Coca e Malibù” è il segno tangibile di una carriera che non ha paura di rinnovarsi. Maicol e Mattia Ferrini trasformano ogni progetto in una storia che si insinua con naturalezza nel quotidiano del pubblico, rendendo ogni release un tassello significativo della loro crescita. Con l’energia di questo singolo, i Ferrinis ci ricordano che, nella musica come nella vita, sincerità, autenticità e ritmo possono convivere in perfetto equilibrio.

Dopo un anno che lo ha visto protagonista con una serie di release che hanno conquistato l’attenzione del pubblico e della critica, Eric Mormile torna con l’album “A Terra Sona Int’ ‘e Tiempe Stuorte”, un grido di resistenza che nasce dalle radici e parla al futuro. In un periodo storico dominato da incertezze e contraddizioni, questo lavoro rappresenta una voce lucida e consapevole che parla senza filtri a chi vive e si confronta con il nostro tempo. Con influenze che spaziano dagli Yes ai Rush, passando per Peter Gabriel e Phil Collins, il disco offre una narrativa che sovverte le regole di un gioco sempre più individualista ed elitario, convertendo, con una visione ampia ed inclusiva, le difficoltà in resilienza, parola chiave di un progetto che va oltre la musica, diventando un’importante e necessaria riflessione sulla società contemporanea ed i suoi temi fondamentali: dall’ambiente alle incertezze globali, dal razzismo all’emigrazione, dall’amore per gli animali alla ricerca di identità in un’epoca sempre più frenetica e spersonalizzante. Un concept album che fonde musica e significato, e che oltre a raccontare le esperienze dell’artista si fa portavoce di una collettività in cerca di soluzioni e risposte, abbracciando sonorità moderne e tradizionali con l’inconfondibile impronta cantautorale che contraddistingue l’artista partenopeo sin dall’esordio. La velocità con cui cambiamo, l’impatto delle scelte quotidiane sul nostro futuro e il desiderio di trovare uno spazio incontaminato in cui riconoscerci sono i temi centrali di un disco che è un vero e proprio canto di battaglia ed il cui titolo, La terra suona nei tempi difficili, si fa manifesto del coraggio di affrontare le difficoltà del presente con consapevolezza, invitandoci a ritrovare forza nelle nostre radici e a guardare avanti con determinazione. L’album, interamente prodotto da Nino Pomidoro con artwork a cura di Diana De Luca, si compone di undici tracce e la sua uscita è supportata dal videoclip ufficiale della focus track che dà il titolo al disco, “A Terra Sona Int’ ‘e Tiempe Stuorte”. Questo brano, il più breve ma anche uno dei più intensi del progetto, rappresenta il punto di convergenza dei messaggi del disco, combinando con maestria riflessione e potenza espressiva in un inno collettivo che invita a combattere le difficoltà del presente con tenacia e coesione. Diretto da Michele de Angelis, il video amplifica la portata simbolica della canzone, aggiungendo una dimensione visiva che esalta il dialogo tra radici e futuro. «Ogni brano di questo album è una parte di me, ma anche uno specchio del nostro tempo – dichiara Mormile -. Spero che queste canzoni possano essere una guida per chi affronta le proprie paure e cerca un futuro migliore.» A seguire, tracklist e track by track del disco. “A Terra Sona Int’ ‘e Tiempe Stuorte” – Tracklist: 1. Stuta 'a Luce 2. Figlie d’ 'a Fonte d' 'e Suone (feat. friends) 3. 'O Quatto 'e Maggio 4. Ioca Ancora 5. Sciure 6. Lla Ffore 7. Cchiù Vicine 8. Nu Rider 9. Mano e Zampa 10. Guerriero 11. 'A Terra Sona Int' 'e Tiempe Stuorte (feat. Nino Pomidoro) “A Terra Sona Int’ ‘e Tiempe Stuorte” – Il disco raccontato dall’artista: “Stuta ‘a Luce”: brano che apre il disco e uno dei primi incisi. “’Stutà ‘a luce’” vuol dire spegnere l’attenzione verso quei personaggi di spicco che comunicano solo urlando per dire nulla. È un invito a scegliere cosa merita davvero il nostro tempo. Musicalmente parlando, mi sono ispirato agli Yes di "90125" e ai Rush di "Moving Pictures". “Figlie d’ ‘a Fonte d’ ‘e Suone”: singolo apripista del disco. Un brano autobiografico che racconta come la musica possa diventare l’arma per combattere le difficoltà giornaliere e una forma di unione capace di superare ogni barriera. Si tratta di un brano estremamente autobiografico. In un mondo difficile in cui anche il discorso di fede è confusionario, c’è chi rinuncia a credere in una determinata religione e persino all’amore come forme di unione. Tuttavia c’è anche chi trova nella musica quell’alternativa e quel bene superiore capace effettivamente di unire le persone di ogni etnia, gusto sessuale, e diversità generale. Su questo brano ho avuto la collaborazione ai cori di Milena Setola, Giusy Lo Sapio, Attilio Apa e Giuseppe Toscano. Alle percussioni è presente Luca Guida con lo shaker. Musicalmente è un brano ispirato da Phil Collins e i Mr. Mister di “Pull”. “‘O Quatto ‘e Maggio”: ispirato alla tradizione napoletana del 4 maggio, il giorno delle scadenze dei contratti di affitto e, di conseguenza, dei traslochi. È una metafora per dire che è il momento di cambiare vita e inseguire i propri sogni, con il coraggio di affrontare l’imprevedibile. Da grande tifoso del Napoli quale sono, ho inserito nel testo anche una citazione riguardo al 4 Maggio 2023, data dello storico terzo scudetto, per dire che il coraggio di correre il rischio può anche portare al successo. Una scelta impegnativa che prevede senso di grande resilienza, che mi è però stata ispirata dalla storia di un amico che lo ha fatto davvero, abbandonando il suo lavoro per dedicarsi alla sua arte h24, riuscendoci. È probabilmente il brano che più ha toccato i miei amici artisti che seguono il mio percorso. Musicalmente, è un vero e proprio tributo agli Yes di “90125”. “Ioca Ancora”: un invito a ricordare l’importanza del bambino che è in noi. Il gioco è fondamentale per affrontare le battaglie della vita con leggerezza. Su questo brano ho realizzato un lyric video con tutta una serie di foto di me da piccolo, che vanno da un periodo compreso tra il 1994 e il 1999, e qui compaio con i miei genitori, mia sorella Irene, e i miei nonni Domenico, Anna ed Enrico. Musicalmente, è un pezzo fortemente influenzato da Peter Gabriel, Patrick Leonard, Kevin Gilbert e i Tears For Fears. “Sciure”: traccia che affronta il tema del razzismo con determinazione. Combattere per accogliere e accettare il diverso è essenziale per costruire un futuro migliore. Il razzismo è un problema purtroppo ancora tanto attuale nonostante tutto quello che è stato fatto nel tempo. In particolare, nel nostro Paese, è un cancro che sta tornando e che bisogna estirpare a tutti i costi. Musicalmente, mi sono ispirato ai No Reason Given di Kevin Gilbert e ai Rush. “Lla Ffore”: una celebrazione del coraggio di emigrare per trovare nuove opportunità. Andare via può essere una scelta di amore verso sé stessi. La scrittura del testo viene da tante persone a me vicine che hanno vissuto questa situazione e me ne hanno parlato. Ne ho raccolti così tanti di racconti che a un certo punto l’unico modo per liberare tutte queste emozioni è stato tradurle in musica e parole. Alle percussioni è presente Luca Guida con il sonaglio. Musicalmente, mi sono ispirato a Phil Collins, Patrick Leonard, Kevin Gilbert, i Mr. Mister di “Pull” e i Tears For Fears. “Cchiù Vicine”: questo pezzo celebra la passione, sia nella sua forma amorosa che nella libera pratica. Il sesso è da sempre l’antistress per eccellenza, che sia occasionale o parte di un sentimento consolidato. Alle percussioni è presente Luca Guida con il sonaglio. Musicalmente, è un brano ispirato ai Mr. Mister di “Pull”. “Nu Rider”: un omaggio ai rider e alle loro vite difficili. Un lavoro duro, ma fatto con dedizione e amore per i propri cari. Racconto la storia di un uomo che sotto qualsiasi condizione fisica, psicologica e metereologica, continua a fare questo lavoro difficile per mantenere una figlia, una famiglia o una moglie/fidanzata. Per scrivere, ho avuto bisogno di documentarmi e chiedere a Luca Guida, un mio carissimo amico che ha fatto questo mestiere. Da quello che mi ha spiegato, ne ho ricavato una parte di testo e trovare la motivazione che spinge a compiere certe scelte è stato abbastanza facile. Sopportare anche grande sofferenza pur di sapere che dall’altro lato si sta dando un domani ai propri cari. Una storia fittizia insomma, o forse no, perché ho probabilmente descritto, in modo sensibile e solidale, la situazione di molti rider del nostro Paese. Luca è anche presente su questo brano alle percussioni con lo shaker. Nel lyric video che ho realizzato, ho inserito delle riprese velocizzate di strada per dare quel senso di fretta che prova chi fa le consegne. Musicalmente, è forse il brano tra tutti quelli che ho scritto più influenzato da Peter Gabriel e Patrick Leonard. “Mano e Zampa”: una dedica all’amore per gli animali domestici. Non riuscirei neanche a contare tutte le volte che sono tornato a casa, magari preso male dopo una lunga giornata, dimenticando tutto nel momento in cui ho visto la mia gatta Tiffany accogliermi con le sue fusa perché le ero mancato. La resilienza è anche questo, combattere i malumori che ci vengono dalla quotidianità con l’amore dei nostri animali domestici. Questa è una storia molto personale, ma so di non essere l’unico a pensarla in questo modo. Ecco perché nel lyric video di questa canzone compaiono una ventina di persone a me care, tra amici e parenti, con i loro pelosetti. Musicalmente, è un brano ispirato ai Rush di “Hold Your Fire”. “Guerriero”: secondo singolo del disco, il testo di questo brano risale al 2018, la musica è nata un po’ di tempo dopo, ma per settembre 2020 era sicuramente già la prima demo effettivamente completa. Torna nuovamente il tema del fare affidamento sulle proprie forze come unica via d’uscita da una situazione difficile. Non avendo mai effettivamente specificato nulla nel testo, questo può essere letto su più livelli. Qualcuno mi ha detto come questa canzone sembri un incoraggiamento verso chi prova ad uscire da una tossicodipendenza o combattere una grave malattia, ma ciò che ha ispirato il testo è qualcosa di molto più leggero. Come già anticipato prima, tifo Napoli, e alla fine della stagione 2017/2018 come molti tifosi sentivo quella sensazione di delusione mista a rabbia per quello che tutti pensiamo essere stato il furto calcistico del secolo. Quindi, questo brano, lo scrissi per dire “Ora siamo a terra, ma risorgeremo e torneremo più forti di prima se ci crediamo davvero”, e direi che a giudicare da ciò che è successo nel 2023 la mia predizione è stata corretta. Alle percussioni, è presente Luca Guida con shaker e sonaglio. Musicalmente parlando, è una canzone ispirata a Phil Collins e ai Toy Matinee di Patrick Leonard e Kevin Gilbert. “'A Terra Sona Int' 'e Tiempe Stuorte”: è il brano che dà il titolo all’album, un canto di battaglia per combattere le difficoltà con determinazione. Una fusione tra canzone popolare e sonorità indiane che invita a prendere consapevolezza dei problemi e del fatto che provare a superarli significa mettersi in prima linea per combatterli. La seconda strofa è un riassunto di tutti i temi testuali trattati nell’album. Avevo in mente questa canzone da un bel po’ di tempo e sono consapevole del quanto sia atipico rispetto a ciò che generalmente scrivo. Prima ancora di concepire l’intero disco, ebbi modo di ascoltare “Wellerman” nella versione di Nathan Evans, e pensai subito che volevo scrivere anche io qualcosa di così melodico e immediato, come se fosse un antico brano popolare, mantenendo comunque una linea musicale e artistica affine a ciò che faccio. Non sapevo ancora di cosa parlare, ma sicuramente, animalista e ambientalista quale sono, non avrei mai potuto scrivere della caccia alle balene come fatto positivo come appunto fece Wellerman. Nel giugno 2023, scrissi il testo, avendo ormai tutte le altre canzoni complete e sapendo come rendere questo un brano musicalmente essenziale, che avrebbe dato il titolo al disco e di fatto lo avrebbe spiegato. Nello stesso anno, curiosamente, spopolò “Malatia” di Ciccio Merolla, un pezzo sentimentale come molti presenti nella cultura napoletana, ma di fatto pensato dal punto di vista dell’arrangiamento nello stesso semplice modo, un coro e una percussione. Mi sono occupato io stesso di tutte le parti corali e volevo inizialmente tenere solo una classica cassa in 4, ma quando Nino Pomidoro, produttore di tutto questo disco, ha sentito il brano, lui che è un percussionista se ne è innamorato a tal punto da propormi un vero e proprio featuring. E devo dire che le sue percussioni hanno dato una visione più vicina al me artista, poiché con una semplice cassa in 4 sarebbe stato un brano popolare a tutti gli effetti, ma con le sue parti di tabla e tamburi vari è diventato un vero e proprio pezzo sperimentale che fonde la canzone popolare con le sonorità indiane. Con "A Terra Sona Int' 'e Tiempe Stuorte", Eric Mormile conferma la sua capacità di raccontare e raccontarsi. È un disco che non è solo una raccolta di canzoni, ma un viaggio attraverso i temi più attuali e significativi del nostro tempo, con uno sguardo rivolto al futuro e radici ben salde nella tradizione.... Continua a leggere

Dopo un 2023 ricco di soddisfazioni e release, tra cui il primo progetto full length “Pop & Ultraslim”, l’EP “Into The Wild” e una lunga serie di fortunati singoli come “Cilecca (Aurora scusa)” - che ha attirato l’attenzione di testate e agenzie nazionali come Leggo ed ANSA – e una magistrale cover pop-punk di “All’ultimo respiro” dei Club Dogo, Extrasistoli torna con “POV” (Daylite), brano che chiude il 20024 per aprire ufficialmente il percorso verso il suo prossimo disco. “POV”, acronimo di Point of View, è una canzone in cui fluisce la nostalgia di un’adolescenza vissuta tra speranze, errori e piccole gioie quotidiane, una riflessione sui ricordi che ci formano e ci accompagnano, anche quando il tempo ci allontana dalle persone e dai luoghi che un tempo ci appartenevano. Il pezzo, nato in una notte di fine ottobre 2023, è il risultato di un’intuizione fulminea tra Extrasistoli e il suo produttore Treccio, trasformata in una melodia che, come un caldo abito in velluto, veste l’anima di un’intera generazione. «Abbiamo scritto “POV” di getto, spinti da una connessione quasi paranormale – racconta l’artista –. È un brano che custodisce momenti preziosi, come quelli in cui la vita era più semplice e le scelte sembravano lontane, una cosa da adulti. Non volevamo che restasse fermo in un cassetto. La musica, quella vera, non può aspettare.» “POV” trova il suo spazio tra orecchie e sentimenti raccontando momenti apparentemente semplici con quella sincerità e quell’onestà appannaggio di chi sa scavare dentro sé privo di filtri e maschere, senza il timore di trasformare le ferite in spiragli di luce, i sogni infranti in opportunità di crescita e i desideri ancora cuciti sul cuore in fondamenta del proprio futuro. Dal verso d’apertura «Il cancello di un garage, la porta dell’Old Trafford e noi tutti Ronaldo» che dipinge l’innocenza delle ambizioni giovanili, fino al ritornello «Point of view, hai 15 anni o poco più, va tutto bene con lo zaino di scuola che pesa e nonna che ti chiede di farle la spesa», il brano si muove tra immagini quotidiane e riflessioni personali che trascendono tempo e mode, restituendo un affresco intimo, capace di riportare alla luce ricordi ed emozioni di un capitolo di vita fatto di genuinità, leggerezza e speranze. Dal punto di vista puramente musicale, la traccia si caratterizza per un arrangiamento che unisce il calore del pianoforte ad una produzione ricercata, in grado di fondere influenze pop e indie in un contesto attuale e avvolgente. Ogni nota è pensata per amplificare il messaggio del testo, creando un equilibrio perfetto tra melodia e parole. Con “POV”, Extrasistoli non solo chiude il 2024, ma apre la strada al suo prossimo disco, un progetto che promette di consolidare la sua posizione tra le voci più promettenti del panorama indie italiano. Dopo un biennio che lo ha visto protagonista tra le audizioni a Sanremo Giovani e le collaborazioni che spaziano dal pop punk alla tradizione cantautorale, l’artista romano dimostra ancora una volta la sua versatilità e la sua abilità nello scrivere e interpretare canzoni che catturano istanti e sensazioni, tessendo narrazioni sospese tra emozione e realtà, confermando così un percorso che guarda avanti senza mai dimenticare le proprie radici. «"POV" è il punto di partenza per raccontare un viaggio più grande – conclude Extrasistoli –. È il primo capitolo di una storia che spero arrivi a chi guarda al passato con malinconia, ma anche con gratitudine.» Unendo la forza della narrazione al desiderio di innovazione, Extrasistoli si conferma come una delle realtà più interessanti della scena musicale indie italiana. “POV” è il suo invito a rallentare e a riscoprire il valore dei ricordi, senza paura di abbracciare ciò che ci ha resi quello che siamo per poter scrivere con consapevolezza nuove pagine della nostra storia.

Dopo aver superato i 240.000 stream su Spotify e le 100.000 views su YouTube con “Amore Toxic”, anche grazie alla partecipazione di Giacomo Giorgio (Mare Fuori) e Brunella Cacciuni (Il Collegio), e dopo la collaborazione con DANDY TURNER nel singolo “Attimo”, zatta è pronto a stupire il suo pubblico sempre più numeroso e variegato con il primo progetto full length, “Vergine d’Amore”, un concept album dalle sonorità urban-pop che si muove con naturalezza tra pop e rap, unendo introspezione e ritmo in otto tracce che tessono il fil rouge di un racconto onesto, fatto di amore, rimpianti e speranza, capace di unire e parlare a più generazioni con una sensibilità e un’eleganza che trovano un legame immediato con gli ascoltatori. Un titolo emblematico per un’opera che si colloca nell’era delle contraddizioni: da un lato, un mondo che corre veloce e vive di superficialità; dall’altro, la ricerca di un amore sincero e privo di filtri e costruzioni, spesso intrappolato tra ricordi e sogni infranti. “Vergine d’Amore” è un progetto che si pone come uno specchio delle emozioni di un’individualità sempre più marcata, ma al contempo sacrificata sull’altare dell’apparenza collettiva, traducendo in musica quei momenti di vita che segnano, trasformano e si imprimono tra le cicatrici e le pieghe dell'anima, spingendoci però a guardare avanti, anche quando tutto sembra fermo dentro di noi e frenetico al di fuori. Ciascuno degli otto brani che compone il disco presenta un’identità ben definita, raccontando frammenti di vita che parlano di relazioni, cambiamenti e del peso delle scelte, in un intreccio magistrale di melodie e parole che resta addosso come un abito cucito ad hoc sul cuore, che segue il ritmo delle emozioni e si adatta ai percorsi unici di chi lo ascolta. «"Vergine d’Amore" – spiega zatta - è un progetto che nasce da esperienze personali, dai miei vent’anni vissuti tra sogni, errori e voglia di guarire dalle ferite del passato. È un viaggio che voglio condividere con tutte le persone che si sono sentite perse, e che ora sono pronte per ritrovarsi.» Un album che si svela traccia dopo traccia, aggiungendo di volta in volta un tassello ad una narrazione sulle fragilità, i legami e i cambiamenti, per restituire un mosaico di vissuto che ci ricorda tutta la strada percorsa per farci scoprire, con meraviglia ed un sorriso, che il passato non va rinnegato né rimpianto, ma convertito in un trampolino di lancio per tuffarsi nel futuro, in un domani più chiaro e consapevole. A seguire, tracklist e track by track del disco. “Vergine d’Amore” – Tracklist: 1. Vergine d’Amore (Intro) 2. Attimo (con DANDY TURNER) 3. In Due 4. Quinto piano (Remastered 2024) 5. Scusa Mary 6. Parlano di me (feat. Biancamare) 7. Salice 8. Domani “Vergine d’Amore” – Track by track: “Vergine d’Amore (Intro)”: un’introduzione che incanta, con l’eleganza del pianoforte a fare da culla ad un testo malinconico e personale. «Scrivo il mio futuro con una matita, ma due secondi e la mina è sparita»; un’immagine delicata e struggente che racchiude la precarietà dei sogni e delle aspettative, simbolo di una generazione in bilico tra speranza e disillusione. “Attimo” (con DANDY TURNER): la traccia che ha aperto la strada al disco, un pop malinconico ma al tempo stesso ballabile che racconta gli stati emotivi che si susseguono dopo la fine di una relazione. Nel ritornello, «questione di un attimo, poi ripensi a me e io ripenso a te», fluisce la lotta, il conflitto tra orgoglio e nostalgia. “In Due”: il racconto intimo di una storia d’amore che, pur giunta al capolinea, continua a vivere nei ricordi. Versi come «Se stanotte fosse l’ultima che noi passiamo in due, avrò sempre il bel ricordo in mente fisso di noi due» riflettono un’ultima notte tra passione e addio. “Quinto piano (Remastered 2024)”: un brano iconico della carriera di zatta, che con oltre 80.000 stream si presenta in una veste rinnovata. «Ti ho sempre dato il meglio, ma il mio meglio non ti basta»; strascichi di un amore consumato tra rimpianti e orgoglio. “Scusa Mary”: un pezzo di profonda sincerità in cui l’artista si scusa per gli errori commessi: «scusa Mary, forse non sai che mi manchi». Una confessione sincera, amplificata dalla disillusa ammissione «ci siamo incontrati dappertutto ma non c’è mai stato un nostro punto di incontro»; un riconoscimento dolceamaro delle distanze mai colmate, nonostante le occasioni. “Parlano di Me” (feat. Biancamare): la traccia più rap dell’album, un richiamo agli anni ‘90-‘00 che non dimentica di dialogare con l’oggi. «Ogni volta che ci provo sono in bilico», la ricerca equilibrio tra passato e presente, arricchita dalla voce di Biancamare che aggiunge eleganza e profondità, impreziosendo il brano con sfumature che lo rendono senza tempo. “Salice”. Ritmata ma malinconica, “Salice” parla di una separazione difficile: «un salice non fa frutti, ma tu sei chiusa come gusci». Un gioco di contrasti tra musica e testo che amplifica il senso di perdita e distanza, lasciando spazio alla riflessione. “Domani”: l’ultimo brano del disco è un addio intriso di dolcezza: «e oggi penserò a te, però domani chissà se mi passerà». Una chiusura poetica che invita a guardare avanti, nonostante il peso dei ricordi. Con una voce che si muove tra rap e melodia, e una capacità narrativa che intreccia arte e musica, zatta riesce a connettersi con il pubblico in modo unico e del tutto personale, trasformando le proprie esperienze in immersioni musicali per tutti coloro che hanno vissuto l’amore, i suoi contrasti e le sue conseguenze. "Vergine d’Amore" è un ritratto sincero di una generazione che cerca di ritrovarsi tra nostalgia, errori e nuove possibilità. Con questo debutto, zatta si conferma una voce da tenere d’occhio nel panorama urban-pop italiano.... Continua a leggere

Dopo aver incantato pubblico e critica con i suoi primi due album “Dawn” e “Songs”, il chitarrista jazz Edoardo Baroni torna a raccontare la musica fondendo accordi e sentimenti in “By Heart” (Clockbeats), il suo terzo progetto full length. Dieci tracce che celebrano l’essenza della chitarra jazz classica e semiacustica, tra composizioni originali e omaggi a giganti del passato, confezionando un disco che unisce virtuosismo, emozione e una straordinaria sensibilità artistica. Con questo nuovo lavoro, prodotto dall’immancabile tocco di Dario Mollo, il chitarrista bresciano – già apprezzato per la sua versatilità e la capacità di reinventare capolavori della tradizione musicale – culla l’ascoltatore, guidandolo in un percorso intimo, dove tecnica e sentimento si incontrano. Edoardo Baroni intreccia melodie intrise di eleganza, costruendo come un vero architetto del suono un ponte tra passato e presente, e donando nuova vita ad ogni singola nota suonata. Un viaggio di dieci tappe tra originalità e tributi senza tempo, per una tracklist che si distingue per varietà e ricercatezza. “By Heart” si apre con “Let off steam”, un’esplosione di energia che richiama le atmosfere della musica manouche – accompagnata dal videoclip ufficiale diretto da Alberto Baroni e presentato in anteprima nazionale su Sky TG24 -, per poi immergersi nelle trame di uno degli standard jazz più amati, “All the things you are”, reinterpretato con uno stile personale e raffinato. Con “Monsieur G.C.”, Edoardo rende omaggio al M° Gerardo Chimini, suo insegnante di pianoforte complementare, condividendo il suo amore per la musica di Claude Debussy e Maurice Ravel. L’influenza dei grandi compositori francesi traspare con grazia e si avverte come un caldo abbraccio che riscalda e protegge il cuore, creando un connubio magistrale tra jazz e impressionismo musicale. Tra le tracce più emblematiche dell’opera troviamo “Echoes of Spain”, una rivisitazione di Django Reinhardt, chitarrista simbolo per Baroni e argomento della sua tesi di laurea in conservatorio. L’album ospita anche una dedica speciale: “Silvia”, un gesto d’amore e intimità rivolto alla sua compagna, in cui la chitarra si fa voce delle emozioni più sincere. Ulteriore gemma del disco è “While We're Young”, capolavoro di Wes Montgomery che Edoardo interpreta con una chitarra semiacustica, accompagnata dall’inconfondibile amplificatore Fender Blues Deluxe. Questa traccia è una sofisticata celebrazione di uno degli artisti più iconici della storia del jazz, che arricchisce l’album con un tocco di classicità e calore. La title track “By Heart” rappresenta l’anima dell’intero progetto, un brano originale che racchiude gli elementi ricorrenti delle improvvisazioni dell’artista, ora fissati in una forma canonica. Il finale è un omaggio a Johann Sebastian Bach, con due versioni differenti del preludio “BWV 999” e una commovente interpretazione della “Partita BWV 1004”. Per Edoardo, la musica è un atto d’amore, come lui stesso spiega: «Con “By Heart” ho voluto condensare tutto ciò che mi rappresenta. È un album che nasce dal cuore, un lavoro in cui ho cercato di unire tecnica e emozione, omaggiando i grandi compositori che mi hanno ispirato e cercando di esprimere la mia visione musicale attraverso brani che sento miei, anche quando interpretati.» La copertina, un’opera d’arte per un disco d’arte, è un regalo speciale dell’artista serbo Ivan Bjorn, conosciuto da Edoardo in occasione di un concerto in una galleria d’arte a Bergamo. Da quell’incontro è nata una profonda amicizia, culminata in questo gesto di generosità, che racchiude perfettamente l’anima del progetto. Con una carriera che l’ha portato a scalare le classifiche di Amazon Music con i precedenti album e ad insegnare in prestigiosi conservatori italiani, Edoardo Baroni si conferma una figura centrale nella scena della chitarra jazz contemporanea. A conferma della portata internazionale del suo talento, Edoardo Baroni sarà protagonista di sei date in Giappone a fine luglio 2025, tra cui un’esibizione speciale il 24 luglio all’Expo di Osaka. Un’occasione unica per portare la magia di “By Heart” nel Paese del Sol Levante, dove il chitarrista bresciano è pronto ad affascinare il pubblico, confermando l’universalità del suo linguaggio musicale e la capacità di connettere culture attraverso le corde della sua chitarra. Il tour toccherà alcune delle città più affascinanti del Giappone, regalando agli appassionati un’esperienza indimenticabile. “By Heart” è un itinerario emozionale e artistico, un racconto intessuto di virtuosismo e passione che riflette l’essenza di un artista capace di parlare e di toccare le corde del cuore attraverso quelle della sua chitarra.

Prima chitarrista italiana a specializzarsi nello stile jazz manouche, genere che fonde il virtuosismo del jazz con le ritmiche della chitarra francese, Melamanouche si è sempre distinta per il suo approccio innovativo e versatile. Dopo l’esordio nei digital store con “Un dio”, la raffinata artista milanese torna ora con “No Contact”, un singolo che valica i confini del suo genere di appartenenza per abbracciare sonorità pop, senza rinunciare all’eleganza e alla qualità artistica che l’hanno resa un punto di riferimento. Magistralmente arrangiato e prodotto ai Phaser Studios da una prima versione composta con Gabriel Otoya, “No Contact” nasce dall’esperienza della pandemia, quando il distanziamento sociale ha ridefinito il concetto di contatto, sia fisico che emotivo. Una riflessione intima e personale, ma al contempo condivisibile da tutti, che attraverso parole e musica, affronta il vuoto lasciato da relazioni interrotte e il desiderio di ritrovare un’alchimia pura e sincera. «Il no contact si vive quando una relazione non funziona più, ma le sue tracce rimangono dentro di noi, amplificate dall’assenza e dall’immaginazione - racconta Melamanouche -. Questo brano è un invito a credere ancora nella possibilità di un contatto genuino, veritiero e profondo, anche quando tutto sembra perduto.» Il testo si muove tra immagini emblematiche e introspezione, raccontando il limbo emotivo di chi si trova a vivere una “presenza assenza” che destabilizza: «Le tue mani come ali di carne sanno guidare tutto ciò che mi appare, sanno cucire tutto ciò che fa male». Una polaroid dai contorni sbiaditi che nella sua poetica crudezza disarma sensi e speranze, condensando in poche righe il potere del contatto umano, capace di ferire e al tempo stesso di curare. La narrazione si intreccia con la realtà vissuta durante il lockdown: «Tutti in strada a far la fila, sembra una follia collettiva, e mentre tutto il giorno è pandemia, il tuo sguardo vola via». Queste parole racchiudono e danno voce all’alienazione collettiva di un mondo sospeso, dove il bisogno di interconnessione è accentuato dalla distanza forzata. Quello di Melamanouche è un talento che rompe gli schemi: dopo anni di carriera dedicati alla diffusione del jazz manouche in Italia, l’artista lombarda ha scelto di esplorare nuove possibilità espressive, permettendo alla sua musica, e ancora prima a se stessa, di varcare quei confini che ancora troppo spesso ci relegano a definizioni che non ci appartengono; abiti, maschere e corazze che ci cuciamo addosso per proteggerci, difenderci, e a volte, sabotarci. Per Melamanouche questa sperimentazione non è il frutto di una strategia pensata a tavolino, non è una scelta forzata compiuta per moda, bensì una necessità artistica, nata dall’urgenza espressiva di integrare il suo stile unico e fortemente riconoscibile ad elementi pop accessibili a tutti, mantenendo sempre intatta la sua identità musicale. Il jazz manouche, nato nella Parigi degli anni '30 grazie al genio di Django Reinhardt e noto anche come gypsy jazz, combina l'antica tradizione musicale gitana, le ritmiche della chitarra francese e lo scat americano. Un genere ricco di virtuosismi e melodie suggestive, che Melamanouche ha fatto proprio, reinterpretandolo con un approccio originale e contemporaneo. «Non ho mai visto i confini tra i generi come un limite - conclude l’artista -. Con “No Contact” ho voluto raccontare qualcosa di condivisibile da tutti, e per farlo ho seguito l’ispirazione del momento, senza rinunciare a ciò che sento rappresentarmi e mi rende unica.» “No Contact” è un progetto che guarda oltre e, per poterlo fare, entra nell’anima per renderla consapevole della sua natura. È una carezza, un manifesto artistico che riflette la condizione di tutti noi in un mondo sempre più frammentato. In un’epoca in cui la tecnologia ha accorciato le distanze fisiche ma amplificato quelle emotive, il brano invita a riscoprire il valore del vero contatto, quello che va oltre la superficie. L’uscita del singolo è accompagnata da un calendario di live imperdibili: Giovedì 12 dicembre: Le Chat Noir, Milano Sabato 21 dicembre: Frisà Bistrò, Milano Rassegna mensile: Casa di Alda Merini per l'Associazione Acim, Milano Con il suo talento straordinario e la sua capacità innata di emozionare, Melamanouche continua a stupire, confermandosi come una delle artiste più originali e versatili della scena musicale italiana.

Dopo l’emozionante esordio con la ballad “Spine” e la successiva immersione in sonorità deep dalle sfumature elettro-dark “Ballare In Silenzio”, LEONARDO torna con "Sette Minuti", il suo nuovo singolo che affronta un tema intimo e delicato: la teoria secondo cui, nei sette minuti antecedenti alla morte, nonostante il cuore abbia smesso di battere, il cervello continuerebbe la propria attività elettrica, ripercorrendo i momenti più salienti e significativi della nostra intera esistenza terrena. Con sonorità pop attuali e coinvolgenti, impreziosite da un immancabile tocco di elettronica, "Sette Minuti" fonde perfettamente una riflessione malinconica con un ritmo incalzante, invitando l’ascoltatore a ballare anche sulle note di un argomento così sensibile. LEONARDO racconta la sua visione di questo lasso di tempo così misterioso e affascinante, sottolineando quanto ogni istante della vita sia prezioso e quanto sia importante non lasciarsi sfuggire l’occasione di vivere intensamente. «La vita corre e non la puoi fermare» canta l’artista, con una consapevolezza che arriva dritta all’anima, ricordando a tutti che il tempo è tiranno, e ciò che conta davvero sono i momenti che assaporiamo fino in fondo e le persone con cui li condividiamo. «Ho scritto questo brano come terapia personale per elaborare un lutto molto importante – spiega –. I "sette minuti" sono una metafora: ci raccontano che il tempo potrebbe essere poco, quindi dobbiamo smettere di rimandare e agire, senza rimpianti.» Una considerazione che, seppur nata da un momento molto doloroso, diventa un appello a non avere paura di esprimersi e a non sprecare le opportunità che la vita ci offre. Il testo, raffinato e toccante, ci guida attraverso una serie di immagini: «Sospeso, tra l’addio e l’eterno, tra il paradiso e l'inferno, il tempo rallenta fino a sembrare fermo», recita uno dei passaggi più suggestivi e poetici, incarnando quel limbo tra la vita e la morte, tra il passato e il presente, tra ciò che poteva essere e ciò che è stato. LEONARDO riesce a condurre con naturalezza una narrazione che ci porta a riflettere su cosa siamo stati e su quanto ogni ricordo, anche doloroso, abbia un valore inestimabile. «Sette minuti è tutto ciò che rimane, quanto è importante, quanto davvero vale» diventa il mantra di una canzone che ci esorta a cogliere l’attimo e a lasciarci andare senza rammarichi. Un brano per chi vuole vivere fino all'ultimo respiro, un viaggio introspettivo che racconta la voglia di sperimentare e sperimentarsi appieno, ben oltre l’esistere come atto passivo, senza lasciarsi sopraffare dalle paure e dalle indecisioni. LEONARDO riesce, con la sua musica, a trovare il giusto equilibrio tra l'intensità dei sentimenti e la voglia di muoversi, coinvolgendo l'ascoltatore in un mix di emozioni contrastanti ma complementari. «Voglio che questo pezzo spinga chi lo ascolta a non perdersi nei pensieri negativi e nelle paranoie che spesso ci frenano – conclude –. La vita è troppo breve per non viverla fino in fondo.» Il 2023 ha segnato il debutto di LEONARDO con "Spine", una ballad pop che ha subito colpito per la sua indole emotiva, seguita, a maggio 2024, dal più ritmato “Ballare in Silenzio”, che porta alla luce il malessere interiore attraverso sonorità elettro-pop. Ora, con “Sette Minuti”, l’artista riconferma la sua versatilità e la sua capacità di intrecciare testi intensi e personali a sonorità moderne e orecchiabili. Nato nel 1999 a Varese, LEONARDO ha iniziato il suo percorso musicale all'età di 14 anni, per poi spostarsi a Milano, dove ha studiato pianoforte e perfezionato le sue tecniche compositive. Influenzato da generi diversi, dal cantautorato italiano al pop internazionale, il suo stile si caratterizza per la fusione di questi mondi, creando un sound unico e riconoscibile. Con “Sette Minuti”, accompagnato dal videoclip ufficiale diretto da Greta Frigerio, il cantautore lombardo si afferma ancora una volta come una delle voci più interessanti del panorama musicale contemporaneo, riconfermandosi un artista capace di sorprendere con la sua abilità di raccontare la vita e le emozioni in maniera semplice, ma al tempo stesso profonda e mai banale. Con questo singolo, LEONARDO ci invita a non lasciare che il tempo scivoli via inutilmente, ma a vivere ogni istante come se fosse l'ultimo.

Un brano che nasce da una necessità personale e si trasforma in una riflessione condivisa. "Line Art" (Milano Music Records), il nuovo singolo di Simone Berti, racconta la complessità dei rapporti, dove l’autenticità spesso si scontra con il peso delle esperienze passate. Una canzone che parla di distanze, di ricordi che segnano e della difficoltà di trovare una connessione quando si decide di aprirsi davvero. "Line Art", perfetto seguito di “Dentro ai tuoi occhi - Non vedo più”, “Il Diario Dello Stupido” e “Coincidenze Viola”, si muove tra immagini forti e parole che non lasciano spazio a interpretazioni. Simone racconta un momento di rottura, in cui il passato si insinua in una relazione, creando una distanza che appare incolmabile. Il brano, scritto dallo stesso artista a quattro mani con Ilenia Smedile, si apre con una richiesta di perdono: «Scusami, so che è tardi ormai. Non volevo mostrarti le ferite dentro me», quasi un sussurro che svela il lato più fragile di un rapporto. Questa confessione diventa il cuore pulsante del brano, una riflessione su come le cicatrici animiche – quei segni che spesso cerchiamo di nascondere – possano diventare una barriera o un ponte. Ma non sempre chi è dall’altra parte riesce a comprenderle. «In questo caso – spiega Simone – i miei “demoni del passato” non sono stati apprezzati. Questo ha creato una distanza, e nella canzone non si capisce se questa scelta sia stata fatta per proteggermi o per allontanarmi.» In un momento storico in cui il dibattito sulla salute mentale e sull'importanza di accettarsi per ciò che si è assume un ruolo centrale, "Line Art" si inserisce come un racconto sincero e attuale. Con delicatezza ed eleganza, Berti canta il peso delle ferite interiori e il complesso equilibrio tra il desiderio di essere accolti nella propria totalità e la paura di essere respinti. «Mostrare le proprie fragilità è un atto di coraggio – prosegue l’artista – ed è proprio da quel coraggio che nascono i legami più veri. Questo brano vuole essere una mano tesa a chi si sente solo di fronte alle proprie difficoltà.» Nel ritornello, Simone canta le tracce di un legame che non scompare, di un disegno che non si cancella, un tatuaggio nel cuore su cui sembra impossibile fare un cover up: «Lasciami fare una line art, tracce di te, tutto ciò che mi va», una frase che condensa l’intera accezione del pezzo. L’arte lineare, semplice e diretta, diventa una metafora per rappresentare ciò che resta di una storia d’amore, anche quando sembra dissolversi. È il desiderio di lasciare un segno, di catturare un ricordo che, nonostante tutto, continua a vivere. Ma la canzone non offre soluzioni semplici. Il testo si chiude su una nota sospesa: «Vorrei vedere soltanto te, perso tra sorsi di mille sake, ma sono qui e non so il perché». Un’immagine che racchiude il senso di smarrimento di fronte a un rapporto che non si riesce a lasciar andare. Il brano si fa spazio in un panorama musicale sempre più attento a raccontare le sfumature delle relazioni, senza filtri né facili idealizzazioni. In un’epoca in cui la comunicazione è spesso ridotta ad immagini perfette e narrazioni superficiali, "Line Art" spicca per la sua sincerità e per il coraggio di affrontare temi scomodi. «Ho scritto questa canzone inizialmente come un esercizio per sfogare le mie paure e cercare di gestirle – conclude Simone –, ma la realtà ha superato la finzione. Quella che era una situazione ipotetica è diventata concreta, e ho deciso di pubblicare il brano perché credo che in molti possano riconoscersi in queste emozioni. Quando vivi certi momenti ti senti solo, ma non lo sei mai davvero.» La produzione essenziale, arricchita da arrangiamenti che lasciano spazio all’emozione pura, si fonde ad una scrittura visiva e immediata che rende il singolo un piccolo gioiello, una traccia che culla i sentimenti feriti e coinvolge per la sua spontaneità, unendo semplicità e intensità in un equilibrio che cattura l’ascoltatore fin dal primo istante. Attraverso parole semplici ma incisive, "Line Art" trasforma la fragilità in una chiave per connettersi, ricordando a ciascuno di noi che dietro ogni silenzio o distanza c’è una storia che merita di essere ascoltata; una storia che, anche nei suoi frammenti più difficili, può trovare una voce per essere condivisa. Con "Line Art", Simone Berti ci consegna una canzone che va al di là del racconto personale, un’importante riflessione su cosa significa mostrarsi per intero, con tutto ciò che si porta dentro. Un gesto che richiede coraggio, ma che può aprire distese di comprensione e legami più veri. Simone continua a distinguersi per la sua abilità narrativa, lasciando una traccia che resta impressa, proprio come i tratti essenziali e indelebili di un disegno.... Continua a leggere

Ha solo 18 anni, ma Michela Dal Pozzo è già una delle voci più promettenti della nuova generazione musicale italiana. Dopo aver conquistato il primo premio nella categoria New Generation alla 27esima edizione del prestigioso Videofestival Live, la giovanissima cantante di Sondalo (SO) approda sui digital store con una versione personale e toccante di “Not About Angels” di Birdy, iconica colonna sonora del film “Colpa delle stelle” diretto da Josh Boon e interpretato da Shailene Woodley ed Ansel Elgort. Proprio come Birdy, Michela ha iniziato a farsi strada nel mondo della musica da bambina, mostrando un talento naturale e una capacità interpretativa a cui è impossibile rimanere indifferenti. Birdy aveva solo 12 anni quando vinse il talent britannico Open Mic UK, ed anche Michela, con i suoi 18 anni appena compiuti e un approccio alla musica avvenuto all’età di 6 anni, segue un percorso simile: fresca vincitrice di uno dei Festival più importanti del Belpaese – da cui sono partiti artisti come Mahmood, Thomas e Shari -, la Dal Pozzo riesce ad incantare con una vocalità straordinaria. Pur essendo così giovane, riempie il palco e l’anima di chi la ascolta, unendo una presenza scenica già ben definita ad un’essenza artistica che va ben oltre l’età e infonde anima ed emozione in ogni brano. Come Birdy ha fatto con "Skinny Love" e "Not About Angels", Michela porta alla luce un mondo interiore intenso, stratificato e coinvolgente, utilizzando la musica come strumento per raccontare se stessa e il proprio percorso. L’interpretazione che offre del pezzo è avvolta da un’eleganza straordinaria: l’essenzialità dell’arrangiamento, impreziosita dalle linee del pianoforte, permette alla sua voce angelica di esprimersi in tutta la sua pienezza, sfiorando orecchie e cuore con una naturalezza incredibile. Attraverso la musica, conduce l’ascoltatore in sentimenti di perdita, di forza ritrovata e di accettazione, creando un’atmosfera che invita a lasciarsi andare e a riscoprire la bellezza dei sentimenti. Misurarsi con il repertorio di Birdy è tutt’altro che semplice, ma Michela dimostra una maturità artistica che le consente di fare propria una canzone complessissima. “Not About Angels” non è un semplice brano d’amore; è una riflessione sulla sofferenza e sulla forza di ricominciare, un racconto in cui la speranza si affaccia dopo aver attraversato il dolore. «Questa canzone parla di un amore giunto ormai al termine e della sofferenza che questa perdita porta con sé – racconta l’artista -. La frase “It’s not about angels”, suggerisce che non si tratta di qualcosa di ideale, come gli angeli, ma di un’esperienza terrena, complessa e dolorosa. Questo brano per me rappresenta la forza che ognuno di noi possiede e che esercita per andare avanti; è la ripartenza dopo una delusione, più o meno grande, che permette comunque di comprendere meglio noi stessi, la nostra interiorità e il nostro essere vulnerabili, umani.» La giovane cantante fa suo il messaggio del brano, incoraggiando il pubblico ad accogliere tutte le emozioni che il percorso della vita ci dona, anche quelle che spesso vorremmo nascondere. Nata il 5 settembre 2006 a Sondalo, in provincia di Sondrio, Michela Dal Pozzo ha da sempre nutrito una passione per la musica e l’arte. Il suo percorso inizia con la danza classica e moderna, per poi arricchirsi con lezioni di solfeggio, canto e pianoforte. Attualmente frequenta il Liceo Musicale dell’Istituto Superiore Balilla Pinchetti di Tirano, continuando a perfezionare le sue abilità con corsi di canto privati. Negli anni, ha preso parte a numerosi stage formativi e concorsi nazionali, tra cui il Tour Music Fest al CET di Mogol, il premio “Orizzonti di Speranza” e il Tiziano Rossetti International Online Music Competition, portando a casa importanti riconoscimenti. La versione di “Not About Angels” da lei proposta è un momento di pura emozione, in cui talento e sensibilità giungono al cuore in assoluta completezza. Cantare Birdy richiede tecnica e delicatezza, ma Michela riesce a trasmettere una dimensione ancora più personale e autentica, facendo di ogni verso un’occasione per esprimere sé stessa e il proprio mondo interiore. «Voglio trasmettere a chi mi ascolta che provare tristezza, delusione, dolore fa parte del nostro percorso ed è per questo che diventa fondamentale accettare le nostre emozioni senza volerle mascherare o nascondere», conclude, ricordandoci che, per poter guarire, è necessario attraversare il dolore con coraggio, abbracciando ogni sfumatura della propria esperienza. Con questo progetto, Michela Dal Pozzo si conferma una promessa della musica italiana, portando alla luce una voce che sa essere intensa, pura e ricca di anima. “Not About Angels” non è solo una cover per lei, ma un invito a guardarsi dentro e trovare il coraggio di ripartire, senza mai nascondere le proprie emozioni.... Continua a leggere

Con una scrittura diretta ma mai superficiale, “Yang” è una canzone che racconta ciò che resta, muovendosi tra nostalgia, rimpianto e accettazione, tracciando il delicato equilibrio tra ciò che è stato e ciò che non sarà più. Violla mette a nudo i sentimenti in antitesi di chi si ritrova a riflettere su una storia finita, ma ancora nitidamente viva nei ricordi. Il brano si apre con una riflessione disarmante: «Non la sento più, ma lei mi smuove il mood». Queste parole, semplici e incisive, descrivono la persistenza di un legame che continua a influenzare il protagonista, nonostante la distanza. Nel ritornello, Violla tocca il cuore del pezzo con una frase che racchiude al contempo il senso di appartenenza e perdita: «Io e te non siamo rimasti insieme, e sembravi tu il mio yang». L’immagine dello “yang”, che dà il titolo alla release, richiama l’idea di completamento, evocando la sensazione che la persona amata fosse la parte mancante di un tutto, un tutto che senza di lei si ritrova disgregato, incompleto, irrisolto. «Ho scritto “Yang” per dare voce a quel momento in cui ti rendi conto che una relazione è finita, ma i ricordi rimangono vividi - racconta Violla -. Non è un brano sul rimpianto, ma sull’accettazione malinconica di ciò che non può più essere.» In una società in cui il confronto con le emozioni è spesso mediato dai social e dalla superficialità di una comunicazione fugace, “Yang” fa centro con la sua sincerità. Il brano si inserisce nel dibattito attuale sull’importanza di accettare la fragilità e di trovare nella musica uno strumento per elaborare il passato. In un passaggio particolarmente rappresentativo del testo, Violla canta: «Vorrei non sentire la nostalgia dei giorni in cui rimanevi da me, potrei far finta che era tutto un film, senza trama e spazio per i sottotitoli». Un’immagine chiara, di facile evocazione, che immortala il desiderio di semplificare i ricordi per renderli meno dolorosi, ma che al tempo stesso ne esalta e ne amplifica l’intensità. Musicalmente, “Yang” si caratterizza per un arrangiamento essenziale, che lascia emergere la voce di Violla in tutte le sue sfumature. La produzione, curata nei minimi dettagli, accompagna il testo senza mai sovrastarlo, regalando al brano un’atmosfera intima e avvolgente. Classe 1997, Violla si è fatto conoscere per la sua capacità di fondere generi rimanendo sempre autentico, riconoscibile e fedele alla sua identità artistica in ogni pubblicazione. Dal rap al lo-fi, dal metal al boom bap, ogni suo progetto porta con sé un’evoluzione evidente, figlia di un percorso di crescita professionale e personale. Dopo aver condiviso il palco con alcuni dei nomi più importanti della scena italiana, il cantautore e rapper romano continua a farsi strada per la sua scrittura viscerale e la capacità di accarezzare orecchie e cuore con una sensibilità e un’eleganza interpretativa di raro riscontro. “Yang” ci invita a riflettere sul valore delle relazioni e sull’importanza di accettare ciò che ci ha segnato. Perché è solo guardando dentro noi stessi, accogliendo con delicatezza i segni del passato, che possiamo scoprire che, in fondo, sono proprio le cicatrici sul cuore a renderci completi.... Continua a leggere

La musica può scuotere le coscienze, e Mocky lo sa bene. Con il suo nuovo singolo, “Sorriso sulle labbra”, il giovane cantautore e regista si fa portavoce di una delle piaghe più dolorose della nostra società: il femminicidio. Una canzone che non è solo musica, ma un grido d’aiuto, un tributo a chi non c’è più e un appello a chi può ancora fare la differenza. Mocky, nome d’arte di Mario Signorile, ha scritto il brano ispirandosi ad un articolo che raccontava l’ennesima tragedia legata ad un femminicidio. La storia narrata in “Sorriso sulle labbra” prende forma attraverso dettagli simbolici e una protagonista immaginaria, Elena, il cui nome è stato scelto dai fan dell’artista tramite un sondaggio su Instagram, ignari del tema che il progetto avrebbe affrontato. Elena, una ragazza con il sogno di diventare architetto – metafora che rappresenta la volontà di costruire e creare –, ricordata da tutti per il suo sorriso. Un sorriso che non potrà mai più illuminare il mondo, spezzato dalla bruta violenza di chi diceva di amarlo. È proprio questo contrasto, tra la luce del sogno di Elena e il buio che l’ha inghiottita, a rendere il brano così intenso e necessario. Il cantautore racconta con queste parole la genesi del progetto: «"Sorriso sulle labbra" è la prima canzone che pubblico su un argomento tanto delicato, ma che mi sta davvero a cuore. L’ho scritta con la speranza che tragedie come questa non si ripetano mai più. È un pezzo che nasce dal bisogno di dare un senso al dolore, di parlare per chi non può più farlo. Voglio che chiunque la ascolti si fermi, rifletta, e capisca che non possiamo più restare in silenzio.» Il testo di “Sorriso sulle labbra” è un racconto intimo e struggente che traccia la storia della sua protagonista, una giovane donna piena di speranze e ambizioni, e di una relazione che si trasforma lentamente in una prigione. Il ritornello ripete una frase a cui non è possibile rimanere indifferenti: «La luce nei suoi occhi scompare dai suoi occhi». Utilizzando immagini semplici ma estremamente incisive, Mocky dipinge i desideri e le paure di una vita spezzata, le linee di quello stesso sorriso che si è spento per mano di una crudeltà che non può più essere ignorata. Nel verso «Lei, quel sorriso sulle labbra, qualche libro fra le braccia, con un sogno nel cassetto: diventare architetto», l’artista trasla in musica il ritratto di una quotidianità serena, brutalmente interrotta. La seconda parte del testo scivola verso un’oscurità tangibile, raccontando un amore tossico, fatto di controllo e gelosia, dando voce ad una realtà invisibile agli occhi esterni, ma devastante per chi la vive. Un dolore sordo, un silenzio assordante «dentro un cuore che non smette», quel «silenzio che fa male, che nessuno sa ascoltare» che spesso circonda le vittime e rende la loro sofferenza ancora più straziante. L’ultimo verso, «Lei, pioggia fredda sulla pelle, un ricordo della gente, il sorriso di una ragazza che non tornerà più a casa», è un tributo a tutte le vittime, una dedica accorata che invita a non dimenticare, a non distogliere lo sguardo e a non voltarsi dall'altra parte. La produzione del brano è durata mesi, con Mocky impegnato a rendere giustizia alla delicatezza del tema. L’arrangiamento, essenziale e commovente, accompagna il testo, lasciando che la voce dell’artista esprima pienamente il messaggio, il racconto di una storia che, purtroppo, appartiene a tante, troppe donne. «La mia musica nasce sempre dal bisogno di dare un senso alle cose – conclude Mocky -. Ho lavorato a questa canzone per mesi, volevo che il risultato finale fosse rispettoso dell’argomento trattato. Spero che possa far riflettere chiunque la ascolti.» Già noto al pubblico per i suoi lavori come attore e regista, Mocky ha saputo trasporre la sua capacità di raccontare storie nel mondo della musica. Dalla candidatura ai Webbing Award per “Odio il Mio Migliore Amico” fino al fan film “The Last of Us Forsaken”, il poliedrico artista pugliese ha sempre dimostrato una grande abilità nel trasmettere emozioni. Con “Sorriso sulle labbra”, oltre ad aggiungere un nuovo capitolo al suo percorso artistico, dimostra che la musica può ancora essere uno strumento di denuncia e sensibilizzazione, che non si tratta solo di una forma di intrattenimento, ma anche di educazione e responsabilizzazione, svegliando le coscienze per combattere le ingiustizie. “Sorriso sulle labbra” è un appello che non può essere ignorato, un invito ai media a dare spazio al tema della violenza di genere, alle istituzioni a fare di più per prevenire i femminicidi, e ad ognuno di noi a rompere il silenzio. Perché ogni piccolo gesto, ogni riflessione può essere un importante passo verso il cambiamento, un interruttore interiore attraverso il quale accendere una luce sulle ombre e fare la differenza.... Continua a leggere

La musica può scuotere le coscienze, e Mocky lo sa bene. Con il suo nuovo singolo, “Sorriso sulle labbra”, il giovane cantautore e regista si fa portavoce di una delle piaghe più dolorose della nostra società: il femminicidio. Una canzone che non è solo musica, ma un grido d’aiuto, un tributo a chi non c’è più e un appello a chi può ancora fare la differenza. Mocky, nome d’arte di Mario Signorile, ha scritto il brano ispirandosi ad un articolo che raccontava l’ennesima tragedia legata ad un femminicidio. La storia narrata in “Sorriso sulle labbra” prende forma attraverso dettagli simbolici e una protagonista immaginaria, Elena, il cui nome è stato scelto dai fan dell’artista tramite un sondaggio su Instagram, ignari del tema che il progetto avrebbe affrontato. Elena, una ragazza con il sogno di diventare architetto – metafora che rappresenta la volontà di costruire e creare –, ricordata da tutti per il suo sorriso. Un sorriso che non potrà mai più illuminare il mondo, spezzato dalla bruta violenza di chi diceva di amarlo. È proprio questo contrasto, tra la luce del sogno di Elena e il buio che l’ha inghiottita, a rendere il brano così intenso e necessario. Il cantautore racconta con queste parole la genesi del progetto: «"Sorriso sulle labbra" è la prima canzone che pubblico su un argomento tanto delicato, ma che mi sta davvero a cuore. L’ho scritta con la speranza che tragedie come questa non si ripetano mai più. È un pezzo che nasce dal bisogno di dare un senso al dolore, di parlare per chi non può più farlo. Voglio che chiunque la ascolti si fermi, rifletta, e capisca che non possiamo più restare in silenzio.» Il testo di “Sorriso sulle labbra” è un racconto intimo e struggente che traccia la storia della sua protagonista, una giovane donna piena di speranze e ambizioni, e di una relazione che si trasforma lentamente in una prigione. Il ritornello ripete una frase a cui non è possibile rimanere indifferenti: «La luce nei suoi occhi scompare dai suoi occhi». Utilizzando immagini semplici ma estremamente incisive, Mocky dipinge i desideri e le paure di una vita spezzata, le linee di quello stesso sorriso che si è spento per mano di una crudeltà che non può più essere ignorata. Nel verso «Lei, quel sorriso sulle labbra, qualche libro fra le braccia, con un sogno nel cassetto: diventare architetto», l’artista trasla in musica il ritratto di una quotidianità serena, brutalmente interrotta. La seconda parte del testo scivola verso un’oscurità tangibile, raccontando un amore tossico, fatto di controllo e gelosia, dando voce ad una realtà invisibile agli occhi esterni, ma devastante per chi la vive. Un dolore sordo, un silenzio assordante «dentro un cuore che non smette», quel «silenzio che fa male, che nessuno sa ascoltare» che spesso circonda le vittime e rende la loro sofferenza ancora più straziante. L’ultimo verso, «Lei, pioggia fredda sulla pelle, un ricordo della gente, il sorriso di una ragazza che non tornerà più a casa», è un tributo a tutte le vittime, una dedica accorata che invita a non dimenticare, a non distogliere lo sguardo e a non voltarsi dall'altra parte. La produzione del brano è durata mesi, con Mocky impegnato a rendere giustizia alla delicatezza del tema. L’arrangiamento, essenziale e commovente, accompagna il testo, lasciando che la voce dell’artista esprima pienamente il messaggio, il racconto di una storia che, purtroppo, appartiene a tante, troppe donne. «La mia musica nasce sempre dal bisogno di dare un senso alle cose – conclude Mocky -. Ho lavorato a questa canzone per mesi, volevo che il risultato finale fosse rispettoso dell’argomento trattato. Spero che possa far riflettere chiunque la ascolti.» Già noto al pubblico per i suoi lavori come attore e regista, Mocky ha saputo trasporre la sua capacità di raccontare storie nel mondo della musica. Dalla candidatura ai Webbing Award per “Odio il Mio Migliore Amico” fino al fan film “The Last of Us Forsaken”, il poliedrico artista pugliese ha sempre dimostrato una grande abilità nel trasmettere emozioni. Con “Sorriso sulle labbra”, oltre ad aggiungere un nuovo capitolo al suo percorso artistico, dimostra che la musica può ancora essere uno strumento di denuncia e sensibilizzazione, che non si tratta solo di una forma di intrattenimento, ma anche di educazione e responsabilizzazione, svegliando le coscienze per combattere le ingiustizie. “Sorriso sulle labbra” è un appello che non può essere ignorato, un invito ai media a dare spazio al tema della violenza di genere, alle istituzioni a fare di più per prevenire i femminicidi, e ad ognuno di noi a rompere il silenzio. Perché ogni piccolo gesto, ogni riflessione può essere un importante passo verso il cambiamento, un interruttore interiore attraverso il quale accendere una luce sulle ombre e fare la differenza.... Continua a leggere

Bennyvi, la giovane cantautrice ticinese di origini venete cresciuta tra le influenze di Taylor Swift e i classici di Fabrizio De André, varca i confini della scena musicale svizzera con “I Know What You Are” (Delma Jag Records), il suo nuovo singolo. Un brano che strizza l’occhio alle hit d’Oltreoceano, anche grazie alla collaborazione della co-autrice Skyler Wind e del producer Zid, due delle figure più rilevanti della scena pop elvetica ed europea. Con “I Know What You Are”, Bennyvi ci guida in un universo fatto di storie vere e immaginari pop. Il brano, ispirato alla saga cinematografica Twilight, è una perfetta fusione tra ironia e narrazione filmica e rappresenta un’evoluzione sonora che sposa la sua anima cantautorale con un sound più incisivo, segnando una fase della sua carriera che la proietta verso il panorama europeo. Con uno stile che richiama l’intensità di Taylor Swift e la grinta di Dua Lipa, ma che rimane del tutto personale, Bennyvi combina le sue esperienze alla cultura pop contemporanea in una miscela esplosiva di suoni e carisma. Intrecciando la leggerezza della melodia alla profondità di una riflessione, quella sul mistero di un amore fuori dagli schemi, "I Know What You Are" descrive in una metafora inaspettata e originale un incontro speciale: «You stay out of the sun, I think that I should run. You talk to me, I wonder: Are you 20 or a hundred?» («Se stai lontano dal sole, penso che dovrei scappare. Se mi parli, mi chiedo: hai 20 anni o cento?»), suggerendo un fascino enigmatico che sfugge alle definizioni, ma lascia spazio all’immaginazione e alle emozioni che non si possono spiegare, ma solo vivere. «Le mie canzoni sono frammenti della mia vita: nascono da emozioni che voglio raccontare e condividere - spiega l’artista -. Ho iniziato a chiamare questa persona “vampiro”, ispirandomi al personaggio di Edward Cullen. Questo mi ha portata a creare un brano che fosse una sorta di tributo ironico e romantico al mistero che avvolgeva quella relazione.» Il testo fonde la realtà con l’immaginario, creando un’atmosfera giocosa e intrigante. Le linee vocali fluide si intrecciano con ritmi moderni e incalzanti, regalando una traccia che è al tempo stesso leggera e piena di significato e che nella frase chiave del ritornello «Fell in love with a vampire, vampire» («Mi sono innamorata di un vampiro, un vampiro»), trova la sua piena espressione. Una celebrazione in musica di quelle emozioni travolgenti e totalizzanti che, proprio come al cinema, ci catapultano in un mondo dove ogni dettaglio si amplifica, rimanendo indelebilmente impresso nella memoria del cuore. Un racconto fatto di contrasti, tra sagacia e pathos, che invita l’ascoltatore a lasciarsi trasportare senza riserve. Il brano fa da apripista il primo EP della cantautrice, un progetto che rappresenterà un vero e proprio viaggio musicale, ricco di sfumature e di racconti e che la stessa Bennyvi anticipa con queste parole: «Sto lavorando a un EP che racchiude momenti della mia vita, esperienze che mi hanno plasmata sia come artista che come persona. Sarà un percorso, una storia da ascoltare dall’inizio alla fine. Non vedo l’ora di condividerlo con chi ascolta la mia musica, per portarlo dentro il mio mondo.» Una voce incisiva, un’identità artistica distintiva e una narrativa genuina fanno di Bennyvi la nuova promessa della musica pop internazionale con radici italiane. Con una carriera in continua ascesa, che ha già toccato le principali radio europee e statunitensi grazie al brano "People Like You", Bennyvi e le sue performance live, come quella all’XTRA Music Cafè di Zurigo durante le Delma Jag Sessions, la cantautrice ticinese si conferma un talento capace di catturare l’attenzione del pubblico, dimostrando di avere tutte le carte in regola per lasciare un’impronta nel panorama musicale dei prossimi anni. L’artista ticinese porta con sé non solo il talento di chi sa raccontare, ma anche il coraggio di chi vuole lasciare un segno. La sua musica, in cui confluiscono influenze pop con un tocco di storytelling, si candida ad essere un punto di riferimento per una generazione che cerca sincerità, genuinità e visione. Il viaggio di Bennyvi è appena iniziato, ma ogni passo che compie è un promemoria: siamo davanti ad una delle proposte più interessanti della nuova scena pop che non si presenta come una promessa, ma come una realtà inarrestabile che sa già come trasformare il proprio percorso in un racconto musicale che si fa spazio tra il cuore del pubblico. Ogni release di Bennyvi è una pagina di un diario musicale che parla a una generazione e chi la ascolta oggi, ricorderà il suo nome domani.... Continua a leggere

Dopo la vittoria della categoria Senior alla 27esima edizione del prestigioso Videofestival Live, il cantautore lodigiano Emiliano Curioni torna con “Io”, una reinterpretazione sentita e viscerale di “Oggi sono io”, il classico senza tempo di Alex Britti del 1999 ripreso da Mina nel 2009. Una versione intima, essenziale e a cuore aperto sostenuta dall’eleganza del solo pianoforte e intrisa di emozione grazie alla resa struggente e alla voce unica, potente e inconfondibile di Emiliano. Un viaggio musicale attraverso le emozioni e le fragilità che accompagnano l’artista, un racconto che va oltre la narrazione di una storia, per svelare il percorso di vita segnato da esperienze, successi e sfide - di Curioni e di ciascun ascoltatore che si identifichi e si riconosca nelle parole del pezzo. 55 anni, originario di Massalengo in provincia di Lodi, Emiliano Curioni porta con sé un bagaglio di passione e determinazione. La musica è diventata per lui un rifugio e una rinascita, in particolare dopo una fase complessa della sua vita personale. Padre di due figli, Simone ed Elena, ha trovato nella musica la sua vera compagna, una presenza che l’ha aiutato a rimettere insieme i pezzi. «È la mia compagna di viaggio a cui devo tutto, e la ringrazio ogni volta che mi esibisco», racconta l’artista. Con una lunga carriera alle spalle, il cantautore lombardo ha mosso i primi passi nel mondo delle band nel 1991, esplorando inizialmente il mondo latino-americano e la bossa nova, per poi approdare a sonorità funky, rock e blues degli anni ‘60, ‘70 e ‘80. Queste esperienze hanno plasmato la sua versatilità musicale e la sua capacità di spaziare tra generi diversi, una qualità che ha sempre coltivato con naturalezza e apertura. Un talento che non smette di cercare nuovi orizzonti e che, accompagnato da impegno e dedizione, lo ha portato a partecipare a numerosi concorsi e festival di prestigio. Dal casting per X Factor nel 2019, che lo ha spinto a non fermarsi e a mettersi alla prova in altre competizioni come “Una voce per Lodi”, “Premio Mia Martini” e il “Premio Lucio Dalla”, fino alle recenti vittorie nelle edizioni 2024 di “CantaBergamo”, “Je so’ pazzo” e “VideoFestival Live” come miglior interprete senior. Attualmente, Emiliano è in gara al “Festival sotto al Conero” e al “Tour Music Fest 2024” nella categoria Senior, segno di un percorso che non conosce soste. “Io” è un’attestazione di autenticità, mediante cui l’artista propone un’interpretazione sincera e personale, con un arrangiamento ridotto all’essenziale, in cui la sua voce e il pianoforte diventano protagonisti assoluti. È un invito a rivivere una pietra miliare della Canzone Italiana con occhi nuovi, un’avventura musicale che si rivolge a chi, come lui, ha imparato a trovare forza e bellezza anche nelle difficoltà. «Questa canzone è parte di me, sfiora le corde più intime della mia anima – conclude Emiliano – e spero possa trasmettere a chi ascolta lo stesso senso di rinascita e verità che ha donato a me.» La forza della musica nelle mani di un interprete che mette al servizio dei brani la propria essenza e la propria esperienza; Emiliano Curioni è un cantautore che racconta con semplicità la propria vita, regalando emozioni sincere e senza artifici. Con “Io”, offre al pubblico un messaggio che parla a tutti e, al tempo stesso, mantiene una forte intimità personale. La sua voce, intensissima e ricca di sfumature, avvolge l’ascoltatore guidandolo in un’esperienza che va oltre la musica, trasformando una cover in una dichiarazione di intenti, un promemoria che ci invita a restare fedeli alla nostra vera natura, a quell’”Io” che spetta soltanto a noi modellare, custodire, proteggere, migliorare e ascoltare con sincerità, perché il segreto per vivere davvero è avere il coraggio di essere se stessi.

Pare, dopo aver dato prova delle sue abilità da MC e della sua profondità autorale fondendo Hip Hop e filosofia in “Il Mondo Collassa” (feat. Trip) e trasformando le inquietudini in musica con il singolo "Giorni di Pare" rilasciato la scorsa estate, torna sui digital store con “Come Stai?”, un brano ipnotico e catartico che, intrecciando la malinconica eleganza del pianoforte a barre serratissime, racconta il potere che una persona può avere nel migliorare la nostra vita e il peso che porta con sé il non riuscire a restituire gli stessi piccoli ma preziosissimi gesti, le stesse attenzioni, la stessa intensità emotiva. Guidata dalla classe senza tempo dei tasti bianchi e neri che scandiscono perfettamente ogni emozione, la traccia si muove tra rap e melodia, aprendosi con un’atmosfera nostalgica, in cui il piano guida l’ascoltatore tra i pensieri di Pare, mentre riflette sulle dinamiche della sua relazione: «Ricordi quando ero solo, quando dentro avevo il vuoto... ma tu mi hai tirato su, mi hai preso di forza e dato speranza». Fin dai primi versi, l’artista esprime riconoscenza verso una persona che gli ha cambiato la vita, riempiendo quel vuoto e donandogli una visione nuova, facendogli scorgere il mondo, interiore e circostante, da una diversa prospettiva. La canzone ci porta così all’interno di un legame in cui Pare si mostra capace di ammettere le proprie debolezze, riconoscendo il dolore causato dal suo atteggiamento, molto più freddo e distante rispetto a quello della partner. Le sue parole ci introducono alla difficoltà di mostrare affetto, di spogliarsi da corazze che celano insicurezze e paure, soprattutto quando il peso dell’orgoglio si scontra con la volontà di dimostrare amore. Con la frase «So che ti offendi, so che lo senti, sono una bestia ma ho sentimenti», Pare mette a nudo la propria anima, facendo i conti con la battaglia quotidiana di chi è combattuto tra il desiderio di proteggere l’altro e la difficoltà di abbattere le proprie difese. Un’immagine che parla di chi lotta per comunicare i propri sentimenti, e per chi riesce a percepire l’amore anche attraverso silenzi e gesti imperfetti. Una dichiarazione sentita che sa di redenzione, che non si limita a raccontare l’amore come salvezza, ma anche come una lezione che ci insegna a scendere a compromessi con il nostro lato oscuro, con quelle ombre che spesso ci impediscono di donare completamente noi stessi. «Per ogni lacrima che verserai, sarò pronto a toglierti dai guai», recita il testo, confermando l’impegno del suo autore ad esserci, nonostante le difficoltà. Nato a Forte dei Marmi e cresciuto con una formazione musicale che passa dal pianoforte al rap, Pare ha da sempre una visione della musica come strumento di connessione e supporto per gli altri. «La musica è stata il mio rifugio e la mia rinascita – dichiara l’artista – e in questo brano voglio condividere quello che ho imparato: cadere non significa perdere, significa trovare la forza di rialzarsi, di accettare gli errori e cercare di essere una persona migliore.» “Come Stai?”, prodotto da Pxter, è uno sguardo intimo e disarmante sull’amore e sulle fragilità, raccontate con rara onestà. Con la forza comunicativa del rap e la delicatezza del pianoforte, Pare firma una traccia che si colloca a metà tra poesia e confessione, portando l’ascoltatore a riflettere sulle proprie relazioni, con se stesso e con l’altro. È una storia che si racconta oltre le parole, una testimonianza su cosa significhi accogliere i propri limiti e dare importanza a quei gesti che, per quanto imperfetti, costruiscono una connessione vera e sincera.

Con un ritmo esplosivo e un testo che colpisce come un dritto, Masterman MC torna con "Kill The Beat" (PaKo Music Records), il suo nuovo singolo in cui la vera anima del rap si intreccia con la capacità innata di autoanalisi e onestà che da sempre contraddistinguono l'artista irpino. "Kill The Beat" non è solo una prova di stile, ma una dichiarazione di intenti, un manifesto della scena Hip Hop in cui rispetto e autenticità sono la base di tutto. Nato dalla collaborazione tra Masterman MC, al secolo Luca Esposito, e Guido Cioffi, meglio noto come Dr.Gui, che firma il beat, questo pezzo si articola su più livelli, regalando all'ascoltatore un viaggio tra flow e metriche che si rincorrono in un ritmo incessante, un alternarsi di lingua napoletana e italiana che arricchisce il brano di sfumature, pathos e originalità. Masterman MC sfida e si sfida, autocelebrandosi in una battaglia in cui il nemico è il suo alter ego: un diss irriverente, tagliente e intimista, destinato solo a se stesso. Con "Kill The Beat", l'artista porta l'Hip Hop alle sue radici, omaggiando una cultura fondata sul rispetto reciproco e sull'autenticità, come raccontano le sue parole: «Volevo creare qualcosa che rappresentasse il mio personale tributo alla scena. L'unico dissing che mi interessa fare è contro di me, contro le mie paure e i miei limiti, per ricordare a me stesso che solo io posso essere il mio avversario più grande.» Un brano che affonda nelle radici del rap, ma che si proietta nel futuro, mantenendo intatta quella tensione e quella complessità che caratterizzano le tracce più iconiche del genere. Nel testo, Masterman MC gioca con i contrasti, la metrica e il linguaggio, rendendo "Kill The Beat" un pezzo ipnotico, capace di rapire l'ascoltatore fin dai primi versi. La traccia si sviluppa su due strofe differenti, sia per lingua che per intensità. «Io suono leggenda e dong schiaffuni Will Smith», esordisce Masterman MC, nel suo dialetto, la lingua napoletana, parlando di una forza autentica, schietta e viscerale, quella che non si piega mai davanti a nulla. L'italiano si inserisce nella seconda strofa, dove l'artista rivela una direzione di intenti che penetra nei principi del rap originario. È qui che il tema della sfida interna prende corpo, in una lotta simbolica tra sé e sé: «In guerra con me stesso rappo col mio alter ego, uno dissa l'altro e viceversa non so se mi spiego», recita la frase conclusiva, lasciando al pubblico un'immagine nitida e chiara del conflitto, intimo e acceso, tra le parti più vulnerabili e quelle più determinate, in una costante ricerca di equilibrio e autoconsapevolezza. "Kill The Beat" si differenzia da moltissime proposte attuali anche per una varietà di stili e ritmi, che sottolineano la capacità di Masterman MC di spostarsi tra diverse metriche con fluidità e naturalezza. Dal napoletano all'italiano, ogni verso rappresenta una scelta stilistica mirata a mantenere il brano dinamico, evitando ogni banalità o prevedibilità. «Prova ad abbattermi sopra sti palchi lo vedi che non ce la fai, guerra da battlefield parlan di battermi ma sti codardi scappano live», canta, puntando lo sguardo dritto sulla scena contemporanea, senza censure, forte di una presenza scenica che si percepisce anche attraverso le sole parole. Questa traccia non è solo un egotrip, ma una lezione di flow e carisma che riesce a rimanere fedele alla vera essenza del rap anche in un panorama musicale in continua evoluzione e sempre più spesso lontano dalle peculiarità e dai fondamenti del genere. La produzione di Dr.Gui, pulita, moderna e al contempo di richiamo Old School, fornisce una solida base per la forza espressiva di Masterman MC, permettendo ad ogni parola di arrivare all'ascoltatore in modo chiaro e diretto, privo di filtri. Masterman MC porta avanti una missione artistica: riprendere le radici dell'Hip Hop, restituendogli autenticità e significato. E "Kill The Beat" sintetizza perfettamente questa visione, diventando, in poco più di due minuti, un inno a sfidare i propri limiti, a restare fedeli alla propria identità anche quando tutto sembra chiedere il contrario. «Ho sempre creduto nel potere della musica come forma di sfida personale – racconta Masterman MC – e questo brano è il mio modo di ribadire chi sono e quanto sono disposto a mettermi in gioco, a non piegarmi mai davanti a nessuno, nemmeno a me stesso.» "Kill The Beat" è un invito aperto ad immergersi in un sound che si fa spazio con energia e convinzione, capace di risvegliare emozioni e di raccontare una storia di rispetto e crescita interiore. Masterman MC continua a rappresentare, con il suo stile unico e il suo flow inconfondibile, l'anima più autentica dell'Hip Hop, una voce che si fa sentire e che non smette mai di sorprendere. "Kill The Beat" è un vero e proprio banger, lontano dalle dinamiche di un mercato che punta solo a numeri e facciate e vicino alla natura di denuncia, rabbia e desiderio di rivalsa del rap; un brano che va oltre la musica per raccontare una battaglia, la più difficile: quella con se stessi.... Continua a leggere

«Siamo figli del serpente. Papà è uno stupratore. Mamma non ci vuole» Con queste parole crude e coraggiose inizia il grido lacerante di Gilles Yahfa nel suo nuovo singolo, "Figli di Serpente", un’opera che denuncia con straordinaria verità e intensità l’orrore che da troppo tempo si consuma nella Repubblica Democratica del Congo, dove lo stupro viene utilizzato come un’arma di guerra e le donne, siano esse madri o figlie, vengono brutalmente violate. Yahfa, con l’artiglieria più potente che possiede, la sua penna affilata e la sua urgenza espressiva, dà voce a quelle vittime invisibili e a quei figli che portano con sé il peso insopportabile di una nascita generata dall’orrore. Il testo è saturo di immagini forti, ritratti di una lunga serie di abusi che non lasciano spazio ad ambigue interpretazioni: «Siamo vittime, uno sbaglio. Rinnegati da sempre, la gente non ci vuole», un quadro devastante della realtà che migliaia di bambini e madri vivono quotidianamente in Congo. Gli stupri di massa sono all'ordine del giorno, usati come strumento di controllo, violenza e umiliazione in una guerra sporca che si consuma nell’indifferenza globale. Ma “Figli di Serpente” non è solo il tragico storytelling musicale di ciò che accade al di là del Mediterraneo, è una chiamata alle coscienze, un appello a non rimanere in silenzio di fronte ad un orrore che continua a perpetrarsi e a trovare terreno fertile nella non curanza e nel disinteresse collettivo. «Hanno il number 23, non c'entrano con Jordan, pure la M, e non intendo Michael» canta Yahfa riferendosi alla brutalità dei ribelli dell’M23, la milizia che continua a devastare la popolazione locale per lo sfruttamento del Coltan, minerale essenziale per la produzione di tecnologia. «Lo stupro viene usato come arma, la guerra si fa sui corpi delle donne e il mondo guarda altrove - spiega Yahfa -. Un'indifferenza che diventa complicità, specialmente in Occidente, dove il silenzio copre la realtà brutale di chi paga il prezzo più alto.» Una denuncia scomoda e coraggiosa, mediante la quale Yahfa si interroga anche sul ruolo dell’Occidente e dell’ipocrisia globale: «In Occidente stanno in fila per il nuovo iPhone qua scorre sangue, nessuno vive», prosegue il testo, puntando il dito contro il silenzio complice di chi continua a beneficiare di minerali insanguinati per alimentare il mercato tecnologico, senza chiedersi il prezzo reale pagato dalle vittime di questo sistema. Il brano affronta anche la questione delle religioni imposte durante la colonizzazione, che secondo l’artista ivoriano d’adozione bergamasca hanno addormentato lo spirito di ribellione degli africani: «Aspettiamo ancora che un dio bianco ci salvi», un verso che evidenzia come le chiese lussuose sorgano in un paese dove mancano scuole, ospedali e infrastrutture, e la fede venga usata come strumento per mantenere la popolazione in uno stato di rassegnazione. Con questa nuova release, Gilles Yahfa lancia un monito: il mondo non può più girarsi dall’altra parte di fronte ad un genocidio che continua nell’indifferenza generale. «Sono più di 6 milioni le vittime di questa guerra – spiega l’artista – e nessuno sembra voler fermare tutto questo, perché?» Una domanda a cui il cantautore panafricanista non cerca solo risposta, ma con la quale vuole scuotere una società sempre più assuefatta al male. “Figli di Serpente” è una denuncia, un pugno nello stomaco e un appello a riflettere in maniera attiva. Gilles Yahfa, già noto per le sue precedenti release volte a smuovere la coscienza insita in ciascuno di noi, oltre che per la sua partecipazione ad X Factor Italia nel 2018, continua il suo percorso di sensibilizzazione attraverso la musica, dando luce e dignità a chi le ha perduta e portando sotto i riflettori le tragedie dimenticate, o volutamente non trattate, del nostro tempo. Concludendo il suo progetto con una riflessione amara sulla condizione umana e la necessità di un risveglio collettivo, Gilles Yahfa dichiara: «Non sarà un brano a cambiare le cose, ma se anche solo una persona si fermerà a riflettere, avrò raggiunto il mio obiettivo. La musica può essere un veicolo potente per la verità, ma tocca a noi, come esseri umani, agire.» Con “Figli di Serpente”, Gilles Yahfa riconferma di essere non solo un artista, ma una voce scomoda e necessaria nel panorama musicale contemporaneo, che sfida l'indifferenza e chiama alla responsabilità collettiva. Mentre noi ci godiamo i frutti di un mondo iperconnesso e distratto, milioni di persone continuano a pagare il prezzo più alto. Yahfa ci ricorda che la scelta di agire, o di restare in silenzio, è nelle mani di ciascuno di noi.... Continua a leggere

Dopo aver toccato il cuore del pubblico con le sue precedenti release, tra cui “Rimarrò tua” - brano in cui la perdita si trasforma in un messaggio di amore eterno -, Kimele torna con “Cadere”, il nuovo singolo che mette al centro il coraggio di affrontare la vita e le sue complessità. La voce di Kimele, definita dai media una delle più belle voci maschili del nuovo cantautorato italiano, sa evocare e rendere tangibili quelle emozioni che ci uniscono, cantando di cadute e risalite, di quella ricerca di stabilità che appartiene a tutti noi. “Cadere” è un riflesso delle esperienze quotidiane, una considerazione sul bisogno di trovare forza nelle difficoltà e di accettare e accogliere l’aiuto di chi ci ama. Il racconto di un percorso di rinascita, di quel cadere «senza mai cadere» davvero, in cui non è la battuta d’arresto a definirci, ma la determinazione nel proseguire, rialzarsi e ripartire. Il singolo si articola come un dipinto musicale sul potere dell’amore condiviso, un amore che non è solo passione, ma anche comprensione e sostegno reciproco, quella magica fusione di gesti, sguardi e parole che entrambi i partner scelgono di mettere in campo ogni giorno. È un legame fatto di dedizione, in cui ogni piccolo atto diventa parte di un’intesa più intima, capace di superare le difficoltà e le incertezze. Questo amore è una forza discreta, costruita su fiducia e rispetto, un impegno silenzioso che, anche quando le avversità si fanno sentire, trova il modo di rinascere sempre, oltre ogni caduta. Nel testo, Kimele canta: «Tu che mi tieni la mano nel mio disordine, crescono forti già lo sai, le certezze costruite per noi», convertendo in musica una complicità che sa nutrire i sogni e trasformare le tempeste in quiete, un rapporto che, anche quando il mondo esterno vacilla, ritrova la propria sicurezza in un dialogo sincero e nelle «canzoni che poi ci faranno ricordare, emozioni da riprovare». Kimele, con la delicatezza e l’eleganza che contraddistinguono ogni sua traccia, dà voce alla consapevolezza e alla dualità di una relazione fatta di alti e bassi, e lo fa con la maturità di chi è pronto a fare delle proprie fragilità un punto di forza, comprendendo e supportando l’altro in ogni istante di un percorso da vivere insieme. «Cadere è il simbolo di ogni volta in cui mi sono trovato a terra e ho sentito che solo qualcuno che crede in me mi avrebbe potuto riportare su – dichiara il cantautore partenopeo – È un omaggio a chi resta, a chi sceglie di essere presente anche nei momenti di difficoltà.» Musicalmente, il brano si snoda attraverso arrangiamenti morbidi e avvolgenti, con uno stile moderno che lo rende accessibile e allo stesso tempo intenso e suggestivo. La voce di Kimele guida ogni verso, accompagnando l’ascoltatore in un cammino fatto di parole sincere e di immagini vivide, come nel toccante passaggio: «Fermo il tempo solo se resti ancora qui con me, io che cerco di capire cosa sei per me». In questi versi, l’artista immortala la preziosa fragilità e bellezza di un momento condiviso, un attimo che si vorrebbe fermare e proteggere, come un tesoro che il cuore non è pronto a lasciar andare. La peculiarità di “Cadere”, accompagnato dal videoclip ufficiale girato ai Napoli Net Studios sotto la direzione di Francesco Polise – che verrà presentato in anteprima nazionale su Sky TG24 il prossimo 28 novembre, risiede nel saper raccontare la capacità di non perdere la fiducia nei periodi di sconforto, la speranza di una vita che sa risollevarsi sempre, accanto a chi ci sostiene e ci comprende. In quel «senza mai cadere, in un vuoto dove nessuno di noi due cambierà la sua direzione», Kimele racchiude l’equilibrio imprescindibile di chi si ama sinceramente e non si abbandona, una stabilità che, pur nelle difficoltà, resta immutata. Kimele, che con il successo dei suoi precedenti singoli ha saputo conquistare il pubblico, continua a mettere in luce il potenziale emotivo della musica, regalando canzoni che parlano di vita vera, con tutti i suoi inciampi e le sue risalite. “Cadere” rappresenta per lui un nuovo capitolo, una crescita artistica che affonda nelle radici dell’esperienza personale per renderla in suono, ritmo e significato. «È un brano che nasce da me e per chi, come me, cerca sempre un appiglio per risalire – conclude –. Siamo tutti protagonisti delle nostre storie e, anche se a volte ci sentiamo soli, credo fermamente che la musica sia una mano tesa, pronta a sollevarci e a portarci dove vogliamo essere.» Con “Cadere”, Kimele ci invita a guardare oltre le difficoltà, a scoprire quella forza che ciascuno di noi porta dentro di sé, una forza che sa accettare anche l’aiuto di chi decide di restare, rivelando l’importanza di trasformare la fragilità in bellezza e la caduta in nuovo slancio.

I Purple Shadows, vincitori della 27a edizione del VideoFestival Live nella categoria “Band Originali Cantautori”, tornano sui digital store con “Panic Attack”, il loro nuovo singolo che racchiude tutta la forza di un sound ispirato al rock, al pop e al blues e la trasforma in un’avventura musicale viscerale, carica di energia. Prodotto dall’abilità creativa di Ricky Ferranti, il brano è un ritratto onesto e sincero sulle incertezze, su tutti quei momenti di vulnerabilità che avvicinano l’ascoltatore alle proprie emozioni; una narrazione senza filtri e mezzi termini sulle fragilità che ci rendono più umani e creano un legame immediato con chi ci circonda. Nati dall’unione tra Xaos (batterista e pianista), Trice (cantante) e Lyukes (bassista, chitarrista e cantante), i Purple Shadows hanno iniziato il loro percorso nell’estate del 2022, costruendo in breve tempo un seguito importante grazie alla loro presenza scenica e alle influenze che mescolano generi diversi in uno stile unico. In “Panic Attack”, la band riesce a condurci all’interno di un mondo fatto di ombre e luci, amore e saggezza: «Ci sono momenti in cui tutti ci sentiamo sopraffatti – raccontano -, prigionieri dei nostri pensieri. Con “Panic Attack” vogliamo mostrare che anche queste emozioni hanno un loro suono, uno spazio, e possono essere trasformate in musica.» Il testo si snoda in immagini che trasmettono un senso di confusione, rabbia e fragilità, mostrando i demoni interiori che minacciano di spezzare la nostra anima. Le parole iniziali - «Un mare nero nella mia testa, odio e rabbia, quello che mi resta» - racchiudono e trasmettono un senso di isolamento e tormento, mentre i versi successivi danno voce all’incertezza: «Non so se parlare, non so se gridare… Perché mi chiuderò ancora in me». Il brano procede con un ritmo incalzante che si accompagna all’evolversi delle emozioni, dove tutta la tensione si trasforma in suono, lasciando che ogni battito parli di un disagio reale, concreto e tangibile. In un crescendo di polaroid musicali, “Panic Attack” immortala questo conflitto, l’estenuante ed incessante battaglia di chi vive un attacco di panico. La band lo descrive come un vuoto che riempie l’anima, un’alternanza tra l’angoscia di cadere e la voglia di reagire. La frase finale del pezzo, «Come sentire un vuoto, e poi cambiare, ma se mi lasci andare, provo a non tremare», è una dichiarazione cruda e sincera che evidenzia come la paura e il desiderio di liberarsi si intreccino, rappresentando un richiamo che arriva dritto a tutti coloro che, nella vita, hanno provato una grande sofferenza e sono alla ricerca di una via per risalire. Con questo brano, i Purple Shadows offrono un esempio di autoanalisi musicale e di consapevolezza. I suoni, quasi sinestetici nella loro sospensione tra luce ed ombra, portano a galla il tema della metamorfosi e del riscatto. «“Panic Attack” – conclude il trio - è nato dall’urgenza di dare un suono alla paura, di trasformare qualcosa di oscuro in uno spazio condiviso, dove non c’è vergogna o solitudine. È il nostro modo di ricordare che anche il dolore può essere trasformato in qualcosa di unico.» La band, che ha già incantato il pubblico con brani come l’omonimo “Purple Shadows”, “Legame”, “Ansia Pura” e “You Mean”, ha saputo affermarsi nel panorama italiano, arrivando tra i 9 finalisti di Sanremo Rock e ottenendo un seguito crescente nelle zone di Piacenza, Cremona e Brescia. Il loro simbolo, il viola, rappresenta la fusione tra amore e saggezza, una perfetta metafora per il loro stile unico e per la loro visione artistica, che fonde sfumature diverse, ricercando il significato di ogni emozione. Con una dedizione sincera alla musica e una forte amicizia personale, i Purple Shadows incarnano il coraggio di affrontare il lato oscuro della vita e di trasformarlo in una scintilla di luce. “Panic Attack” diventa un vero e proprio manifesto per chi, ogni giorno, cerca la luce nelle ombre; un inno per tutti coloro che lottano contro se stessi e un invito a ricercare, nella purezza della musica, un’àncora e un rifugio.... Continua a leggere

Ruggero Ricci, una delle penne più raffinate e delle voci più potenti e versatili della scena musicale italiana contemporanea, dopo aver conquistato il pubblico radiofonico e delle piattaforme di streaming con il successo estivo “Limonata” (feat. Isotta & Lolloflow), torna nei digital store con “Sereno Variabile” (Senza Dubbi/ADA Music Italy), il suo nuovo singolo che mescola con eleganza l’incisività unica della sua scrittura ad un sound country-pop moderno e al contempo intramontabile, confermando la sua capacità di unire stile e contenuto in maniera impeccabile. Prodotto dall’immancabile e preziosissimo tocco di Massimiliano Giorgetti (Majorizm Lab), il brano rappresenta una nuova e significativa evoluzione nella carriera di un artista che non smette mai di sorprendere. Ancora una volta, Ruggero dimostra una versatilità straordinaria, intrecciando generi e stili con naturalezza, mantenendo però sempre al centro la potenza espressiva dei suoi testi. L'ennesima conferma del suo talento nel raccontare le emozioni, anche nelle loro sfaccettature più complesse, rendendole accessibili e vicine al pubblico. "Sereno Variabile" racconta lo strascico di una storia d’amore che poteva essere vissuta in modo diverso, con scelte migliori e forse con più consapevolezza. Tuttavia, nonostante i rimpianti, c’è una nota di speranza che attraversa il pezzo, un invito a non perdere di vista il proprio valore e a dare importanza al tempo, uno dei beni più preziosi che abbiamo. Il perfetto mix di emozione e ritmo che svela luci ed ombre di un amore mancato e che, con il suo arrangiamento up-tempo e una produzione eccellente, è in grado di far ballare e riflettere, coinvolgendo l’ascoltatore su più livelli. Il piacere della musica si fonde all’intimità del testo, e il ritornello, con il suo «Sereno variabile, sereno variabile come io e te», diventa una metafora esemplare per le oscillazioni e le incertezze che caratterizzano le relazioni amorose, tra momenti di felicità e temporali improvvisi. Ruggero descrive la canzone con queste parole: «Questo singolo è un invito a lasciare andare i rimpianti, a guardare avanti e a vivere pienamente il tempo che abbiamo, sia con gli altri che con noi stessi. Ogni momento che sprechiamo rincorrendo ciò che poteva essere è un’occasione persa per vivere il presente, che è l’unico vero tempo che abbiamo a disposizione per crescere, amare e rinascere.» Un viaggio interiore che gioca con parole e traslati volti a trasmettere ogni cromia emotiva con la massima efficacia: «Potevamo camminare sulle nostre scelte, ridere tutta la notte come deficienti», un passaggio che evoca un’idea di libertà frenata da incertezze e scelte sbagliate. La narrazione si snoda tra il passato e il presente, in un equilibrio delicato tra malinconia e speranza che in quel «Potevamo essere quelli che si amano, una scia di luci squarcia il nulla cosmico», racchiude e simboleggia il potenziale di un amore che poteva brillare ma è stato offuscato dalle circostanze e dalle insicurezze. Tra le frasi-chiave del testo, troviamo indubbiamente «E non lo so se sai che ho messo il cuore su Amazon con la scritta "vendesi"», un'immagine immediata e ironica che sottolinea la difficoltà di riappropriarsi di se stessi dopo una delusione, quando si è disposti a tutto pur di ritrovare un equilibrio personale. «”Sereno Variabile” – conclude Ricci - è una canzone che rappresenta una sorta di bilancio emotivo, uno sguardo al passato per capire il presente. Credo che tutti, almeno una volta, abbiano pensato a cosa sarebbe successo se avessero preso decisioni diverse, ma ciò che conta davvero è il valore che diamo al tempo che abbiamo e come scegliamo di spenderlo.» Con questa release, accompagnata dal videoclip ufficiale girato a Milano nei prestigiosi Multiset Studio Bicocca, sotto l’attenta direzione di Andrea Artioli e di Bronny alla fotografia, Ruggero Ricci si cimenta su nuovi sound, mantenendo però quella vena intima e sincera che lo ha reso una delle voci più apprezzate del panorama musicale italiano. Dopo il successo dei suoi precedenti lavori, continua a dimostrare una straordinaria capacità di spaziare tra generi diversi, senza mai perdere la sua identità. In “Sereno Variabile”, l’artista romagnolo si avvicina a sonorità internazionali, rendendo omaggio al country-pop, ma al tempo stesso mantenendo ben salda la sua cifra stilistica. Un’ulteriore conferma del suo eclettismo e della sua volontà di non essere mai scontato, prevedibile o banale. La musica di Ricci diventa un rifugio, un modo per affrontare il passato e trovare il coraggio di andare avanti. Il brano ci ricorda che, nonostante i rimpianti e le incertezze, abbiamo sempre l’opportunità di vivere pienamente il presente e di dare valore ad ogni momento. Ruggero, con abilità ed empatia, riconferma che non c’è bisogno di fronzoli o artifici per raccontare una storia sincera e toccante. La sua voce, piena ed elegante, riesce a trasmettere la carica emotiva del testo con una semplicità che arriva dritta al cuore. Con "Sereno Variabile", l’artista ci invita a riflettere sul tempo che abbiamo e su come lo spendiamo, ricordandoci che, anche nei giorni di pioggia, c’è sempre spazio per un arcobaleno.... Continua a leggere

Manuel Aspidi, una delle voci più intense del panorama musicale italiano, torna con “Eternal Echoes”, un brano toccante e significativo che celebra l'amore in tutte le sue forme. Con parole delicate e cariche di emozione, Aspidi dà vita ad una canzone che travalica le barriere del pregiudizio e diventa un manifesto di libertà, rispetto e uguaglianza. «L’amore non ha sesso, religione o colore», dichiara con fermezza l’artista toscano d’adozione statunitense, raccontando la sua esperienza personale. “Eternal Echoes” è nato in una notte d’estate, ispirato dalla sua storia d’amore con il compagno, un ragazzo che Aspidi descrive come il suo sostegno quotidiano, l’altra metà del suo cuore. «Insieme sosteniamo ogni passo dell'altro, come se ci conoscessimo da sempre» racconta, ricordando quel legame profondo che caratterizza le loro vite. Ma in un mondo che dovrebbe essere evoluto e inclusivo, l’amore tra due persone dello stesso sesso è ancora bersaglio di critiche e minacce. «Quando ho pubblicato una foto con il mio compagno, siamo stati travolti da insulti e persino minacce di morte» rivela Manuel, quasi incredulo di come un sentimento così puro e autentico possa ancora oggi generare odio e incomprensione. Un’esperienza che lo ha spinto a riflettere ancora di più sull'importanza di parlare, di condividere e di lottare contro la discriminazione. «Per fortuna – prosegue -, l’amore e il supporto ricevuti hanno superato di gran lunga le voci negative, ma è assurdo che nel 2024 certi pregiudizi esistano ancora.» “Eternal Echoes” è quindi una risposta a quell’odio: un inno che invita alla riflessione e al cambiamento, soprattutto per i giovani che, come Manuel, si trovano ad affrontare il peso dell’omofobia. «Ho le spalle larghe, ma per alcuni ragazzi più fragili non è così facile e poi accadono fatti che non vorremmo mai leggere», sottolinea il cantautore che ha scalato le classifiche internazionali, con la consapevolezza di quanto le parole possano ferire e condurre a tragiche conseguenze. Il brano, con la sua melodia raffinata e avvolgente ed un testo meravigliosamente poetico, celebra la bellezza dell’amore in tutte le sue sfumature. Nonostante sia ispirato dall’esperienza personale dell’artista, “Eternal Echoes” parla di un amore universale, che trascende ogni limite o etichetta. È una canzone per chiunque creda nella forza dell’amore incondizionato. Le parole di Manuel toccano profondamente l’ascoltatore: «In every dream, in every sleep. We’ll search and find, a love so true, in a million lives, I’ll choose you» («In ogni sogno, in ogni sonno, cercherò e troverò, un amore così vero. In un milione di vite, ti sceglierei ancora»). È un messaggio di eternità, in cui due anime si incontrano e si ritrovano, vita dopo vita, sfidando il tempo e le avversità. “Eternal Echoes” tesse tra le note un amore che va oltre il presente, che risuona nelle vite passate e future, perché due anime unite brillano di luce eterna. Questa narrazione tocca uno dei temi più importanti della nostra epoca: la necessità di accettazione e di rispetto reciproco. «Non credo che amare una persona sia un crimine; lo è piuttosto maltrattare una donna, prendersela con i più deboli. L’amore, invece, dovrebbe essere sempre celebrato», dichiara Aspidi con forza, convinto che la musica possa essere uno strumento di cambiamento. Il progetto – accompagnato dal videoclip ufficiale in uscita il 18 Novembre, girato a Pescara sotto la direzione di Antonio Di Luca con riprese e montaggio a cura di Daniele Cipriani e co-prodotto dalla Settembre Produzioni - rappresenta anche una continuazione naturale del percorso artistico di Manuel, che già con singoli come “Wildfire” ha conquistato il pubblico internazionale, arrivando in vetta alle classifiche estere e dimostrando di avere una finezza capace di toccare le corde più intime e delicate del cuore. “Eternal Echoes” si presenta come un ulteriore tassello di questo viaggio, che intreccia sonorità pop internazionali con una sensibilità tutta italiana, in grado di raccontare storie vere e vissute. Per Manuel, traslare in musica la propria storia significa offrire una speranza a chi si sente solo, discriminato, invisibile. Dopo il suo coming out in diretta televisiva, molti ragazzi hanno scritto all’artista per ringraziarlo, raccontando di come la sua storia li abbia aiutati a trovare il coraggio di essere se stessi. «Se il mio lavoro riesce a dare conforto e forza alle persone, è per me una gioia immensa – confessa, in conclusione -. La musica ha il potere di rompere i muri più spessi e raggiungere i cuori. Se “Eternal Echoes” può dare voce a chi non ne ha, allora è il mio più grande successo.» Un pezzo che diventa rifugio per chi si sente solo e invisibile, una carezza musicale per tutti coloro che devono ancora combattere contro l’ignoranza e la cattiveria per sentirsi accettati. Con questa release toccante, poetica e suggestiva, Manuel Aspidi conferma di essere non solo un talento indiscusso, ma una voce che si alza contro l’ingiustizia e la discriminazione, un esempio di coraggio e di amore incondizionato. “Eternal Echoes” è un manifesto musicale alla vita, alla libertà di essere se stessi senza paura. Un messaggio forte e necessario, un richiamo al rispetto e all’accoglienza che tocca ognuno di noi, perché solo attraverso l’amore possiamo sperare di costruire un futuro migliore.

Cheez, il giovane artista mantovano che ha già saputo farsi notare con brani come “Tenero”, “Sunset Boulevard” e “Light Blue”, torna sui digital store con il suo primo progetto full length, “Feeling Blue”, un concept album che si muove sul filo sottile tra amore e depressione, raccontando le sfumature più oscure e delicate di questi due mondi che spesso si intrecciano. Un percorso intimo e personale, una sorta di diario musicale ove ogni traccia rappresenta una tappa specifica di un viaggio interiore, in cui l’amore, la perdita e la lotta contro la depressione diventano protagonisti di una storia che chiede di essere ascoltata. Sette canzoni, ciascuna corrispondente ad una delle sette fasi della depressione, sovrapposte alle medesime fasi di una relazione d’amore: euforia, costruzione, innamoramento, disillusione, stabilità, sperimentazione e amore maturo. Il disco guida l’ascoltatore attraverso momenti di shock, rabbia, negoziazione e accettazione, per poi arrivare ad una tenue ma sincera speranza di rinascita, regalando un racconto che parte dal caos per arrivare ad una luce, lontana ma raggiungibile. Il viaggio di "Feeling Blue" si apre con “Virus - Shock”, brano che mette subito in chiaro il tono del progetto: lo scompiglio e la confusione interiore tipici dello shock iniziale, sia in amore che nella lotta contro la depressione. Con versi in inglese e italiano, Cheez riesce a catturare ed esprimere l’alienazione e la destabilizzazione che nascono dall’innamoramento, una condizione travolgente e a tratti pericolosa che lascia l’artista in balia delle sue stesse emozioni. Il secondo atto arriva con “Tenero - Rifiuto”, una traccia già nota e apprezzata dal pubblico, in cui Cheez affronta il tema del rifiuto e della disillusione. La metafora del fuoco vendibile e l’atmosfera cupa riflettono una relazione che non trova un vero equilibrio e una condizione depressiva che avvolge tutto in una nube di distacco. «L’amore, in questa fase, è qualcosa da cui ci si allontana», spiega l’artista, sottolineando l’impossibilità di creare una connessione autentica, sincera, sentita. Si prosegue con “iPhone - Negoziazione”, un pezzo che narra il tentativo disperato di trovare un equilibrio, di negoziare sia con se stessi che con l’altro. Qui l’artista dà voce all’idea di anestetizzazione emotiva, provando a convincersi che il dolore non lo colpisca più, anche se la ferita è ancora aperta. «Mi hanno calpestato da tempo, ormai se fai male non sento», recita un passaggio del brano, aggiungendo un senso di rassegnazione misto a resistenza. È un grido silenzioso di chi cerca di adattarsi al dolore, ma nel profondo sa che le cicatrici non sono ancora guarite. L’album assume toni più accesi con “Caldo - Rabbia”, in feat. con BadLarry, brano intriso di immagini forti e di un linguaggio crudo, con i due artisti che trasmettono un’inquietudine chiara e palpabile. Il ritornello gioca su un doppio senso, trasformando quella che sembra una minaccia in un atto di liberazione, con il grilletto dell’accendino che accende lo spinello, simbolo di una ricerca di libertà e condivisione. Questa traccia, che al primo ascolto potrebbe sembrare brutale, dando l'impressione di una violenza esplicita, ad una più attenta analisi si rivela essere la rappresentazione di una forte tensione, sentimentale e sessuale, vissuta dal protagonista in un momento di conflitto con la partner. Il ritornello, sebbene suoni minaccioso a primo impatto, è in realtà una metafora legata non solo al consumo di sostanze, ma anche al desiderio di vicinanza e abbandono. Cheez ci tiene a sottolineare che l’uso di un linguaggio forte, dal quale è facile attingere e richiamare una serie di immagini violente, è volto esclusivamente ad evidenziare la collisione tra rabbia, desiderio sessuale e frustrazione, piuttosto che descrivere atti di violenza vera e propria. “Sorry - Depressione” segna il punto più cupo del disco, un momento di profonda depressione e apatia. Qui l’artista si trova a fare i conti con il vuoto interiore e con la sensazione di essere intrappolato in un ciclo di autodistruzione. «In questo pezzo racconto la fase più buia, dove tutto sembra insuperabile e l’amore diventa solo un’altra fonte di dolore», spiega Cheez, portando l’ascoltatore nel cuore della sofferenza. Ma il viaggio non si ferma alla disperazione. Con “Ho Fatto Bene - Accettazione”, Cheez inizia ad accogliere il proprio dolore, riconoscendo che, anche se la situazione non migliora, c’è una forma di pace nell’accettazione. L’amore finisce, ma la vita continua, e la frase «Brindo, però lo faccio da solo» cattura perfettamente l’ambivalenza di questo stato d’animo. Infine, “Light Blue - Speranza” chiude l’album con una luce di speranza. Anche se il dolore e la perdita sono ancora presenti, l’artista intravede la possibilità di guarire, di andare avanti. «Non si tratta di un lieto fine - spiega Cheez -, ma di un momento in cui finalmente vedi che il cambiamento è possibile, anche se non sai ancora come e quando arriverà.» Per Cheez, la musica è una finestra sulla sua anima, come lui stesso racconta: «“Feeling Blue” è il mio modo di raccontare un viaggio che molti di noi conoscono. È un album personale, ma credo che chiunque abbia vissuto momenti di difficoltà possa riconoscersi in queste canzoni. La mia musica è una finestra sulla mia anima, e con questo disco volevo essere il più sincero possibile, senza filtri.» Con “Feeling Blue”, il rapper mantovano non solo dà prova della sua versatilità autorale e della sua capacità di fondere i generi musicali in armonia con i temi trattati, ma dimostra di essere un artista in grado di trasmettere emozioni tangibili e sincere. Ogni traccia del disco rappresenta un capitolo di una storia complessa, ma al tempo stesso molto vicina alla realtà di ciascuno di noi. “Feeling Blue” è un album che, senza mai essere scontato, riesce a parlare dell’amore e del dolore con autenticità e senza compromessi. Cheez ci offre un’esperienza musicale che, tra parole, suoni e sentimenti, ci invita a non avere paura delle emozioni e a percorrere quel viaggio, a volte difficile, verso la guarigione.

“Quale momento vorresti rivivere?”: è da questa domanda semplice e diretta che nasce “Ogni momento che passa” (Daylite/Altafonte Italia), il nuovo singolo del cantautore romano Gemma, che torna sui digital store con un brano che mette al centro la gratitudine e la bellezza delle piccole e grandi cose della vita. “Ogni momento che passa” è stata la sua risposta, e con queste parole ha trovato l’ispirazione per raccontare, su un tappeto melodico ipnotico e avvolgente, un encomio alla vita e alla voglia di assaporarne ogni attimo, senza lasciarsi sfuggire nulla. Prodotto con cura e sensibilità da Siccome, “Ogni momento che passa” si presenta come una narrazione musicale che attraversa i momenti di cambiamento, le scelte che costruiscono e definiscono il nostro percorso e la consapevolezza di voler vivere intensamente tutto ciò la vita ha da offrirci. Nel testo, l’artista riflette con onestà e trasparenza: «Siamo figli delle nostre scelte, incomprensioni perfette, tra tutto quello che non abbiamo e tutto quello che vorremmo essere»; parole che si fanno specchio dei pensieri e dei ricordi che abitano in ciascuno di noi, e che si muovono tra ciò che avremmo voluto e ciò che, invece, abbiamo. Nato dalla penna di un artista capace di convertire in musica le pieghe e i colori dell’anima, questo brano è una fotografia sonora che abbraccia simultaneamente passato, presente e futuro, una rappresentazione di quei frammenti che ci hanno plasmato e che, nel tempo, hanno dato forma al nostro percorso. «Avevo bisogno di fare un punto della situazione – dichiara Gemma -, di guardare a cosa avevo ottenuto e a ciò che avevo lasciato indietro, ma soprattutto di ricordarmi che ogni momento della vita è prezioso e merita di essere vissuto. Non dobbiamo avere paura del futuro o rimpiangere il passato: siamo il risultato di ciò che abbiamo scelto e di come abbiamo vissuto ogni esperienza.» La sua voce, caldamente ruvida e capace di emozionare, accompagna l’ascoltatore in un’immersione in se stesso, attraversando mente e cuore, e consentendogli di rivivere la storia di tutti coloro che, pur desiderando qualcosa in più, sono in grado di godersi ogni attimo per come viene. Con radici musicali ben salde e una lunga esperienza tra concorsi, premi e un percorso costante di crescita, Gemma, all’anagrafe Marco Gemma, è un cantautore che vive la musica come un mezzo per esprimere verità, emozioni e sentimenti. Il suo viaggio, iniziato nei locali e tra le piazze della capitale, lo ha visto farsi strada grazie alla capacità di raccontare e raccontarsi in maniera diretta e sincera. Nato artisticamente come leader del gruppo Civico 8 e proseguito come solista, il cammino di Gemma è stato segnato da riconoscimenti importanti come la vittoria al concorso europeo Yes We Sing, il premio Radio Emergenti e una finale nel concorso Zocca – Paese della Musica promosso da Vasco Rossi. “Ogni momento che passa” rappresenta, dunque, il capitolo successivo del percorso dell’artista, un’evoluzione musicale che abbraccia sonorità nuove, con il desiderio di condividere gioia e gratitudine per ciò che c’è e per ciò verrà. Il brano è costellato di immagini che si imprimono nella memoria, regalando un ritratto della vita come una raccolta di istanti preziosi. Il verso «Ci siamo fatti di vita, noi cresciuti nella strada, quella che non ti giustifica» racchiude magistralmente la durezza del percorso e la tenacia, la resilienza necessarie per affrontarlo. E ancora, «Ogni giorno è solo l’inizio di quello che verrà» diventa un mantra, una luce di speranza, che invita a guardare avanti con fiducia e ad accogliere il futuro senza timore. “Ogni momento che passa” ci ricorda che ogni istante conta e che ogni passo compiuto ci avvicina a ciò che vogliamo essere. È un brano che entra sottopelle e diventa il compagno di viaggio di chi vuole vivere intensamente, senza lasciarsi sfuggire l’occasione di essere davvero presente. Con questo singolo, Gemma ci offre un pezzo di sé, invitandoci a restare presenti, a non lasciare che i giorni scivolino via senza essere vissuti fino in fondo. La sua musica diventa un messaggio vivo, che trova espressione in ogni singolo verso, trasformando la quotidianità in qualcosa di prezioso, da celebrare e custodire.... Continua a leggere

Dopo aver affascinato con il loro sound unico e psichedelico, dimostrando talento, versatilità e determinazione, i 3nema tornano con "History", un brano che racconta la loro storia in modo intimo, personale ed emozionante. Oltre 5 minuti di pura immersione nella vera essenza della band gardesana: “History” non si limita ad essere una semplice canzone, ma diventa un viaggio, un racconto sonoro delle loro radici, dei loro sogni, delle loro lotte e del loro percorso musicale. Una finestra aperta su un mondo fatto di sperimentazione continua, di contaminazioni e di scelte artistiche audaci e coraggiose. Ogni nota del brano svela un frammento della loro storia, e ogni battito di cassa segna un nuovo passo in un cammino che non si esaurisce mai e non smette di evolversi, incarnando quella che loro stessi chiamano la “3nema Way”. La “3nema Way” rappresenta per il gruppo un vero manifesto artistico, una missione che va oltre la musica, traducendosi in una costante ricerca sonora capace di sorprendere e stupire, coinvolgere e far riflettere. I 3nema non si accontentano di rimanere fermi in un genere, preferendo mescolare le sonorità del rock, del funk e dell’elettronica, con incursioni psichedeliche che creano un sound unico ed istantaneamente riconoscibile. Questo approccio li ha resi una delle realtà più interessanti della scena musicale indipendente, dove innovazione e autenticità espressiva si incontrano in una fusione inedita e accattivante. La musica, per i tre talenti bresciani, è il veicolo perfetto per trasmettere emozioni e sentimenti, a tratti crudi e viscerali, che si intrecciano con una produzione raffinata e qualitativamente impeccabile. “History”, pur essendo un pezzo strumentale per gran parte della sua durata, riesce a raccontare una storia intensa e suggestiva, alternando momenti introspettivi ad esplosioni di energia; un mix che trasporta l'ascoltatore in una dimensione in cui il tempo sembra sospeso e il suono è parte integrante di un’esperienza che da personale diventa condivisa. Con una partenza intima, quasi confessionale, "History" inizia raccontando come tutto ebbe inizio nel 2020, quando i 3nema unirono le forze e le loro differenti influenze musicali per creare qualcosa di unico. «Coming from different genres, our goal is to experiment and involve the fusion of these to another level» («Provenendo da generi diversi, il nostro obiettivo è sperimentare e coinvolgere la fusione di questi ad un altro livello»), recita il testo, introducendoci alla loro filosofia artistica, che mira a spingere i confini del pop, del rock e della psichedelia oltre ogni aspettativa, regalando emozioni forti, pure e dirette. “History” è un’esperienza unica di musica e passione, un progetto che mette a nudo l’essenza dei 3nema, non solo come musicisti, ma come persone. È una canzone che parla di amore, di lotte, di sacrifici e di scelte fatte per seguire la propria strada. «This love is nothing when everything is alright. This love is nothing when you can hold me tight» («Questo amore non è niente quando tutto va bene. Questo amore non è niente quando puoi tenermi stretto»): una riflessione sulla fragilità dei rapporti e sulla costante ricerca di significato dietro ogni legame. L'intenzione del brano è chiara: trasmettere la passione che i 3nema mettono in ogni loro creazione, e invitare il pubblico ad unirsi a loro in questo viaggio sonoro. “History” è stata concepita in modo da permettere all'ascoltatore di perdersi nel ritmo, lasciandosi guidare dalle melodie e dai suoni che accarezzano e galvanizzano al contempo. «"History" è la nostra storia – dichiara Okram, frontman della band -. Volevamo creare qualcosa che rappresentasse davvero ciò che siamo, quello che abbiamo attraversato e la direzione in cui stiamo andando. È un modo per dire: questo è ciò che facciamo, questa è la nostra vita, e questo è ciò che vogliamo condividere con il nostro pubblico.» I 3nema, con le loro release, non raccontano solo storie, ma creano veri e propri mondi, partendo dal loro che, dal 2020, non li ha mai visti smettere di crescere, di evolversi, di sperimentare. Le loro radici affondano nel rock, nel funk e nell’elettronica, ma ogni nuova canzone è un passo in avanti, una nuova scoperta. Il loro debut album, “Verità”, ha segnato l’inizio di un cammino che ha sorpreso e conquistato il pubblico. Ora, con “History”, la band lombarda si racconta senza filtri e ci regala un assaggio di quello che è e di quello che sarà.... Continua a leggere

Dopo aver calcato i più prestigiosi palchi italiani, aprendo i concerti di artisti del calibro di Loredana Bertè, Emma Marrone, Patty Pravo, P.F.M. e Fausto Leali, e dopo aver raggiunto oltre due milioni di stream sulle piattaforme digitali, Marino Alberti torna con “Monalisa”, un brano che mescola il suo talento di polistrumentista e la sua scrittura tagliente alle sonorità più intime e cupe del rock. In “Monalisa”, Alberti si addentra nei meandri delle relazioni che segnano e feriscono, con quella capacità di evocare immagini forti e ricche di significato che lo contraddistingue sin dalla sua prima release. Con un arrangiamento attualissimo e una produzione impeccabile, entrambi minuziosamente curati dallo stesso artista, “Monalisa” svela la natura ambivalente dell’amore tormentato, ove attrazione e conflitto combattono e convivono, mettendo a nudo il vigore di un sentimento che scava e consuma. Un percorso, una rappresentazione realistica e sincera delle emozioni contrastanti che affiorano nelle storie più intense che sa trasmettere il senso di tensione e di passione che solo un amore travagliato sa far affiorare. «Questo pezzo è un tuffo nel cuore dei rapporti che ci consumano, che ci tolgono il sonno ma che, alla fine, ci fanno capire chi siamo veramente - racconta Alberti -. È la mia risposta a quelle storie che lasciano il segno, e non necessariamente in modo positivo.» Con strofe e ritornelli che restano impressi, “Monalisa” non si limita a raccontare una storia d’amore conflittuale, ma va oltre, offrendo una riflessione sulla ricerca della propria identità nelle relazioni di coppia. Nel testo, emerge sin dalla prima strofa una figura enigmatica che riflette il tormento, rappresentata da un gioco di luci e ombre che incarna i conflitti interiori tra ciò che si mostra e ciò che si nasconde. «Amo il modo in cui mentirai, prima al mondo e poi a te stessa» canta Marino, sottolineando la tensione tra la maschera che indossiamo per il mondo e il bisogno di autenticità che spesso teniamo celato. «Monalisa, mi odi tanto e sai perché, Monalisa, sei uguale a me»: queste parole sono un richiamo a quei legami in cui si tende a proiettare paure, desideri e insicurezze, svelando le nostre verità più profonde. Un’immagine che diventa lo specchio da cui scorgere le fragilità e le difficoltà dell’accettare, prima di tutto, se stessi. Per la realizzazione del brano, Marino si è avvalso della collaborazione di alcuni tra i migliori musicisti della scena contemporanea: al basso Faso di Elio e le Storie Tese e Trio Bobo, alla chitarra Riccardo “Castelli” Kosmos (chitarrista di Achille Lauro) e Lewie Allen (chitarrista di Sam Smith ed Elton John), alla batteria Corrado Bertonazzi (del canale Youtube Suonarelabatteria) e al piano Lorenzo Bertelloni (pianista di Francesco Gabbani). “Monalisa” segna quindi non solo un ritorno musicale per Alberti, ma anche un’evoluzione artistica, che si esprime con sonorità rock graffianti e intime. Marino racconta come, spesso, nelle relazioni, si combatta una lotta silenziosa con se stessi e con l’altro, alla ricerca di un senso e di un equilibrio tra libertà e attaccamento. «Questo brano – conclude - è nato dal desiderio di mettere in musica quelle contraddizioni che spesso viviamo: amiamo e odiamo, desideriamo e respingiamo. La musica diventa così il riflesso delle nostre emozioni più vere e spinose.» Prodotto interamente dallo stesso Alberti e accompagnato dal videoclip ufficiale, girato nello studio di registrazione House of Glass di Viareggio sotto la direzione di G Man, il pezzo è stato concepito per trasmettere tutto l’impeto di un racconto visivo oltre che sonoro. Nel video, Marino cattura lo spirito stesso di “Monalisa”, tra luci e ombre, con una regia che enfatizza l’essenza tormentata e affascinante della canzone, regalando agli spettatori un’immersione completa nel mondo dell’artista. Marino Alberti, cantautore e polistrumentista con anni di esperienza sui palchi, ha saputo portare la sua musica al cuore del pubblico. Con una gavetta costellata di successi e riconoscimenti, ha sempre messo il pubblico al centro di ogni performance, trasformando ogni esibizione in un momento di condivisione e di empatia. “Monalisa” è una conferma della versatilità di Alberti, e della sua abilità di coniugare un suono moderno e ricercato con testi sinceri, autentici e a tratti pungenti. È un brano che intreccia melodie e parole per dipingere un vivido affresco sull’amore e i suoi contrasti; un brano che racchiude tutta l’esperienza di un artista che sa raccontare e raccontarsi senza mai rinunciare all’eleganza di un sound ricercato, grintoso contemporaneo. Con “Monalisa”, Marino Alberti firma una nuova dichiarazione tra le note, portando in primo piano tutta la potenza espressiva di chi sa come trasformare le emozioni in musica.

«Respiro a stento in mezzo a sta città, col fumo denso che è nell’aria», con queste parole dirette e senza filtri si apre "Respiro", il nuovo singolo di Mpatia, cantautore e produttore brianzolo che torna con un messaggio forte e liberatorio. In un mondo che corre veloce, tra ansie e pensieri che spesso sovrastano ogni emozione, Mpatia ci invita a fermarci, prendere fiato e ritrovare il nostro centro, lontano dal caos che ci circonda. Il singolo nasce da un'esperienza personale dell’artista, in un momento in cui i pensieri negativi si erano fatti densi e pressanti: «In un periodo di grande malessere, una persona mi ha consigliato di fermarmi e respirare. Ho scritto una parola su un foglio, “Respiro”, e quella stessa sera è nata la canzone. Scrivendo, ho sentito come se stessi lasciando andare tutto il peso che avevo dentro», racconta, sottolineando il potere catartico della musica come forma di terapia. Le sonorità punk-rock che sorreggono il pezzo, generi che per loro natura incarnano ed esprimono ribellione e libertà, si trasformano qui in un’esortazione alla calma, a rallentare, anche solo per qualche istante. I riff di chitarra e i ritmi veloci si intrecciano ad un testo ricco di significato, rendendo "Respiro" una traccia che resta impressa, non solo per il sound, ma per il messaggio che porta con sé: imparare ad ascoltare sé stessi, per poter poi prestare orecchio a ciò che ci circonda. Nel testo, Mpatia tocca un tema attualissimo, la necessità di trovare un equilibrio interiore in una vita sempre più frenetica, e lo fa senza nascondersi dietro metafore complicate: la sofferenza viene affrontata a viso aperto. «E faccio ancora un bel respiro per sentirmi meglio, mentre vomito l’anima sul pavimento», recita una delle frasi più forti del brano, che racchiude il senso di lotta, di conflitto interiore che lo stesso artista ha vissuto. Non c'è il timore di mostrarsi vulnerabili, perché è proprio nel riconoscimento, nella consapevolezza del proprio dolore, che si può iniziare a guarire. Il carismatico talento lombardo, utilizza la musica come un mezzo di espressione puro, autentico, che riflette i tormenti e le difficoltà della vita senza mai cedere al vittimismo. La scrittura di canzoni, per lui non è mai stata una ricerca di consenso, ma un atto terapeutico personale, una finestra sulla sua anima: un modo per dialogare con se stesso, un processo attraverso cui liberarsi dai propri fardelli emotivi. «Scrivo per me stesso – spiega -, ma se la mia musica può aiutare qualcuno a riflettere o a sentirsi meno solo, allora ho davvero fatto qualcosa di significativo.» La copertina di “Respiro” ritrae un Buddha immerso nel caos, ma sereno, una scelta che lo stesso Mpatia racconta con queste parole: «Ho scelto di rappresentare il Buddha perché mi sento sempre più vicino a quella filosofia. È un simbolo di calma e di equilibrio, anche quando tutto intorno sembra crollare.» Un’immagine che riassume perfettamente il messaggio del brano: trovare pace, anche nel mezzo delle difficoltà. Ma non solo: l’intero progetto musicale Mpatia nasce da una storia di dolore e rinascita. Dopo aver vissuto una relazione fortemente tossica, al limite del patologico, l’artista ha scoperto quanto i traumi del passato possano influire sulle relazioni presenti e future. Da questa esperienza, la necessità e la decisione di creare release che non siano solo la narrazione, lo specchio di una sofferenza vissuta, ma che possano soprattutto trasformare tutto quel dolore in qualcosa di costruttivo, in grado di empatizzare e sostenere tutti coloro che si trovano a fare i conti con situazioni difficili. Le sonorità che caratterizzano "Respiro", richiamano le influenze musicali che hanno segnato l’adolescenza di Mpatia, legandosi ad un percorso di crescita e di evoluzione che lo ha visto maturare sia professionalmente che personalmente. «Sto finalmente trovando il mio suono – afferma, in conclusione –, e attraverso i miei brani voglio trasmettere i miei pensieri, con l’obbiettivo di far riflettere le persone e contribuire, nel mio piccolo, a rendere il mondo un posto migliore.» Con “Respiro”, Mpatia offre uno spazio di ascolto e riflessione in un mondo sempre più rumoroso. Il singolo è un richiamo all'importanza di ascoltare se stessi e di trovare la forza di rialzarsi ogni volta, perché anche nelle fasi più difficili della vita, possiamo scegliere di fermarci, respirare e ritrovare la nostra direzione.

È la regina italiana del country internazionale, una delle voci più magnetiche e delle penne più affascinanti degli ultimi anni ed ora, Mikol Frachey, dopo aver incantato il pubblico con brani come “Cowgirl Dance”, “Valley Girls Blues” ed il recentissimo apripista “Dream Back”, presenta al mondo un progetto straordinario, “Stories To Tell” (Delma Jag Records), un EP che fonde il suo talento da fuoriclasse a sonorità country dalle sfumature rock e blues, raccontando storie che commuovono immergendosi nella bellezza e nelle sfide della vita. Questo nuovo lavoro è un vero e proprio mosaico di esperienze vissute, di frammenti di anima che si intrecciano per dar forma ad una narrazione musicale toccante, in cui ogni brano si fa specchio di una delle tante fasi attraversate negli ultimi tre anni dalla cantautrice valdostana dall’attitude internazionale. Con una sensibilità e un carisma incredibili e una carriera che l’ha portata ad esibirsi sui più prestigiosi palchi internazionali, Mikol Frachey è diventata la voce italiana più rappresentativa del country moderno: dall’uscita dell’album pubblicato in piena pandemia, un lavoro che l’ha portata al #39 della classifica UK dei dischi country più ascoltati, Mikol ha trovato il coraggio di raccontarsi, di mettere a nudo le sue esperienze e di trasformarle in musica. “Stories To Tell” rappresenta la sua capacità di trasmettere i sentimenti attraverso le sue storie, storie che si fondono con quelle del pubblico, perché, come lei stessa ricorda, «tutti abbiamo quella casa che abbiamo dovuto lasciare, quell’amore tormentato, quel sogno custodito fin da bambini.» Con una produzione curata insieme al team di Delma Jag Records, che ha garantito all’artista il pieno controllo creativo, “Stories To Tell” alterna momenti di puro country allegro e spensierato a momenti più introspettivi e profondi, rendendo ogni traccia unica e carica di un’energia sincera e diretta. Un disco intimamente emozionante, capace di arrivare dritto al cuore a tratti come un pugno e a tratti come una carezza; un abbraccio che avvolge l’ascoltatore in una stretta di condivisione, comprensione e accettazione. «Questo EP – spiega Mikol - è un viaggio che mi ha portata a comprendere la bellezza delle storie, perché anche i ricordi più difficili e le esperienze più dure un giorno diventano “stories to tell”, da condividere e da cui imparare.» Per celebrare l’uscita di questo piccolo capolavoro dal respiro internazionale, Mikol Frachey è pronta a portare la sua musica oltre confine, con un tour che attraverserà diverse città della patria del country, nato nelle zone rurali del continente nordamericano. Dalle pianure del Texas alle atmosfere uniche di Nashville, fino a varcare l’Oceano per raggiungere il pubblico europeo in Svizzera e nel Regno Unito, l’artista è pronta per un viaggio che, con l’energia e la finezza che la contraddistinguono, la porterà a sfiorare nuove scene e cuori in un crescendo di emozioni, toccando città iconiche del genere. “Stories To Tell” – Le date del Tour: 31/10 – Houston, USA 02/11 – Dallas, USA 03/11 – Birmingham, USA 11/11 – Nashville, USA 17/11 – Nashville, USA 11/12 – Baden, CH 15/03/25 – Glasgow, UK 16/03/25 – Glasgow, UK 22/03/25 – Zürich, CH 31/05/25 – London, UK Ogni tappa sarà l’occasione per condividere i ricordi e i sentimenti che hanno plasmato questo EP, portando “Stories To Tell” a contatto con chi ha ispirato le sue storie, le sue esperienze e le sue riflessioni più intime. «Oggi si parla tanto di successi e numeri – afferma Mikol, in conclusione -, ma le storie che portiamo dentro meritano di essere condivise, anche quelle più difficili e dolorose, perché alla fine, ogni ricordo è una storia da raccontare.» A seguire, tracklist e track by track dell’EP. “Stories To Tell” – Tracklist: 1. Valley Girl Blues 2. Dream Back 3. Stories To Tell 4. My Whole Life In A Memoriy 5. Miss Roulette 6. Hangover Like Love “Stories To Tell” – Il disco raccontato dall’artista: “Valley Girl Blues”: il primo brano dell’EP è un country-rock dalle sfumature blues, nato da un profondo senso di frustrazione. Ero stufa di sentirmi dire che ho solo avuto fortuna, mentre lavoro duro da quando avevo 15 anni. È una risposta schietta a chi sottovaluta le sfide che molti artisti indipendenti affrontano ogni giorno. Ispirata da figure come Loretta Lynn e Carrie Underwood, mi sono lasciata andare, mettendo a nudo il mio lato più combattivo e audace. La seconda traccia del disco è “Dream Back”, una ballata malinconica ed evocativa che ripercorre i sogni di una giovane Mikol, cresciuta con la passione per la danza e la disciplina del movimento. Tra bullismo e difficoltà, sono sempre rimasta fedele a quella bambina che danzava oltre il dolore e le difficoltà. Non sarò mai un’étoile, ma la determinazione che ho imparato mi accompagnerà per sempre. La produzione elegante del pezzo riecheggia le sonorità dei Lady A; ci tenevo che fosse carica di emozioni. “Stories To Tell” è il brano che dà il titolo all’EP e rappresenta un punto di svolta nella mia carriera. L’ho scritta mentre riordinavo i miei diari, riflettendo sulle lezioni apprese e sulla bellezza del processo che ognuno vive. Credo serva toccare il fondo per spingersi più in alto, mescolando nostalgia e resilienza. Flavia e Momo, i musicisti che mi hanno accompagnata fin dagli inizi, hanno contribuito a creare un arrangiamento intimo e vibrante. “My Whole Life In A Memory” è una canzone che nasce da un ricordo profondo e toccante, vissuto accanto ad un albero di amarene nella casa dei miei nonni, luogo dove ho imparato a suonare ed in cui ho trascorso le mie estati più felici. Mi sono chiesta: “Come posso far stare tutta la mia vita in un ricordo?” Ho trovato come sempre risposta nella musica ed è così che è nato questo brano. La penultima traccia dell’EP è “Miss Roulette”, un ritratto immaginario di un’agente segreto femminile, forte e letale, che si prende gioco dei cliché e dei limiti imposti. Ho affidato la produzione a Kate Malone, artista di Nashville, che ha saputo dare al pezzo un tocco rock-pop in stile Lindsay Ell. “Ripeti ancora che una ragazza non può essere” è la frase con cui Miss Roulette, con eleganza e strategia, sfida le convenzioni di genere. È un inno alla forza e all’indipendenza femminile. “Hangover Like Love” si ispira al documentario su Amy Winehouse “Hangover Like Love” e racconta il tormento dell’amore attraverso la metafora di una sbornia. Volevo trasmettere come le emozioni e l’amore, simili a una sbornia, possano rivelarsi dolorose al risveglio, ma con un fascino irresistibile che coinvolge e travolge. È una canzone dal sapore rock, in cui ogni strumento “soffre” all’unisono. Mi sembrava il modo perfetto per chiudere l’EP con una nota di struggente intensità. “Stories To Tell” è un’opera che incanta sin dal primo ascolto, ma che assume nuovi strati di significato ad ogni nuovo play. È un disco che va oltre la musica, per regalare all’ascoltatore un racconto che parla di sogni, difficoltà, e della bellezza del percorso. Mikol Frachey, ancora una volta, dà prova di essere una delle voci più autentiche e talentuose della scena country internazionale. È un EP che invita a riflettere sul valore delle esperienze, sulla resilienza e sulla forza di condividere le proprie storie per sentirsi parte di qualcosa di più grande, in un mondo che spesso ci mostra solo la sua faccia migliore. “Stories To Tell” è un abbraccio, una stretta di comprensione e un invito a ricordare che ogni momento vissuto ha un valore inestimabile ed ogni singola esperienza è parte di una storia più grande.... 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Adrian, artista del sud della Francia che ha saputo lasciare un segno nel panorama musicale internazionale, debutta nel Belpaese con il suo nuovo singolo “Because The Night”. Il brano, realizzato in collaborazione con DJ Ramezz, è un remix fresco e accattivante del capolavoro del 1978 scritto da Bruce Springsteen e reso celebre dalla leggendaria sacerdotessa del rock Patti Smith. Con un passato ricco di successi alle spalle, Adrian fa rivivere uno dei pezzi più iconici della storia della musica rock, riportandolo alla ribalta in una veste tutta nuova. "Because The Night", già riscoperto nel 1993 dai 10,000 Maniacs, oggi torna in tre versioni, l’Extendend Version, la Radio Edit in stile Eurodance ed una specialissima Italo Disco version realizzata esclusivamente per i club ed il pubblico italiano. Tre differenti abiti cuciti ad hoc su un pezzo immortale, tre adattamenti capaci di unire il passato con le nuove tendenze musicali. Il messaggio resta quello imperituro dell’originale: la notte come spazio in cui le emozioni e i desideri prendono vita, creando una dimensione sospesa che il giorno non riesce a toccare. «Ho fortemente voluto lavorare su questo brano per ricordare che l'amore, la notte e il desiderio sono concetti senza tempo, sempre contemporanei - spiega Adrian -. Quello che succede di notte, non capita mai durante il giorno; la notte è una dimensione a sé, è come se il tempo si fermasse e tutto diventasse possibile.» Un messaggio semplice ma ricco di significato che trova la sua piena realizzazione nelle atmosfere elettrizzanti di queste tre nuove release, pronte ad accendere le piste da ballo e accarezzare i cuori dei nostalgici e degli appassionati della musica dance. Quello di Adrian, è un percorso musicale che parte dagli anni ‘90 per conquistare il presente: ha iniziato la sua carriera musicale lavorando come manager per artisti, immergendosi completamente nell’energia travolgente dell’ultimo decennio del secolo scorso. Nel 2022, durante un soggiorno in Svizzera, presso gli studi di registrazione The Hana Road, ha dato vita a tre delle sue prime pubblicazioni di successo: “All Night Long”, “Stranger (Your Love)” e “Go & Go”. La sua crescita artistica è stata costante, conducendolo a firmare con l’etichetta inglese Driving Wheel Records, con la quale ha lanciato un remix del celebre brano “Summer is Crazy”, realizzato in collaborazione con Rinaldo Montezz, DJ Sansi e DJ Ramezz. L’incontro con DJ Ramezz è stato il punto di svolta. I due artisti hanno creato insieme “Run to Me” e la cover di “Don’t You Want Me”, raccogliendo risultati straordinari: oltre 9.000 passaggi radiofonici per “Run to Me” in 90 paesi, più di 600.000 visualizzazioni su YouTube e l’inserimento in oltre 1.200 playlist Spotify. Un successo replicato con “Don’t You Want Me”, che vanta 6.000 passaggi radiofonici e più di 400.000 visualizzazioni. Ora, Adrian e DJ Ramezz puntano a superare questi numeri con “Because The Night”, soddisfacendo i gusti di ogni tipo di pubblico e mercato grazie a tre versioni; tre versioni per un’unica esperienza sonora. La missione di Adrian e DJ Ramezz è chiara e definita: unire, sotto l’egida della musica e di intramontabili evergreen, generazioni e stili, facendo ballare con la stessa intensità chi ha vissuto la golden age della dance anni '90 e chi, oggi, scopre queste sonorità per la prima volta. «Con questo remix – afferma Adrian, concludendo - ho voluto creare qualcosa che rimanesse fedele allo spirito originale, ma che al contempo potesse parlare alla generazione attuale.» Il brano è accompagnato dal videoclip ufficiale, un viaggio visivo che amplifica l'energia del brano e ne valorizza l’atmosfera iconica e grintosa. Tra luci pulsanti e scenografie urbane, il video cattura il fascino senza tempo del pezzo, in uno spazio sospeso, dove desideri ed emozioni trovano piena espressione. Adrian si presenta all’Italia come un artista capace di connettere mondi musicali diversi, dando vita ad adattamenti e cover che mantengono intatta l’anima dei brani originali, reinventandoli con un tocco fresco e contemporaneo. Il suo è un viaggio che ripercorre il passato con un piede nel presente, in grado di far sognare, ballare e riscoprire per riscoprirsi, guardando al domani con una nuova consapevolezza.... Continua a leggere

Marika Socionovo, la cantautrice marchigiana che ha fatto della sua musica uno strumento di riscatto e consapevolezza, torna con “Non Cambiarmi”, un brano che si staglia con decisione e delicatezza nel panorama musicale attuale. La sua storia è una di quelle che non si può ignorare: nata con la spina bifida, Marika ha affrontato la vita a testa alta, trasformando ogni sfida, ogni ostacolo, in uno strumento di riscatto, in un’occasione per crescere e affermarsi. La sua musica, così come la sua vita, è un percorso continuo alla ricerca di sé, e "Non Cambiarmi" simboleggia un passo importante in questo percorso, racchiudendo la sua volontà di restare fedele a se stessa, senza piegarsi alle aspettative altrui. Marika descrive questa release - che segue successi come “Canzone del mare”, “Importante” e “Il sarto dell’anima” -, come la trasposizione in musica di una profonda riflessione sulle pressioni della vita quotidiana e sulle attese che spesso ci vengono cucite addosso e imposte dagli altri. «Ho capito che non posso e non voglio essere diversa da ciò che sono – racconta l’artista – e questo pezzo è la mia dichiarazione di indipendenza. Sostenere gli altri è importante, ma bisogna imparare a sostenere anche se stessi. Io l’ho fatto, e non ho intenzione di tornare indietro.» Con sonorità contemporanee che fondono elementi pop e dance senza dimenticare l’emozione, “Non Cambiarmi” conquista con la sua sincerità e con una produzione che bilancia perfettamente intensità e ballabilità. Il testo, scritto dalla stessa artista, è un vero e proprio manifesto di presenza attiva e resistenza: «Non cambierò, io resterò, questa sono io, non ti seguirò». La cantautrice si rivolge a tutti coloro che, nel corso degli anni, hanno cercato di modificarla, di spezzarla, di farle mettere in dubbio il suo valore. Marika non nasconde le sue fragilità, ma le trasforma in forza, una forza che permea ogni nota della sua vita e di questa canzone: «Ogni volta che cadiamo a pezzi, io mi rialzerò», canta, con l’assoluta determinazione di superare ogni avversità come una guerriera che, pur nelle difficoltà, ha trovato il coraggio di camminare nella propria luce. Questa frase, forse la più rappresentativa del brano e del percorso di rinascita della sua autrice, è un monito per tutti coloro che lottano per trovare la loro vera voce in un mondo che spesso ci fa sentire inadeguati. «Ho perso qualcosa, ma ho trovato me stessa, in mezzo a questo caos, sono una guerriera senza resa», recita un altro importantissimo passaggio del brano, evidenziando una tenacia che non conosce tregua. Questa canzone si spinge oltre la narrazione in musica di una donna che si rifiuta di piegarsi, diventando un invito rivolto a tutti coloro che quotidianamente lottano per affermare la propria identità. In “Non Cambiarmi”, infatti, Marika coverte la sua vulnerabilità un grido di libertà di espressione, esortando ciascuno di noi a fare lo stesso. «Scrivere "Non Cambiarmi" – conclude l’artista - è stato per me come liberarmi di un peso. In passato ho spesso cercato di compiacere gli altri, adattandomi a ciò che volevano da me, ma ho capito che l’unico modo per essere felici è restare fedeli a se stessi. Questa canzone è la mia risposta, il mio no deciso a chiunque cerchi di modificarmi o farmi sentire inadeguata.» "Non Cambiarmi" dà il via ad nuovo capitolo nella carriera di Marika Socionovo, un’artista che ha sempre saputo coniugare la sua sensibilità musicale con la sua forza interiore. Con il suo stile inconfondibile, ha conquistato il pubblico raccontando la vita nella sua forma più vera, senza maschere. Marika, attraverso la sua musica, continua ad essere un esempio per chi lotta per la propria indipendenza, per chi cerca di svincolarsi dai condizionamenti e per chi, come lei, ha imparato a rinascere, ancora e ancora. "Non Cambiarmi" è un appello a guardare dentro noi stessi, ad abbracciare le nostre imperfezioni e a non aver paura di difendere chi siamo davvero.

«Sai che mamma è l’altro nome di Dio, un mare chiuso dentro un bicchiere di vetro». Con queste parole, Giordano Amici apre il cuore nel suo nuovo singolo, “L’Immenso” (PaKo Music Records/Believe Digital), un omaggio intimo e poetico alla figura più importante della nostra vita: la mamma. Un brano che attraversa le corde più profonde delle emozioni, riportando alla luce quel senso di protezione, amore incondizionato e gratitudine che solo una madre può offrire. “L’Immenso” – che arriva dopo “Lara”, brano che tratta con assoluta delicatezza la storia di una ragazza alle prese con la lotta contro la dipendenza, e "Fiocco Viola", singolo che racconta la complessa realtà dei disturbi alimentari, con particolare attenzione alla prospettiva maschile - nasce in un momento speciale della vita del cantautore capitolino, un momento in cui ha deciso di fermarsi, osservare il mondo che ha costruito intorno a sé e rendere omaggio a ciò che conta davvero: la famiglia. In questa traccia, Giordano racconta la figura materna come il primo punto di riferimento nella vita di ogni essere umano, un porto sicuro che ci accompagna sin dall’infanzia. La mamma, viene rappresentata come l’albero della vita, come lo stesso Amici racconta: «La mamma è come un albero, le sue radici affondano nel passato, mentre i rami ci indicano la strada per il futuro. È l’esempio di forza, saggezza e dolcezza che ci guida, anche quando siamo ormai adulti.» Con queste immagini, l’artista invita l’ascoltatore a riflettere sul ruolo essenziale della madre, non solo come rifugio durante l’infanzia, ma come presenza costante che continua a guidare, anche quando si è adulti. L’idea alla base del progetto è quella di celebrare l’essenza stessa dell’amore materno, sia mediante l’esperienza personale di Giordano, sia rendendo omaggio a tutte le madri che, con sacrificio e dedizione, modellano le vite dei loro figli; figure che, nonostante le difficoltà della vita, offrono sempre un amore incondizionato e una protezione silenziosa. Una delle sorprese più toccanti del brano è la partecipazione speciale della famiglia dell’artista. Giordano Amici ha voluto coinvolgere sua moglie e i loro figli nei cori, creando così un vero e proprio ponte, un legame autentico tra la musica e la vita personale che aggiunge un ulteriore livello di autenticità e intimità ad una canzone che nasce dal cuore. «Ho voluto che le voci più importanti della mia vita fossero parte di questo progetto – prosegue – perché “L’Immenso” non è solo una canzone dedicata a mia madre, ma una celebrazione di tutto ciò che di prezioso ho costruito fino ad oggi: la mia famiglia.» Le voci della moglie e dei figli si fondono con la sua, rappresentando l’amore e l’unione familiare, valori centrali nella vita dell’artista. Dal punto di vista sonoro, “L’Immenso” si snoda su un tappeto melodico delicato, magistralmente prodotto da Alessandro di Somma, dove le parole di Giordano danzano con armonia sulle note, accompagnando l’ascoltatore in un cammino che attraversa momenti di tenerezza, nostalgia e gratitudine. Versi come «Sento qui l’immenso, tra le tue braccia uno spazio perfetto» o «Ogni battito del mio cuore porta il tuo nome, e dona luce dove sole non c’è», rappresentano con delicatezza l’immensità di un legame unico che non può essere ricercato e riprodotto altrove, descrivendo la madre come una presenza divina, capace di donare coraggio e speranza anche nei periodi più cupi. Un «cerotto di vita», in grado di curare le ferite invisibili che ci accompagnano lungo il percorso con gesti semplici ma importanti, come le carezze che confortano o i consigli che orientano. Il brano si chiude con un verso che congloba il senso stesso della missione artistica di Giordano Amici: «Scrivo di te in questa canzone, è il dovere di un cantautore». Con queste parole, l’artista mette in luce l'importanza di dare voce alle emozioni più vere, sentendo il dovere morale di trasformare i propri sentimenti in musica. Per Giordano, il ruolo del cantautore non è solo quello di intrattenere, ma di raccontare, condividere e lasciare una traccia indelebile di ciò che davvero conta nella vita. Nel presentare “L’Immenso”, l’artista spiega quanto questo progetto sia personale e significativo per lui. «Ho scritto questa canzone in un momento in cui sentivo il bisogno di fermarmi e guardarmi intorno. Mi sono reso conto che, spesso, siamo talmente presi dal rincorrere obiettivi e successi che dimentichiamo di apprezzare quello che abbiamo già costruito. La mamma, per me, è sempre stata il punto fermo della mia vita, e con questo brano ho voluto restituirle tutto l’amore che mi ha donato». Giordano non nasconde la commozione nel parlare dell’amore materno, un sentimento che tocca corde molto intime e che, grazie alla sua penna delicata ma incisiva, riesce a trasformarsi in un racconto condivisibile dagli ascoltatori di ogni fascia d’età. Con “L’Immenso”, Giordano Amici tocca ancora una vola il cuore del pubblico con una sincerità che va ben al di là di note e parole. Questo brano è una celebrazione della famiglia, dell’amore che unisce, e del potere dell’affetto incondizionato che ci accompagna per tutta la vita.... Continua a leggere

Red, artista marchigiano dalla voce unica e inconfondibile, noto per la sua partecipazione al Fatti Sentire Festival andato in onda su Rai 2, torna con "Coffee Shop", il suo nuovo singolo che tocca il cuore, parlando di ricordi, di rimpianti e della necessità di andare oltre. Dopo aver ottenuto plausi e consensi per brani come "ILLUDIMI" e "Come sei te", il brillante talento classe 2000 continua a raccontare emozioni e sentimenti, dando voce ai momenti di riflessione che ci colgono quando ci fermiamo a pensare al passato. "Coffee Shop" è nato in una fase di grande introspezione per l’artista, durante la quale ha sentito il peso del tempo e delle responsabilità che la vita adulta porta con sé. Tuttavia, il pezzo non si limita a dipingere i tratti sfumati della nostalgia, ma è anche e soprattutto un invito a reagire. «Poi ti senti un lampione che nel buio sfarfalla e te ne resti lì seduto con un tè all’early grey», canta Red, evocando un momento di solitudine in cui i ricordi riaffiorano insieme al desiderio di recuperare le connessioni perdute. Il testo è sincero e diretto, intriso di parole che racchiudono le difficoltà nel far fronte al presente, senza però perdere la speranza di riscoprire se stessi, gli altri e l’amore. «A volte passa il momento, al treno ci resti sotto. Ora se ti alzi hai un sorriso un po’ finto, lo so, ma a mentire non riesco»: frasi che echeggiano come una confessione, ma anche come una sfida a non arrendersi. «Questa canzone è nata quando ero sopraffatto dai pensieri negativi. Scrivere mi ha aiutato a liberarmi, a lasciar andare quella sensazione di pesantezza», racconta Red, sottolineando come la musica per lui rappresenti un modo per ritrovare la pace interiore. Il ritornello, con il suo rimando a riavvolgere tempo, pensieri e ricordi – «Tornerò da te, dai giorni che non ho più da riavvolgere come uno yo-yo» – rivela la necessità Red di ricongiungersi con il passato, di mettere in pausa e far ripartire dal principio la pellicola della sua vita, in modo da poter rivivere i momenti di spensieratezza ormai perduti. Questa frase non è solo una riflessione malinconica, ma un vero e proprio grido di rivalsa: il desiderio di tornare a vivere con leggerezza, lasciandosi alle spalle il peso delle responsabilità adulte e ricostruendo un presente in cui i ricordi si fondono con nuove possibilità. In questo ritornello c’è la promessa di tornare all’essenza, di riappropriarsi di quei giorni, come uno yo-yo che torna indietro solo per prendere slancio verso il futuro con rinnovata energia e consapevolezza. La voce di Red, riconoscibile e ricca di colori e sfumature, è una coccola per l’anima, una carezza che trasmettere emozioni con una delicatezza straordinaria. Il suo timbro unico, combinato ad una sensibilità artistica di raro riscontro, rende tutte le sue release un percorso intimo, in cui chi ascolta può ricollegarsi a parti di sé dimenticate e lasciarsi trasportare da un’emozione sincera. Questa intensità vocale ed espressiva, si ritrova in ogni sua canzone, e "Coffee Shop" non fa eccezione. Il brano che tocca corde intime, ma offre anche una finestra di speranza. La nostalgia e la malinconia non sono mai fini a se stesse, bensì diventano il motore per guardare avanti, per dar vita ad un’identità più matura e consapevole e per costruire nuove memorie. Red riesce, con eleganza e autenticità, a parlare di esperienze condivise da molti, ma lo fa con un linguaggio semplice, capace di arrivare dritto al cuore. Con "Coffee Shop", Red ci incoraggia a prendere in mano la nostra vita, a fermarci, a prenderci del tempo e, soprattutto, a non aver paura di ripartire, perché anche dopo aver attraversato periodi bui, non dobbiamo mai perdere di vista la luce che avvolge ciò che conta davvero.... Continua a leggere

Si intitola “Fatti sentire” (MoovOn/Altafonte Italia) il nuovo singolo del cantautore torinese Raffaele Poggio, un brano che dà voce agli artisti indipendenti, coloro che ogni giorno affrontano sacrifici e sfide enormi per portare avanti la propria musica senza scendere a compromessi. Il brano, un manifesto di lotta e resistenza dedicato a tutti coloro che cercano di farsi ascoltare in un mondo che spesso li ignora o tenta di farli tacere, racconta il percorso artistico di Raffaele, mettendo in luce non solo le difficoltà del suo cammino, ma anche il coraggio di non cedere a pressioni esterne, di qualunque tipo e natura esse siano. Il testo, scritto dallo stesso Poggio, si apre con un’accusa forte e chiara: «Valori e ambizioni buttati in qualche letto, lasciati a soffocare con i sogni in un cassetto». È qui che Raffaele denuncia apertamente di essere stato vittima di avances sessuali in cambio di promesse lavorative nel mondo dello spettacolo, come lui stesso racconta: «Diversi brutti episodi hanno segnato la mia gavetta; persone che si sono approfittate del mio sogno per rubarmi montagne di soldi, o che mi hanno fatto proposte indecenti per farmi entrare in certi contesti. Questi episodi mi hanno profondamente ferito, al punto da farmi dubitare se valesse la pena continuare. Ma non sono mai stato disposto a scendere a compromessi, e alla fine ho scelto di far sentire la mia voce senza piegarmi». “Fatti sentire”, prodotta da Transeuropa e masterizzata da Energy Mastering, non è solo una canzone per gli artisti che lottano, ma per tutte le persone che sentono il bisogno di far valere i propri diritti, denunciando qualsiasi ingiustizia subita. Raffaele ha voluto mantenere un suono semplice e diretto, senza troppi effetti, per sottolineare la sincerità del messaggio. Il pezzo, con le sue influenze pop-latin, risulta ballabile e accessibile, pur rimanendo autentico e fedele al panorama musicale italiano contemporaneo. La voce è la nostra forza: non importa se si tratta di una lotta artistica o personale, tutti devono sentirsi liberi di esprimere chi sono. In questo senso, “Fatti sentire” è un inno alla libertà d’espressione e un incoraggiamento a vivere senza paura del giudizio altrui, come magistralmente espresso nel verso-chiave «La voce è la nostra forza», che esorta tutti a non tradire i propri sogni e i propri valori. Nel videoclip ufficiale del brano, realizzato da Knowhere Studios, Raffaele utilizza la metafora del tempo, rappresentata da una clessidra, per enfatizzare l'importanza di farsi sentire prima che sia troppo tardi. Il video traspone in immagini il percorso artistico del cantautore, tra live e clip, con un tocco futuristico che si fonde perfettamente con l’accezione del singolo: agire prima che il tempo scorra via e ci scivoli dalle mani. Fronte live, il 12 ottobre, al Jazz Club di Torino, si è tenuta la prima data di LATIN PROJECT, il nuovo tour di Raffaele Poggio. Lo show è un viaggio musicale tra i grandi classici della tradizione latina, che hanno fortemente influenzato la sua carriera, e i suoi brani originali, che negli ultimi anni hanno raggiunto le vette delle classifiche degli artisti indipendenti italiani e stranieri. Con lui sul palco, una band di musicisti d’eccezione: Mel Contino alla batteria, Steve Q alle tastiere, Donato Donvito alla chitarra e Michele Rossi alle percussioni, ognuno con un’esperienza consolidata nei rispettivi campi. Nonostante le difficoltà che la musica latina e gli artisti indipendenti affrontano in Italia, dove le grandi emittenti radiofoniche spesso ignorano queste produzioni, Raffaele crede fortemente nel potere del suo sound. Il pubblico del Jazz Club, composto da fan affezionati e nuovi ascoltatori, ha partecipato con entusiasmo, confermando la forza del progetto. Raffaele, con la sua energia e la sua sensibilità, riesce sempre a creare una connessione emotiva con il pubblico, conducendolo in una dimensione musicale unica. Ora, con lo sguardo rivolto oltre i confini nazionali, Poggio spera di portare la sua musica e il suo spettacolo anche all'estero, continuando a far sentire la sua voce e quella di tutti gli artisti che, come lui, lottano per la propria verità.... Continua a leggere

Dopo una gavetta costellata di soddisfazioni e palchi importanti con la band ed il successo dei suoi primi singoli da solista, “Ibisco" e "Metalli", che hanno affascinato pubblico e critica per la sua versatilità e la sua voce inconfondibile, Manuel torna con un nuovo brano carico di emozioni, "Àncora". Una traccia che tocca il cuore e ci trasporta nel mezzo di un rapporto di coppia fatto di alti e bassi, di difficoltà e scelte, in cui si cerca il proprio equilibrio tra sentimento e separazione; una traccia che va oltre il concetto di “canzone d’amore” per diventare un confronto sincero con se stessi e con l'altro. «Dalla cima di un battito lento, ti dicevo "se cadi io ti prendo", ma non sono mica un'àncora, sprofondata nell'oceano dei tuoi sbagli», canta l’artista, con una sincerità che colpisce fin dal primo ascolto. Queste parole ci riportano alla consapevolezza che in ogni relazione c’è un momento in cui ci si rende conto di non poter essere l’àncora per qualcun altro, se prima non si trova la propria dimensione, la propria stabilità emotiva. “Àncora” si posa su sonorità moderne e internazionali, fondendo elementi RnB e new soul, ma mantenendo una chiara identità artistica che contraddistingue da sempre il lavoro di Manuel. Il testo, scritto dallo stesso cantautore lombardo, è un racconto sincero che porta alla luce le difficoltà di un amore che fa vacillare, ma che al tempo stesso fortifica, consentendoci di interiorizzare un’importante lezione: in un rapporto, non impariamo solo a conoscere l’altro, ma anche noi stessi, gli inevitabili compromessi che siamo a disposti ad accettare e tutto ciò che, invece, stride totalmente con la nostra personalità e con la nostra concezione di vivere in coppia. «E non sono mica un’àncora, appesa alla tua barca, sono il mare in cui nuotavi o solo un’onda, che salutavi dalla riva», recita un’altra frase-chiave del brano, sottolineando un senso di libertà ritrovata, pur riconoscendo il dolore della separazione. Ma “Àncora” è solo un frammento di un progetto più ampio. Manuel ha lavorato per oltre due anni al suo primo album, che vedrà la luce il prossimo anno: «Le canzoni mi hanno salvato la vita – racconta –. Sono state stata la mia terapia, il mio rifugio. L'energia che ci dona la musica è infinita; io ci sto mettendo tutto me stesso nell’essere un semplice "tramite" che possa concentrare certe emozioni e farle arrivare a tutti, perché ognuno di noi ha bisogno di sentirsi compreso e di rendersi conto che non siamo mai davvero soli.» Il disco, scritto, prodotto, arrangiato e registrato da Manuel stesso, è il risultato di un percorso personale e professionale che ha richiesto tempo e dedizione. Un lavoro che lo ha visto confrontarsi non solo con i sentimenti più intimi, ma anche con le difficoltà di dare forma alle proprie emozioni in musica. Al mix e al mastering, Cristiano Messina del MacLovin’ Studio, mentre Matteo Stella al pianoforte ha contribuito a dare un tocco di eleganza ad alcune tracce. «Capita spesso che, per amore, ci facciamo carico dei problemi che stanno affrontando le persone che amiamo e che possono essere gestiti e risolti unicamente da loro – conclude l’artista -. Spesso ci prendiamo delle responsabilità che vanno oltre il nostro controllo e creiamo un meccanismo di auto-sabotaggio, incolpando noi stessi per non riuscire a “sistemare tutto”. Se amiamo davvero una persona, dobbiamo essere forti e consapevoli, comunicando in modo chiaro ed essendo sempre sinceri. Quando ci si rende conto che qualcosa non va, proprio lì c’è una grande possibilità di evoluzione; dobbiamo lasciare libere le persone a cui teniamo, libere di essere, libere di sbagliare, libere di scegliere, libere di poter superare le loro battaglie personali senza pressioni. È proprio vero che alla base dobbiamo amare noi stessi e pensare al nostro benessere, per trasmettere sicurezza e fiducia.» Questo nuovo singolo rappresenta un momento di sincera introspezione nella carriera di Manuel, un brano che va oltre la semplice narrazione per accompagnare l’ascoltatore verso una nuova consapevolezza. Con la sua musica, Manuel non cerca risposte facili, ma invita a fare un tuffo dentro se stessi, lasciando spazio al coraggio di vivere per affrontare ogni avversità senza filtri. "Àncora" è una guida tradotta in canzone che, attraverso le note, ci ricorda di affrontare le tempeste interiori senza perdere di vista la rotta verso noi stessi.

I Ferrinis, il duo di fratelli romagnoli che ha saputo conquistare il cuore del pubblico con uno stile inconfondibile e la capacità di dare vita a canzoni senza tempo, torna a grande richiesta con “Ferrinis Deluxe Edition”, l’edizione estesa del primo omonimo album “Ferrinis” che, pubblicato a gennaio 2024, ha ottenuto oltre mezzo milione di visualizzazioni in meno di un anno. Il progetto rappresenta un vero e proprio percorso musicale attraverso sentimenti contrastanti, alternando momenti di gioia a riflessioni, ricordi e desideri. Un disco che abbraccia stagioni e stati d'animo e che con la sua anima caleidoscopica, principalmente pop ma impreziosita da sfumature latin, dance, urban e dembow, presenta una struttura sonora capace di andare ben oltre: ogni brano racconta un’esperienza, un ricordo, una fase della vita. Oltre alle 8 tracce presenti nella versione originale del disco - “Ballami Sul Cuore”, “Un altro Giro”, “La Volta Buona”, “Nessuno”, “Baby Baby”, “Cuore Matto”, “Brivido” e “L’ultima Canzone” -, il duo romagnolo ha aggiunto i 3 singoli che hanno scandito le stagioni italiane del 2024, facendo ballare e commuovere il pubblico. Troviamo infatti “La Voglia Che Mi Fai”, pezzo che ha infiammato la primavera con i suoi ritmi dance travolgenti, "Forte!", la hit estiva che ha mescolato sapientemente il dembow alla passione italiana, e "La Fine Dello Show", la struggente ballad settembrina che ha aggiunto un nuovo tassello ad un anno intenso e pieno di successi. Ma non è tutto. Il progetto include anche una versione acustica de "La Volta Buona", traccia che nella sua semplicità disarma l'ascoltatore con una delicatezza unica, e "Per Non Farti Male", l'attesissimo nuovo singolo che farà battere i cuori di tutti coloro che, almeno una volta nella vita, hanno vissuto il dolore di ferire una persona amata, nonostante la sincerità dei propri sentimenti. "Per Non Farti Male" è una canzone intrisa di rimpianto e consapevolezza, in cui il protagonista riflette sul fallimento di una relazione, chiedendo scusa per non essere riuscito a mantenere viva la connessione con la partner. Nonostante ciò, riconosce che quello che è stato vissuto era autentico e prezioso: passaggi come «Ti chiedo scusa se ho il cuore nero, quello che c’è stato è sempre stato vero» rendono perfettamente un rimorso interiore profondo, mentre nella frase «Non basteranno mai neanche mille parole per non farti male» è racchiusa la consapevolezza che, per quanto sincere, le scuse non saranno mai sufficienti a cancellare la sofferenza causata. La narrazione è malinconica e struggente, con immagini che richiamano il senso di colpa e una sensazione di perdita irrecuperabile. La traccia trasmette l’idea di un amore che, pur essendo autentico, è finito per incomprensioni e fragilità. Il protagonista analizza gli errori commessi, consapevole che il suo comportamento ha ferito la persona amata, anche se non era sua intenzione - «Non ho mai voluto farti del male, ma è successo lo stesso» -. Amore e rimorso si intrecciano in un singolo che tocca con delicatezza il tema delle relazioni complicate, dove il carattere e le debolezze spesso portano a ferire chi amiamo, e che riconferma la sensibilità autorale e interpretativa dei Ferrinis. Quella di “Ferrinis Deluxe Edition” è una tracklist che emoziona dal primo all’ultimo brano: tra le tracce più iconiche, "Ballami Sul Cuore" è un’esplosione di energia, una dichiarazione di passione travolgente che invita a lasciarsi andare completamente al ritmo dell’amore. “Un altro Giro”, mette in musica il desiderio di vivere ogni momento come se fosse l’ultimo, mentre "Brivido" mescola sentimento e sensualità, donando all'ascoltatore un’esperienza completa e totalizzante. Le voci dei Ferrinis sono un marchio di fabbrica che incanta, uno dei punti di forza di questo progetto, insieme alla loro abilità di raccontare storie personali in cui qualsiasi ascoltatore può facilmente identificarsi: «La nostra musica parla per noi – raccontano Maicol e Mattia -, per le nostre emozioni e per le esperienze di tutti quelli che ci ascoltano». Con "Ferrinis Deluxe Edition", il duo non solo celebra il passato, ma guarda con determinazione al futuro, come spiega in conclusione: «Abbiamo voluto includere brani che ci hanno accompagnato durante tutto il 2024, ma anche aprire nuove strade con "Per Non Farti Male" e la versione acustica de "La Volta Buona". Siamo sempre in movimento, cercando di creare nuove connessioni con il pubblico». “Ferrinis Deluxe Edition” è un album che, come un diario musicale, attraversa il tempo e lo spazio, regalando nuove emozioni ad ogni ascolto. Un disco che segna un percorso di crescita per i Ferrinis, che dimostrano ancora una volta la loro capacità di raccontare la vita in musica, in modo semplice, diretto e coinvolgente. "Ferrinis Deluxe Edition" – Tracklist: 1- Ballami Sul Cuore 2- Un altro Giro 3- La Volta Buona 4- Nessuno 5- Baby Baby 6- Cuore Matto 7- Brivido 8- L’ultima Canzone 9 - La Voglia Che Mi Fai 10 - Forte! 11 - La Fine Dello Show 12 - La Volta Buona (Acoustic Version) 13 - Per Non Farti Male... Continua a leggere

Dopo il successo ottenuto ad Italia’s Got Talent con il Manzella Quartet e l’importante progetto “Donna”, ispirato a storie vere di violenza sulle donne raccolte in un centro antiviolenza, il cantautore e musicista bergamasco Alex Castelli torna a far parlare di sé con "Tremenda" (PaKo Music Records), il suo nuovo singolo che, con ironia e sincerità, racconta una relazione in cui l'amore diventa il campo di battaglia tra caratteri opposti, ma inevitabilmente complementari. «Sei tremenda, nessuno può competere con te. Non c'è dialettica che tenga, ogni mia scusa nel confronto è solo un ponte per non cadere e non uscire con le ossa rotte», canta Castelli, regalando una delle frasi più emblematiche non solo del pezzo, ma di una relazione che, fondata su un sentimento vero, puro e cristallino, sa andare oltre le differenze, l’orgoglio e le difficoltà. Il ritratto vivido di chi, pur riconoscendo di essere in una posizione di “svantaggio” emotivo, sceglie comunque di restare. Perché alla fine, in amore, quello che conta davvero non è vincere, ma accettarsi per ciò che si è, con pregi e difetti. Il protagonista della narrazione si sente sempre un passo indietro rispetto alla sua compagna, ma è felice di esserlo, perché riconosce il valore del sentimento che li unisce: «Ho capito che non ci sono relazioni perfette, ma c'è amore quando c'è fiducia e accettazione – spiega l’artista -. "Tremenda" parla proprio di questo: di quell’equilibrio strano e meraviglioso che si trova solo in un amore autentico.» Il brano arriva dopo il singolo d’esordio solista "C’è di mezzo il mare" e l'album "Caduti Liberi", riconfermando la capacità di Alex di miscelare elementi pop-rock con una sensibilità cantautorale e un’eleganza espressiva di raro riscontro. Le sue parole scorrono leggere, ma non per questo meno incisive: raccontano, con una genuinità disarmante, le dinamiche di coppia, tra umorismo e consapevolezza. Con il suo stile narrativo fluido e coinvolgente, Castelli mette in musica un rapporto in cui ci si scontra e ci si ritrova continuamente. I momenti di leggerezza si alternano a riflessioni più intime, ma il filo conduttore resta sempre lo stesso: l'amore come forza motrice che supera ogni ostacolo. «Mi avvicino, ti allontani. Non ti cerco, tu mi chiami. Poi parliamo per due ore, ci vediamo e litighiamo. Non riusciamo a stare senza, troppo forte la presenza di un amore che più grande non si può» recita un altro importante passaggio del testo, sintetizzando perfettamente l’andamento di un rapporto, fatto di alti e bassi, ma anche di una profonda connessione che non può essere ignorata. È proprio questa forza invisibile che unisce i due protagonisti, rendendo ogni scontro e ogni riavvicinamento parte integrante di un amore che, nonostante i contrasti, non smette mai di crescere e rigenerarsi. Il tappeto sonoro di “Tremenda” accompagna accuratamente il testo, con sonorità moderne che richiamano un pop-rock raffinato, capace di catturare l’attenzione al primo ascolto e di rimanere nella mente grazie alla sua immediatezza. La produzione è pulita e diretta, lasciando spazio alla voce inconfondibile di Alex, che riesce a dare forma e vita ad ogni singola parola. Con il suo passato di collaborazioni prestigiose e un’esperienza ventennale nel mondo della musica live, Alex Castelli ha saputo costruire una carriera solida e variegata. Alla base di ogni suo progetto, c’è un mantra che lo accompagna da sempre: “a quitter never wins, a winner never quits” (“chi molla non vince mai, un vincitore non molla mai”). Questo motto, racchiude la determinazione che Alex ha infuso in ogni fase della sua vita. Non importa quante difficoltà si incontrino lungo il cammino, l'importante è non arrendersi mai. «Questo mantra è la mia guida – spiega – e l'ho applicato in ogni aspetto della mia vita, sia personale che artistica. Ogni ostacolo affrontato mi ha reso più forte, e credo che questo si rifletta nella mia musica, dove l’autenticità e il coraggio di mettersi in gioco sono sempre al centro». Le sue influenze musicali sono altrettanto fondamentali per capire il suo stile. Con un background che spazia dagli Afterhours ai Nirvana, passando per artisti italiani come Daniele Silvestri, Niccolò Fabi e Max Gazzé, Castelli ha saputo intrecciare l'indie-pop e il rock d'autore con sonorità moderne, creando un sound unico e riconoscibile. Questa varietà di ispirazioni si riflette in "Tremenda”, che segna per lui l’inizio di un nuovo capitolo: è un brano che parla al cuore delle persone, che racconta la realtà di ogni relazione in cui ci si confronta per crescere insieme. «Scrivere questa canzone è stato un processo catartico – confessa il cantautore lombardo –, mi ha permesso di riflettere sulle dinamiche della mia vita e su ciò che rende una relazione vera. Non importa essere perfetti o vincenti: ciò che conta è esserci, accettarsi e continuare a lottare per qualcosa che vale davvero.» Uno storytelling onesto, senza fronzoli e senza maschere, ma delicato e ironico al contempo, è ciò che rende ogni canzone di Alex Castelli unica. Questo singolo è un omaggio alle relazioni sincere, quelle in cui le parole contano, ma non vincono, perché alla fine, a prevalere è sempre e solo l’amore.

Il cantautore, polistrumentista, scrittore, attore e regista ligure Al Vox torna con un progetto destinato a non lasciare indifferenti: “SicknationAL” (PaKo Music Records/Believe Digital), un concept EP che mette a nudo l'anima di un artista capace di scavare in profondità nelle crepe della società contemporanea, rivelando una realtà "malata" che colpisce e intorpidisce le coscienze. Sei tracce che si mescolano tra amore, disillusione, denuncia sociale e riflessioni intime, sei tracce che raccontano, con brutalità e sensibilità al contempo, un mondo inquinato, in cui le emozioni sono soffocate da ipocrisie e paure. Ogni brano si fa specchio delle contraddizioni e dei malesseri della società attuale, traslando in musica un aspetto diverso del caos emotivo e morale che caratterizza il nostro tempo, attraverso una fusione unica di suoni e collaborazioni artistiche. Al Vox, talento geniale, dall’estro sperimentatore e imprevedibile, non si limita mai a sondare un unico genere o un'unica narrazione. In “SicknationAL” racchiude un patchwork di stili e sound, dal rap all'elettronica, dall'acustico al rock, con la partecipazione di colleghi come Luisenzaltro, Kallisto e Flavio Rubatto, ognuno portatore di un contributo significativo che amplifica l'intensità emotiva del disco. Il risultato è un EP che sfugge a qualsiasi definizione, ma che colpisce dritto al cuore, lasciando all'ascoltatore un forte senso di riflessione. Il titolo, “SicknationAL”, è un gioco di parole che richiama una "nazione malata", ma non si riferisce al solo contesto politico o sociale. Al Vox allarga lo sguardo al mondo intero, ad un sistema che sembra aver perso il contatto con la realtà e la coscienza collettiva, opprimendo le individualità sotto il peso delle paure e delle ipocrisie. «Con SicknationAL – racconta - parlo non solo della mia nazione, ma di un malessere globale che infetta l’anima delle persone, della fiducia che viene continuamente tradita e del vuoto morale che sembra impossibile da colmare.» Il viaggio inizia con “Serotonina”, un pezzo che, sotto la superficie di un amore perduto, svela il delicato equilibrio tra la chimica delle emozioni e la concretezza delle relazioni. Ma, come specifica Al Vox, non si tratta di una canzone d’amore tradizionale: «Non promuovo l’amore, promuovo l’amore coscienzioso, che non è mai perfetto e che spesso ferisce, ma che ci fa crescere», afferma l’artista, aggiungendo che la superficialità con cui spesso vengono trattati questi temi è il vero nemico da combattere. Il disco continua con "Alkol", un duetto con Luisenzaltro che, mediante l’utilizzo di metafore, affronta la questione delle dipendenze, non solo dall'alcol, ma da tutto ciò che anestetizza le menti e le coscienze. Il brano è una critica diretta ai governi e ai sistemi, i quali, anziché affrontare i problemi sociali, preferiscono distogliere lo sguardo con promesse vuote e illusioni. «Alkol non parla solo di ciò che beviamo, ma anche di ciò che ci viene imposto. Viviamo in un mondo dove la paura e l’ipocrisia sono le vere bottiglie che ci riempiono le giornate», sottolinea Al Vox. Uno dei momenti più intensi dell’EP è “SocioSkonfitta”, una traccia in collaborazione con Kallisto che riflette sul concetto di fallimento sociale e su come il giudizio altrui spesso derivi da una comprensione superficiale della vita. Il brano, con i suoi toni provocatori e le sue liriche taglienti, sfida apertamente il qualunquismo imperante: «Nessuno può decidere cosa sia giusto o sbagliato con il 20% del cervello funzionante», afferma ironicamente Al Vox, aprendo un varco di riflessione su cosa significa davvero vivere in una società che pretende di classificare tutto. Il pezzo più evocativo del concept è indubbiamente “The Robots”, cover acustica in lingua italiana del celebre brano dei Kraftwerk, realizzata in collaborazione con Flavio Rubatto. Qui, il tema della disumanizzazione viene affrontato con una delicatezza e una profondità inaspettate, attraverso l'uso del theremin che aggiunge un tocco futuristico e al tempo stesso retrò, rappresentando l'eterna lotta tra l’essere umano e la macchina. Il disco si conclude con “Accetta il consiglio, adesso”, un monologo narrato, accompagnato da sonorità ambientali che richiamano un paesaggio sonoro naturale. «È il mio invito a chi ha ancora la testa sulle spalle: vivere in pace, senza farsi schiacciare dalle brutture del mondo», spiega Al Vox. Un consiglio che, nella sua semplicità, rappresenta la chiusura perfetta di un progetto complesso e stratificato. Con “SicknationAL”, Al Vox ha creato un disco concettuale che rappresenta simultaneamente una riflessione personale e una denuncia sociale. Un EP che attraversa generi differenti con maestria, diventando un importante manifesto contro la superficialità, l'ipocrisia e la paura che dominano la nostra epoca. «Con SicknationAL – conclude Al Vox - ho voluto raccontare il mondo come lo vedo io, un mondo avvelenato che ci costringe a mettere da parte le nostre vere emozioni per sopravvivere. Non è un disco facile, ma spero che possa arrivare a chi, come me, si sente spesso perso in questo caos.» Anche in questo progetto, così come in tutte le sue precedenti release, Al Vox conferma di non aver paura di essere diverso, di rompere le regole e di mettere in discussione tutto, anche se stesso. “SicknationAL” è un album che non si riduce ad un semplice racconto, ma invita al pensiero attivo e a risvegliare quella parte di noi che spesso, per sopravvivere, decidiamo consapevolmente di lasciar dormire.

Ci sono storie che vivono nel silenzio, nascoste dietro sorrisi che mascherano ferite invisibili. "Sofia" (Newphonix/Universal Music Italia), il nuovo singolo di fiori d'artificio, nasce da una di queste storie: quella di una giovane donna che, come tante altre, lotta ogni giorno con la propria immagine, con l'inadeguatezza che sente addosso come una seconda pelle. fiori d'artificio, con una sensibilità rara e un’intensità toccante, racconta il dolore sottile e silenzioso di chi non si sente mai abbastanza, di chi si guarda allo specchio e non si riconosce, di chi cerca disperatamente un equilibrio che sembra sempre più lontano. Dopo il successo del singolo d’esordio "Nulla di Rotto", il cantautore parmigiano torna ad emozionare con una traccia che non è solo musica, ma un abbraccio fatto di parole, un rifugio per chiunque si senta perso. "Sofia" è una mano tesa, un invito a non nascondere il proprio dolore, a parlarne, a trovare il coraggio di guardare oltre. In un momento cruciale per la sua carriera, segnato dalla partecipazione ad X Factor 2024, fiori d’artificio decide di condividere con il mondo una canzone che arriva dritta al cuore, lasciando un messaggio importante, un segno indelebile nell’anima di chiunque la ascolti. Con una delicatezza disarmante, l’artista offre conforto a chi ha bisogno di sentirsi capito, di sapere che non è solo nella sua battaglia. Nata due anni fa tra i banchi dell'università, “Sofia” è ispirata alla storia di una ragazza reale, una cara amica dell'artista, che ha vissuto il dramma della difficoltà nell'accettare il proprio corpo. Un disagio che spesso si trasforma in comportamenti dannosi, autolesivi, come il rapporto distorto con il cibo che ancora troppo spesso sfocia in DCA. In questo brano, fiori d'artificio mette in musica non solo la sofferenza, ma anche la speranza che un cambiamento sia possibile, per Sofia e per tutti coloro che affrontano le stesse battaglie quotidiane. «Questo brano – racconta - è diverso da tutti quelli che ho scritto prima. L’ho tenuto sotto una teca di cristallo per tanto tempo, sapendo che avrebbe avuto bisogno delle giuste cure per essere presentato al mondo. L’ho scritto in un’ora, in una piovosa giornata al mare, ma ha continuato a vivere dentro di me, fino al momento giusto per condividerlo. È una canzone che non parla solo a Sofia, ma a tutti coloro che si sentono inadeguati o fuori posto, che si specchiano e non si riconoscono.» Il testo di "Sofia", una vera e propria poesia struggente ma al contempo satura di fiducia e conforto, si fa portavoce di un sentimento che molti conoscono, ma che spesso rimane taciuto. «Quando si guarda allo specchio, Sofia resta ferma, in mezzo a un finto sorriso»; parole che dipingono immagini, fotogrammi delicati all’occhio di chi guarda, ma gravosi e ingombranti nella vita di chi li scatta, li vive, e vi ci sente imprigionato. Il dramma interiore di chi lotta con il proprio corpo prende vita e trova la sua voce, liberandosi dall’incapacità di vedersi come gli altri lo vedono. Le parole della canzone trasmettono un senso di vulnerabilità, ma anche di forza: «Sofia resta bella, davvero bella». Un inno alla bellezza vera, autentica, pura, quella capace di andare oltre gli stereotipi e le convenzioni sociali. L’artista, con la sua scrittura sincera e toccante, esorta a riflettere su come il giudizio altrui possa essere debilitante e devastante, generando comportamenti autolesivi e sentimenti di inadeguatezza. «Tu non mi parlare male, ci posso restar mal», recita uno dei versi più potenti, richiamando la necessità di usare il tatto e la sensibilità quando ci si rivolge a chi ci circonda. «Sofia è bella così com’è – conclude fiori d’artificio -, ma spesso le persone non se ne rendono conto. Volevo scrivere qualcosa che non fosse solo una canzone, ma un abbraccio virtuale per tutte quelle ragazze e quei ragazzi che si sentono come lei, per far capir loro che non sono soli, e che c’è sempre una via d’uscita.» Con la sua vocalità pulita e intensa, l’artista trasforma ciascuna nota in un racconto di vita, ogni parola in una carezza. L’arrangiamento, che unisce chitarre acustiche e pianoforte, accompagna dolcemente il testo, rendendo “Sofia” un brano che tocca il cuore dall’interno, capace di emozionare dal primo ascolto. "Sofia" è la voce di chi non può parlare perché ha soffocato nel dolore anche l’ultimo anelito del suono della propria anima, una riflessione commovente sul body shaming, sul modo in cui la società etichetta e giudica le persone. Un messaggio forte, che mira a sensibilizzare l’opinione pubblica su un tema che, purtroppo, tocca da vicino ancora tantissimi giovani. fiori d'artificio spera che questa canzone possa diventare un punto di riferimento, un luogo sicuro privo di giudizio in cui chi ci si ritrova possa trovare conforto e coraggio.... Continua a leggere

Dopo aver conquistato la scena fondendo rap e jazz con l'eleganza senza tempo del sassofono di Federico Ferroni e la collaborazione di No Joke in “Sax on the Beat”, Dexter Red torna con "Per la musica” (Daylite), il suo nuovo singolo che si fa subito manifesto della sua poetica e del suo approccio artistico, in cui il rap diventa uno strumento di espressione mai fine a se stesso. «Non lo faccio per l'hip hop, non lo faccio per il rap, lo faccio per la musica e la musicalità» recitano l’intro e l’outro del brano che, quasi come un mantra, rappresentano l’essenza dello stile unico e inconfondibile del suo autore, fatto di rime taglienti, incastri impeccabili e punchlines da capogiro, il tutto scandito da flow magistrale e condito da un’ironia pungente che mette subito in chiaro la sua posizione: per lui la musica è qualcosa che trascende i generi, che va oltre le mode passeggere e i cliché della scena rap. Una dichiarazione d’intenti che sottolinea la volontà dell’artista di rimanere autentico, di non piegarsi alle regole di un mercato che spesso privilegia la superficialità rispetto alla sostanza. Una critica pungente alla superficialità della scena attuale che nelle barre affilate della traccia si fa portavoce di un'idea precisa: il rap non è solo moda e non lascia spazio alle imitazioni. È una forza che va oltre il ritmo e le parole vuote, un vortice di contenuti che arrivano dritti allo stomaco per parlare alla mente e smuovere le coscienze. «Lancio queste perle e damigelle mi deridono», prosegue il testo, utilizzando l’ironia come un'arma affilata, diretta verso tutti coloro che si limitano a seguire i trend senza ricercare una propria identità musicale. Ma Dexter Red non si ferma alla critica. Il suo stile si contraddistingue per originalità e versatilità, fondendo perfettamente elementi di diversi generi musicali senza mai perdere il focus sulla qualità delle sue liriche. Il beat che sostiene "Per la Musica" è moderno e al contempo evocativo, capace di coinvolgere simultaneamente il pubblico più giovane e i nostalgici della scena dei primi 2000, ma è nelle parole che l’artista grossetano dimostra tutta la sua maestria. I testi di Dexter Red sono un mix perfetto di ironia, critica sociale e riflessione personale. Le sue barre sono un flusso continuo di immagini, giochi di parole e riferimenti taglienti che colpiscono l’ascoltatore con la forza di un pugno: «Se un giorno farò un disco forse non sarà magnifico, non smetterò di offendervi nel modo più pacifico», recita una delle strofe più provocatorie del pezzo, dove la critica sociale si mescola all’autoironia in un gioco di specchi che lo rende letteralmente unico. La ricchezza espressiva si unisce ad una versatilità di raro riscontro: Dexter Red, infatti, non è solo un rapper, ma un ballerino e videomaker, un artista completo che combina l’abilità da MC all’iconografia della sua penna, fondendo ritmo, riflessione e movimento in un’espressione artistica complessa. In "Per la Musica", questa versatilità si riflette anche nella struttura del brano, che mescola linee melodiche contemporanee con riferimenti alla cultura rap più classica, creando un pezzo che sembra provenire dal passato ma che al tempo stesso suona incredibilmente moderno. Con "Per la musica", Dexter Red dimostra ancora una volta di essere in grado di innovare e sperimentare, senza mai perdere la sua identità. Le sue liriche, dense di significato e umorismo, portano una ventata di freschezza e autenticità nella scena rap italiana, miscelando testi intelligenti e punchlines disarmanti con una musicalità che non ha eguali. «Per me la musica è tutto, è libertà – dichiara l’artista -. Non mi interessa fare rap solo per fare rap. Voglio che ogni pezzo abbia una storia, una profondità. Con "Per la musica" ho voluto celebrare questa libertà, il fatto di non dovermi mai adeguare a niente e a nessuno.» Questo nuovo singolo, conferma Dexter Red una delle voci più interessanti e innovative del panorama rap italiano. Un artista che dimostra di avere tutte le carte in regola per fare la differenza in una scena sempre più simile a se stessa.

Dopo il successo virale di "Nuit", che ha conquistato TikTok raggiungendo milioni di visualizzazioni, Claro torna con “BMW”, il suo nuovo singolo. Un brano che, con il suo ritmo pulsante a mezz'aria tra deep e voglia di libertà, racconta una storia di sentimenti in bilico tra amore e odio, in cui la perdita e il desiderio di riscatto si fondono in un racconto crudo e sincero. "BMW", sorretto da un beat di matrice elettronica, si snoda tra parole che evocano immagini forti e vivide: una relazione che si dissolve tra gli errori del passato, ma che, nonostante tutto, lascia una traccia indelebile nella mente di chi l'ha vissuta. Due persone che si sono amate intensamente, ma che ora cercano di ritrovarsi, persi tra emozioni contrastanti e ricordi dolorosi. «Baby tu mi chiami se ti senti sola, non era nei piani perderti ancora» canta Claro, mettendo in luce la fragilità di un rapporto che, sebbene incrinato, continua a mantenere una connessione invisibile tra due anime che non riescono a dimenticarsi. «Ma tu ancora chiedi la notte come stai, passano i pensieri ma tu no non passi mai», recita uno dei versi più rappresentativi del brano, sottolineando un sentimento di inseguimento costante, dove l’amore, sebbene relegato in secondo piano rispetto alla ricerca del successo e degli svaghi, rimane impresso nella memoria, come una cicatrice indelebile. Il giovane talento torinese non si limita però a raccontare una storia d’amore. "BMW" è anche un grido di rivincita, l’espressione del desiderio di andare avanti nonostante tutto, di scappare da un passato che continua a ferire e di abbracciare nuove strade, nuovi obiettivi. «Ho tolto l’amore ma continuo con il contante» canta ancora l’artista, traducendo in musica un concetto per certi versi difficile da interiorizzare, ma a tratti necessario per guardare al futuro: l’amore lascia spazio a nuovi stimoli, tra cui la carriera, il denaro, il successo, ma la sua assenza non passa mai davvero inosservata. «BMW è una canzone nata in un momento di riflessione – spiega Claro -, dove il passato e il futuro si mescolano in una corsa senza fine. È un brano che parla di crescita, di accettazione, ma anche di fuga. Spesso, quando un amore finisce, restiamo imprigionati tra i ricordi e la realtà. Ho voluto raccontare cosa significa trovare la forza di andare avanti, anche se, nel profondo, c'è sempre qualcosa che ci riporta indietro.» Il sound di "BMW" richiama un mondo fatto di corse notturne, di macchine che sfrecciano nella notte tra luci e ombre, dove ogni curva rappresenta una decisione, un bivio tra ciò che è stato e ciò che si vuole raggiungere. Le sonorità ballabili e ipnotiche, creano un’atmosfera unica, che spinge l’ascoltatore a non rinnegare, bensì ad esplorare, un universo sensoriale fatto di desideri inconfessabili e paure nascoste. "BMW", dietro la sua apparente leggerezza, nasconde un messaggio importante. Claro, con la sua scrittura sincera e incisiva, continua a raccontare storie vere, storie di vita vissuta, in cui l’amore e la ricerca di sé si intrecciano, creando una narrazione priva di filtri in cui immergersi per ritrovarsi. Dopo "Nuit", che ha totalizzato milioni di visualizzazioni su TikTok e ha portato l’artista sotto i riflettori della scena musicale italiana, con "BMW" Claro ci regala un nuovo tassello della sua evoluzione artistica, un mix perfetto di suoni e sentimenti, mantenendo però una freschezza e una modernità che lo proiettano direttamente verso il futuro della musica. Un futuro che Claro sembra pronto a conquistare, una strada che, proprio come le ruote di quel BMW che fa "sky sku sku", lo porterà lontano.... Continua a leggere

Lo scorso inverno ha incantato il pubblico con il singolo "Universo", rivelando la sua anima romantica e riflessiva, ed ora il cantautore romano Francesco Luz torna con un brano sorprendente, intimo e delicato: "Parole all’improvviso" (PaKo Music Records/Believe Digital). Questo nuovo singolo, la sua prima vera e propria canzone d’amore scritta in italiano, rappresenta un cambiamento significativo nella carriera dell’artista, una ventata di dolcezza per nulla scontata che arriva dritta al cuore di chi ascolta. A rendere tutto ancora più affascinante è il contrasto tra il testo, incredibilmente poetico, e le sonorità rock che lo sostengono, un equilibrio perfetto che dona alla traccia una freschezza coinvolgente e inaspettata. "Parole all’improvviso" racconta quelle parole che nascono d’istinto, senza preavviso, come un sussurro che nasce dal cuore per fluire dalle labbra, prima ancora che ci si renda conto di essere avvolti dall’abbraccio dell’amore. «Ho fatto i conti senza di te, ho avuto storie ridicole», canta Francesco, con la sua voce che penetra le barriere di ogni autodifesa per offrire all’ascoltatore una riflessione su quanto si possa trascorrere del tempo ad attendere inconsapevolmente l’amore vero, quello capace di scardinare ogni argine emotivo. È la storia di un sentimento vero, puro e cristallino, narrata con la sincerità di chi ha vissuto e riconosce che i gesti e le parole, sebbene inattesi, sono ciò che dona significato a tutto. «Adesso qui voglio avere te» è il grido di un cuore che si risveglia, che finalmente prende coscienza di ciò che conta davvero. Un progetto intimo e sincero, portato alla luce anche grazie alla collaborazione di un team d’eccellenza: prodotto presso Il Piano B Progetti Sonori dallo stesso Francesco Luz e Roberto Cola - già noto per le sue collaborazioni con artisti del calibro di Patty Pravo e Arisa -, “Parole all’improvviso” è un caleidoscopio di immagini e battiti, riflessi musicali che, proprio come le forme proiettate dallo strumento ottico, non si ripetono mai ma affascinano e sorprendono ad ogni ascolto. Ciascuna nota è un frammento unico che, unito agli altri, crea un’atmosfera sempre nuova, capace di catturare l'essenza del cantautore e musicista capitolino. Inoltre, questo brano, evidenzia la versatilità di Francesco Luz, che si occupa della voce e di tutti gli strumenti suonati nella traccia, fatta esclusione per la batteria, magistralmente suonata da Edoardo Guerrazzi. Un lavoro attento e meticoloso che sottolinea l’abilità dell’artista di fondere una profonda sensibilità poetica ad una maestria musicale impeccabile. Le sonorità di "Parole all’improvviso", rockeggianti ma al tempo stesso eleganti e raffinate, sono accompagnate da una melodia che si sviluppa con dolce intensità, racchiudendo perfettamente il tema centrale del brano: l’amore che si manifesta improvvisamente, senza preavviso, ma che trova la sua forza e la sua verità proprio nella semplicità dei gesti quotidiani. «Non è facile spiegare una canzone – racconta Francesco -, specialmente una canzone d’amore, perché credo che chi ascolta, spesso, trovi un significato ancora più interessante di quello individuato dall’autore. Ma posso dire che “Parole all’improvviso” è nata in un momento in cui ho realizzato come, a volte, si dica o si faccia qualcosa senza nemmeno rendersi conto che si è innamorati. Solo guardandosi indietro si capisce quanto quel sentimento fosse già lì, da sempre. E in quel momento, ho compreso che quelle parole, quelle azioni improvvise, sono l’essenza stessa dell’amore.» Con “Parole all’improvviso”, Francesco Luz aggiunge un nuovo tassello alla sua carriera artistica, un percorso iniziato nel 2019 con “Extraordinary Men”, il suo primo album in inglese che ha riscosso un grande successo, anche grazie ai riconoscimenti ottenuti dai videoclip diretti da Ari Takahashi, premiati in tutto il mondo. Dopo aver toccato temi complessi e personali nel suo secondo omonimo album, “Francesco Luz”, in cui affrontava il delicato tema della depressione, l’artista romano torna con un singolo che accarezza l’anima, un omaggio alla naturalezza dei sentimenti che emergono senza preavviso, facendo riflettere l’ascoltatore sulla bellezza e l’imprevedibilità di quelle emozioni che ci sorprendono e ci trasformano. L’eleganza e la finezza del sound, accompagnati dalla voce intensa di Francesco Luz, rendono “Parole all’improvviso” una canzone d’amore che sa arrivare a tutti, con una sincerità disarmante e un impatto emotivo che tocca le corde più intime del cuore.... Continua a leggere

Esplorare dimensioni alternative del pensiero emotivo alla ricerca di un modello edonistico in cui identificarsi, trascendendo ogni sonorità codificata dai canoni estetici del presente: questa la missione di un ensemble di carismatici e celebri musicisti finalizzata a concepire un progetto ambizioso di evoluzione del linguaggio musicale, ove convivono il fascino del passato e il futuro ipnotico del digitale con l'impiego delle tecnologie di intelligenza artificiale. Questo è “Evolution”, una visione artistica che introduce un percorso dal concetto metaforico del tempo evanescente, attraversando generi, epoche e sensazioni per guidare l’ascoltatore al centro di un’esperienza sinestetica che travalica i confini del tempo e dello spazio. Ideato e curato del Maestro e compositore Marco Sabiu, già direttore d'orchestra in molteplici edizioni del Festival di Sanremo e collaboratore di artisti universalmente conosciuti come Françoise Hardy, Luciano Pavarotti, Ennio Morricone e Luciano Ligabue, in sinergia con Elisa Rubini e William Seiferth, titolari dell'etichetta statunitense Mewzing Project – label che riunisce musicisti compartecipi in progetti innovativi -, “Evolution” è una combinazione sorprendente tra un passato evocativo e un futuro magnetico, dove le tecnologie digitali non solo accompagnano, ma ridefiniscono la concezione stessa del suono. Un'alchimia musicale dall'appeal eclettico per un brano – disponibile sui digital store in 3 versioni, Radio Edit, Club Mix e Alternate Take - introdotto dalla spiccata cantabilità espressiva del tenore Augusto Celsi, in accurata armonia con le atmosfere suasive evocate dalla caratterizzazione timbrica della voce di Deborah Johnson, cantante di origini afroamericane e figlia del famoso interprete della musica pop Wess Johnson. Autore del testo e delle melodie è il musicista e liricista Max Marchione – noto per aver contribuito alla realizzazione di diversi progetti discografici di spicco, prestando la sua abilità e la sua sensibilità artistica a virtuosi interpreti come Audio 2, Sandy Marton, Ivana Spagna, Roberto Vecchioni e Georgina Ward -, mentre la tastiera è magistralmente suonata dal pianista Marco Ricciotti, che vanta collaborazioni durature con il maestro Andrea Bocelli e il compositore canadese David Foster, offrendo un'esecuzione impeccabile delle sonorità che generano sensazioni acustiche ideali. Una maestria tecnica e un’eleganza che si fondono perfettamente con il timbro morbido e suadente della sassofonista Letizia Brunetti, la cui esperienza internazionale arricchisce il brano con un ulteriore tocco di sofisticata sensibilità. La parte ritmica e le basi del pezzo sono state minuziosamente curate da due D.J. di rilievo: Auerbach, figura iconica della scena musicale della riviera adriatica con una carriera all’attivo dal 1979, e Tambu, giovane talento della generazione Z, che insieme apportano una ventata di freschezza e innovazione, rendendo "Evolution" un esempio lampante di come la musica possa evolversi senza dimenticare le proprie radici. Il videoclip ufficiale, realizzato per impreziosire visivamente il brano, è stato girato all'interno di un tempio della lirica e interpretato da Angela Albonetti, danzatrice professionista del corpo di ballo presso il Gran Teatro di Łódź, in Polonia, coadiuvata da Davide Albonetti, ballerino per X Factor e The Voice nel Regno Unito, oltre che per il film di culto Barbie diretto da Greta Gerwig e interpretato da Margot Robbie e Ryan Gosling. “Evolution” racchiude perfettamente l'essenza di un linguaggio estetico fascinoso ed elegante, dove il canto pregevole del passato accarezza le note di un presente senza tempo, convivendo in simbiosi con il suono per vestire di emozioni la contemporaneità di una cultura pop house di altissima qualità. Una sinergia senza precedenti tra l’analogico e il digitale, il classico e il moderno, l’eterno e il transeunte.... Continua a leggere

Dopo essere uscita dalla sua “Bolla” con un esordio toccante che ha messo in luce la sua straordinaria vocalità e capacità espressiva, Alice Alagna, la giovane cantautrice e compositrice siciliana vincitrice de I Visionatici Festival 2024, torna con un nuovo singolo dall’anima profonda e raffinata, “Insolubile” (Pepperpot/ADA Music Italy). Conosciuta al grande pubblico per la sua partecipazione ad Amici nel 2021 – durante la quale ha incantato tutti con la suggestiva interpretazione di “One Last Song” di Sam Smith - e nel 2023 – in sfida con la vincitrice Sarah Toscano -, Alice in questo brano dà voce ad un amore che non riesce ad amalgamarsi completamente, ad un legame che, per quanto intenso, non trova mai totale armonia, come acqua e olio che restano separati pur convivendo nello stesso bicchiere. Due persone che si amano, ma che non sono in grado di mescolarsi, di fondersi l’una nell’altra senza perdere le rispettive identità. «Siamo stati veri solo quando sognavamo dentro un bar»: uno spaccato sincero e struggente di una relazione che non trova il proprio equilibrio. Un amore che non ha futuro perché non riconosce, non accoglie le unicità dei suoi protagonisti: «Incompatibile il nostro amore vertigine, non ci abbracciamo più in questa casa, noi viviamo come un déjà vu», recita uno dei versi più rappresentativi del brano, delineando l’impasse, i tratti di un rapporto ormai statico, in cui le emozioni sono soffocate dall’abitudine e le immagini si ripetono in un loop che non consente di scattarne di nuove. Il tema dell’accettazione delle differenze all’interno della coppia viene affrontato con una delicatezza che penetra l’ascoltatore, trasmettendo un senso di malinconia, ma al tempo stesso di forza. Alice dipinge, con la sua voce unica e cristallina, il quadro di due anime che, pur condividendo la stessa tela, restano incompatibili, e che si sentono in pace solo comprendendo di non doversi per forza trasformare. Con questa traccia, prodotta al Pepperpot Studio da Alessandro Forte (già per Aiello e Galeffi), Alice Alagna, porta avanti un discorso importante, quello che non sempre l’amore deve trasformarci radicalmente, come lei stessa racconta: «Acqua e olio alla fine continuano a convivere nello stesso bicchiere perché hanno capito che il segreto per non soffrire più è accettare le loro diversità e non mischiarsi completamente, mantenendo le proprie singolarità.» Un pensiero che diventa un inno alla libertà di essere se stessi anche all’interno della coppia, senza dover necessariamente fondersi in un’unità indissolubile. Il sound di "Insolubile" incanta sin dalle prime note: caratterizzato da sonorità arabeggianti che arricchiscono l'arrangiamento di sfumature eteree, il brano avvolge l’ascoltatore in un’atmosfera sospesa, che richiama mondi lontani e al contempo familiari. La voce limpida e delicata di Alice si intreccia ad un tappeto melodico estremamente raffinato che mette in risalto il contrasto tra le due voci della storia, l'acqua e l’olio. Il messaggio che l’artista vuole trasmettere con "Insolubile" ha un’accezione universale: le relazioni più vere sono quelle in cui le persone imparano a convivere senza snaturarsi, rispettando i propri confini. «Tu dai la colpa a me se sono sempre instabile, son come acqua e tu sei l’olio che è insolubile», canta Alice, lasciando emergere tutta la fragilità e la forza di una donna che, nonostante le difficoltà, ha imparato a riconoscere il proprio valore e a non farsi inghiottire dal desiderio di cambiamento. «"Insolubile" è nata da una riflessione sulle relazioni e sulla difficoltà di accettare l’altro senza volerlo cambiare – conclude –. Spesso pensiamo che per amare qualcuno dobbiamo trasformarci o far sì che l’altra persona cambi per noi, ma la vera sfida è accettarsi per ciò che si è, mantenendo la propria identità.» Con il suo nuovo singolo, Alice Alagna conferma il suo talento e la sua capacità di emozionare, ricordandoci che non è necessario annullarsi per amare ed essere amati, bensì abbracciare le differenze di ognuno per poter vivere un amore vero, solido e duraturo.... Continua a leggere

Un addio che non si consuma, un legame che sopravvive oltre il tempo e lo spazio: con "Ciao come stai?", Max De Lorenzis torna ad emozionare, offrendoci uno spaccato sull’eternità dei sentimenti che trasforma il dolore della perdita in una carezza musicale che lenisce le ferite dell’anima. Questo brano, terzo estratto dal suo album di debutto "La 5° Casa", è il cuore pulsante di un progetto che in pochissime settimane dal rilascio ha superato i 100.000 ascolti, riconfermando l’artista come una delle voci più limpide e toccanti della scena musicale contemporanea. "Ciao come stai?" è una lettera d’addio, delicata e struggente, rivolta ad un primo amore che non c’è più, ma che continua a vivere nei ricordi, riaffiorando con forza ogni volta che la sua presenza viene evocata. «È da tempo che non sento la tua voce, eppure il per sempre esiste ancora nel mio cuore dove è inciso il tuo nome», canta Max, con una voce colma di puro sentimento che riesce a rompere ogni barriera emotiva. Queste parole, semplici ma ricche di trasporto e pathos, richiamano la sensazione di un vuoto rimasto incolmabile, un vuoto che sa però riempirsi di memoria, di affetto e di una nostalgia mai del tutto dissolta. «Ho scritto questa canzone in un momento di grande fragilità – confida l’artista – e inizialmente avevo timore a condividerla, ma poi ho capito che queste sensazioni, così intime, dovevano trovare la loro espressione, perché fanno parte della mia storia.» Prodotto da Nicola Bruno e accompagnato dal videoclip ufficiale diretto da Francesco Sardano e presentato in anteprima nazionale su Sky TG24, "Ciao come stai?" cattura istantaneamente l'attenzione, caratterizzandosi per una dolcezza palpabile che si carica di significato ad ogni nota. Il video, girato in Puglia, tra le onde del mare, vede Max vestito di bianco, quasi a simboleggiare la purezza e la fragilità di un angelo caduto. Una scelta visiva che riflette perfettamente l’essenza del brano, concludendosi con la frase "To Be Continued", un messaggio che suggerisce quanto, nonostante tutto, una vera storia d’amore non abbia mai una conclusione definitiva, perché continua a vivere nelle pieghe del tempo e dell’anima di chi l’ha vissuta. Ma oltre a rappresentare un commovente omaggio ad un amore perduto, “Ciao come stai?” ci invita a mantenere vivi i ricordi e i legami che ci definiscono. Max De Lorenzis chiama gli ascoltatori a riflettere sull'importanza di dipingere il proprio mondo con le esperienze vissute, ad essere fieri delle proprie radici e del percorso che ha formato la loro identità anche grazie ai rapporti interpersonali più intimi e sinceri, perché infondo, è soprattutto da questi legami che scaturisce la vera essenza del nostro essere. La traccia diventa così un messaggio commovente e sincero, personale ma al contempo universale, un ponte tra passato e presente, tra vita e morte, tra memoria ed eternità che ci esorta a non dimenticare chi siamo e da dove veniamo, sottolineando che l’amore, quello vero, quello che ci segna profondamente, trova sempre un modo per restare vivo. Con "Ciao come stai?", Max De Lorenzis ci consegna un pezzo di sé, un frammento di vita che non si limita a narrare ciò che è stato, ma lo trasforma in musica, rendendolo eterno. In un mondo che spesso corre troppo veloce per soffermarsi sulle emozioni, Max ci invita a rallentare, a vivere intensamente ogni istante, con la consapevolezza che ciò che abbiamo amato resta con noi, sempre. Questo singolo è il riflesso-canzone dell’amore, della perdita, e di come la musica possa essere il mezzo attraverso cui mantenere vivi quei legami che né il tempo né la morte riescono a spezzare.... Continua a leggere

Dopo aver infiammato il palco come opening act di Rose Villain al Phoenix Festival 2024, Jamie, la giovane promessa della scena pop-punk italiana, torna a conquistare il pubblico con un nuovo capitolo della sua carriera. Con un seguito sempre crescente di fan di tutte le età e l’attenzione degli addetti ai lavori, grazie alla sua capacità di affrontare tematiche sociali cruciali intrecciate ad un sound dall’inconfondibile, il cantautore marchigiano presenta “Crollo Nevrotico”. Prodotto da Moka, il producer dei La Sad (insieme a Matteo “Theø” Botticini), questo brano rappresenta una tappa fondamentale nel suo percorso artistico: un'immersione viscerale nelle profondità della mente, in cui emozioni crude e chitarre distorte si fondono in un turbinio di parole che colpiscono con la sincerità dell’esperienza vissuta e la forza di un pugno. Una persona nevrotica è, per definizione, un individuo che si trova intrappolato nelle spirali delle proprie emozioni negative, sviluppando un'ossessione per i propri stati d'animo più oscuri. Quando questa condizione raggiunge il culmine, l'equilibrio interiore si spezza, e il cedimento emotivo è inevitabile. In quel momento, i pensieri più cupi emergono prepotentemente, prendendo il controllo e avvolgendo la mente in un'ombra densa e soffocante. “Crollo Nevrotico” nasce proprio da un periodo di estrema fragilità dell’artista, un periodo in cui Jamie si è ritrovato a fare i conti con un dolore così intenso da sembrare insuperabile. Le sue giornate si erano ridotte ad una continua lotta per trovare un senso in un’esistenza che gli stava sfuggendo di mano, lasciandolo in bilico tra il desiderio di resistere e la tentazione di arrendersi. È in questo contesto che la musica è diventata il suo unico rifugio, l’unica via d’uscita in un labirinto di sensazioni in antitesi. «A gennaio – spiega - la mia vita aveva preso una piega che non avrei mai immaginato. Ho perso tutto, dalla salute alla voglia di vivere. Non mangiavo, avevo perso molto peso e faticavo ad alzarmi dal letto. Mi rimaneva solo la musica, e così, cercando di trovare un po’ di luce tra le ombre di un’esistenza che sentivo spezzata, ho iniziato a scrivere. Quella demo era solo l’inizio: poi ho scelto di prendere un intercity notturno da Ancona a Torino e chiudermi in studio con Moka. Lì, insieme, abbiamo riscritto tutto, trasformando quel caos che avevo dentro in un suono che ora appartiene anche a voi.» Il singolo è uno scorcio, un affresco sonoro su una mente che cerca il suo equilibrio tra la voglia di cedere alle tenebre e il bisogno di sopravvivere. «Sai che c'è, crollo nevrotico. Fuck you bad, un cuore tossico. Non sto bene come al solito. Un giorno dopo l'altro, non so se arriverò al prossimo» canta Jamie, dando sfogo con brutale onestà alla disperazione di chi si sente intrappolato in un loop senza fine. «Scrivere è il mio modo di affrontare il dolore – conclude Jamie -, di trasformarlo in qualcosa di tangibile, di condivisibile. “Crollo Nevrotico” non è semplicemente una canzone, è il punto di partenza di un viaggio che spero possa portare a una sorta di guarigione, per me e per chiunque si trovi a vivere qualcosa di simile.» Il brano segna anche l’inizio di un percorso musicale che Jamie ha deciso di intraprendere insieme a Moka, un progetto che dipingerà, attraverso le prossime release, ogni aspetto di questo tracollo emotivo e psicologico, alla ricerca di una via d’uscita dal buio. Con “Crollo Nevrotico”, l’artista classe 2002 non solo si riconferma come una delle voci più sincere e autentiche della sua generazione, ma inaugura una nuova fase della sua carriera, in cui ogni traccia diventa un tassello di un mosaico più ampio, una narrazione continua che invita l’ascoltatore a non arrendersi, a trovare forza anche nel più intenso dolore.

Dopo anni di studio e sacrifici, Mariateresa, giovane e talentuosissima promessa di Pantelleria, si affaccia sul panorama musicale italiano pubblicando il suo primo singolo, “Strada Vuota” (La Mediterranean Label), un brano carico di emozioni che riflette il percorso personale e artistico della cantante. Con una voce pulita e fuori dal comune, Mariateresa dà vita ad un viaggio sonoro tra solitudine, forza e speranza, raccontando la storia di una donna che cerca il proprio posto nel mondo, tra battaglie personali e rinascite. “Strada Vuota”, presentato in anteprima sul palco della prima edizione del Festival Internazionale Voci dal Mediterraneo svoltosi a Pantelleria lo scorso Luglio, si apre come un’intima confessione, in cui la protagonista corre lungo una strada che sembra non avere fine, un percorso che simboleggia la difficoltà di trovare se stessi in una società che spesso non offre risposte. «Corro tra la gente, finché fiato mi accompagnerà, vorrei capire questa strada vuota, dove mi porterà», canta Mariateresa con una sincerità che penetra il cuore sin dal primo ascolto, offrendo uno spaccato di vita reale, fatto di cadute e risalite. Il testo del brano riflette in musica il vissuto dell’artista, che ha affrontato numerose sfide lungo il suo cammino, sia a livello musicale che personale. «Strada vuota senza vergogna, strada vuota per chi vivrà»: parole che trasmettono la determinazione di una giovane donna che ha imparato a non avere più paura del giudizio altrui, trovando nella musica la sua strada, il suo rifugio, la sua forza ed il suo scopo. «Ho iniziato a scrivere "Strada Vuota" in uno dei periodi più difficili della mia vita – racconta Mariateresa -, quando ogni strada che imboccavo sembrava portarmi al nulla. La musica era l’unica cosa che mi faceva andare avanti, dandomi la speranza che un giorno le cose potessero cambiare. Oggi canto questo brano con l’orgoglio di chi ha superato tante difficoltà e ha trovato finalmente il proprio equilibrio.» Il pezzo, composto e arrangiato dal Maestro Giuseppe Denaro e scritto a quattro mani con Massimo Galfano, spicca per la semplicità con cui riesce a trasmettere valori importanti, profondi e sempre più rilevanti al giorno d’oggi. Il sound, elegante e ricercato, accompagna delicatamente la voce di Mariateresa, mettendo in risalto ogni sfumatura emotiva della sua interpretazione e la sua vocalità unica e limpida. Una scelta sonora che si allontana dagli arrangiamenti complessi, volta a restituire all’ascoltatore una purezza musicale che rispecchia perfettamente il messaggio del testo. «”Strada Vuota” è nata tramite un colloquio con il mio manager Massimo Galfano, nel quale ho espresso il mio percorso musicale, fatto di difficoltà e delusioni - conclude Mariateresa -. Da questa chiacchierata, ho compreso che è proprio grazie a quel cammino che oggi posso guardare al futuro con nuova consapevolezza e serenità.» L’artista racconta senza filtri la sua esperienza, dando voce non solo alle sue paure, ma anche alla speranza di un domani migliore, resa egregiamente nel verso «Ho vissuto una vita che non mi appartiene, con il cuore rotto a metà che presto volerà», simbolo di una rinascita sotto ogni punto di vista. La chiusura del pezzo, «Essere una donna, che gran valore ha? Se solo io avessi ancora tra le mani quel cuore rotto a metà», è una riflessione intima e suggestiva che racchiude la consapevolezza di quanto sia importante non arrendersi mai, nonostante le avversità. La capacità di Mariateresa di fondere emozioni e tecnica vocale la rende una delle interpreti da tenere d'occhio, capace di conquistare l'ascoltatore con la sua autenticità e con un timbro che non si dimentica facilmente. “Strada Vuota”, accompagnato dal videoclip ufficiale diretto dalla Eventi e Management Italia, rappresenta un primo passo verso un futuro artistico ricco di sorprese, genuinità e talento, in cui la musica continuerà ad essere il mezzo attraverso il quale raccontare storie vere, sincere e intense, con una sensibilità rara e una determinazione incrollabile.... Continua a leggere

Dopo il dirompente esordio con “Tu si femmena”, la nuova voce del rap al femminile Sugar Mask torna a parlare di vita vera nel suo nuovo omonimo singolo, “Sugar Mask”, un brano che scardina i cliché della scena italiana, riportando al centro il contenuto e la profondità in un genere che spesso dimentica le proprie radici. «E basta con sti pezzi solo droga, pistole e criminalità. Leggiti bene la strofa, è il contenuto che non ci sta. In un mondo dove regna la superficialità, la differenza chi la fa? Chi parla di profondità». Liriche e barre pungenti, scandite dal flow impeccabile dell’artista partenopea che, in questa traccia, lancia un messaggio forte e chiaro: il rap può ancora essere altro, può tornare a parlare di vita vera, può continuare fare la differenza raccontando problemi, disagi e desiderio di rivalsa senza scivolare in quei cliché che negli ultimi anni lo hanno privato della sua vera essenza. Dietro la sua maschera di zucchero, dolce e graziosa, Sugar Mask diventa l’emblema di un contrasto incredibilmente affascinante: la durezza dell’armatura celata dalla delicatezza dello zucchero filato. È una rapper che non ha paura di mostrarsi vulnerabile, di raccontare storie vere e di affrontare temi sociali scomodi con una profondità che scava nel cuore di chi ascolta. Nel suo nome e nella sua immagine si riflette la contraddizione tra forza e fragilità, tra una maschera imposta e una necessaria, tra l’apparenza e la sostanza, temi che emergono prepotentemente in ogni verso dei suoi testi. La maschera non è solo un elemento estetico, ma una corazza che protegge e al tempo stesso rivela, spingendo il pubblico ad andare oltre l’estetica, a concentrarsi sui contenuti piuttosto che sull’esteriorità. In questo nuovo singolo, l’artista campana racconta la propria storia, ma anche quella di tutti coloro che si sentono imprigionati in un mondo dominato dall’apparenza. «Ma perché cazzo indossa una maschera quella? Perché non hai bisogno di vedere la mia faccia bella! Basta capire cos’ho da dire, stammi a sentire!», canta in apertura con ironia e rabbia, sottolineando quanto sia cruciale scorgere oltre l’aspetto esteriore per cogliere il vero valore delle persone, delle loro voci, delle loro storie. Il brano è un mix esplosivo di rime e punchlines disarmanti, in cui Sugar Mask mette a nudo le sue riflessioni sulla società, la vita e il rap contemporaneo. Dopo aver scosso il rap-game con il suo primo singolo "Tu si femmena", un brano di denuncia sulla discriminazione di genere e la difficoltà delle donne di essere rispettate nella scena contemporanea, Sugar Mask continua il suo percorso di consapevolezza con una critica alla superficialità dell’era attuale, un’epoca in cui «la situazione sta sfuggendo di mano», sottolineando con disincanto il vuoto culturale - «se parli di cronaca nera e chiedi secondo te chi è il killer?, lei risponde cazzo ne so che domani devo rifare il filler» -. Un’immagine che ben rappresenta l'ossessione per l’estetica e la perdita di valori autentici, contro cui l’artista si ribella con forza. In un mondo in cui le donne sono spesso giudicate per l’aspetto fisico e ancora discriminate nell’ambiente rap, Sugar Mask lancia una sfida coraggiosa. «M’han detto passata la trentina resti in vetrina, ma chi l’ha detta sta grande cazzata? Mi sta bene solo se è una vetrina Prada!», canta, ribellandosi agli stereotipi e ridando dignità e forza alle donne, quelle che come lei lottano per essere riconosciute per quello che sono e non per come appaiono, indipendentemente dall’età anagrafica. Un invito a non piegarsi agli standard imposti dalla società e ad essere autentiche, anche in un mondo che le vorrebbe omologate. Sugar Mask non è solo una rapper, ma una cantautrice che utilizza la musica come un diario personale, trasformando le sue esperienze in testi che parlano a tutti. «Dormo con carta e penna sotto al cuscino, di notte sogno e scrivo, sennò dimentico al mattino», rivela nel brano, mostrando quanto la scrittura sia per lei una necessità vitale, un modo per elaborare la realtà e raccontarla con sincerità. Ogni parola di "Sugar Mask" è pensata per lasciare un segno, per scuotere e per far riflettere. «Tutti hanno una storia da raccontare, ma non possiamo mica tutti rappare. Eh beh, siam già tanti, e allora? Allora non dar retta a nessuno, se siam cento io faccio cento e uno», recita un passaggio del testo, affermando con determinazione il suo diritto di prendere spazio in una scena che ancora oggi riserva poche opportunità a chi non si conforma alle regole non scritte del rap mainstream. Un suono che rompe gli schemi e che nell’arrangiamento del pezzo crea un’atmosfera coinvolgente e ricca di contrasti, esattamente come l’artista stessa. “Sugar Mask” rappresenta una ventata d’aria fresca, un progetto che punta tutto sulla qualità dei contenuti e sulla profondità dei messaggi, portando il rap a un livello diverso, più intimo e più vero. «Ho scelto di mascherarmi per far parlare la mia musica – dichiara l’artista -. Non voglio che la gente si concentri su come appaio, ma su quello che ho da dire. La maschera è una corazza, ma anche una scelta di libertà. Con “Sugar Mask” voglio parlare a chi, come me, non si riconosce nei modelli che la società ci impone. Voglio essere la voce di chi non si sente ascoltato, di chi è stanco di vivere in una realtà superficiale.» Con questo nuovo omonimo singolo, Sugar Mask si conferma una delle voci più interessanti e originali della scena rap italiana. Il suo coraggio di affrontare temi sociali, la sua scrittura schietta e tagliente, e la sua determinazione a non scendere a compromessi la rendono un nome da tenere d’occhio. In un’epoca in cui regna la superficialità, Sugar Mask è qui per fare la differenza, riportando il rap ad un linguaggio vero e reale, capace di parlare alla vita quotidiana e alla sostanza delle cose.... Continua a leggere

Dopo aver conquistato il pubblico con "Illusa", presentato dal vivo lo scorso luglio sul prestigioso palco dell'RDS Summer Festival e accolto con entusiasmo da critica e ascoltatori, Martina Marchetti torna a sorprendere con "Brezza", un brano che, a differenza del precedente, non cerca di svelare illusioni o maschere, ma racconta il delicato equilibrio tra leggerezza e profondità, proprio come la brezza d’estate che porta con sé ricordi, pensieri e nuove prospettive. “Brezza” è una canzone che scivola lieve sulle note ma che affonda le radici nelle emozioni più intime, intrecciando ricordi, istanti fugaci e riflessioni interiori. Un vento soave che sfiora la pelle per imprimere nel cuore una traccia indelebile che si caratterizza per il suo sound pop etereo e raffinato, arricchito da sonorità che accompagnano il testo in un connubio perfetto tra melodia e parole. Un’estate intera come una casa, un sogno che si avvera: immagini di libertà e spensieratezza, ma anche di introspezione e crescita personale impresse su un testo che prende vita grazie alla timbrica cristallina e priva di artifici di Martina; una riflessione sul percorso di vita di ciascuno di noi e sul cambiamento che attraversa tutto il singolo, sfiorando con intensa delicatezza le corde del cuore. Le immagini evocate nel testo, come «il tempo diventa gelo, il sentimento cielo», conducono l’ascoltatore a cavalcare l’onda tra il passato, tutto ciò che non può più essere, e un futuro che sboccia e si disegna con nuovi contorni. L’estate diventa così metafora di un capitolo di vita, fatto di momenti da afferrare prima che il vento li porti via, ma anche di un coraggio ritrovato, necessario per abbracciare il cambiamento. Un legame, quello tra ieri, oggi e domani, che si evince perfettamente nel verso «Ch’al cor gentil Amor ratto s’apprende», tratto dal Canto V dell’Inferno della Divina Commedia di Dante Alighieri, ove viene narrata la tragica storia d’amore di Paolo e Francesca. Questo richiamo alla letteratura classica, inserito nel contesto del brano, crea un’importante connessione tra tradizione e contemporaneità, dove il sentimento, seppur malinconico, si lega indissolubilmente al cuore gentile, capace di amare senza riserve. Una citazione che impreziosisce il testo, portando con sé una carica emotiva e culturale, e che sottolinea la capacità dell’amore di lasciare il segno, sia nei grandi poemi che nella quotidianità di ognuno di noi. «L'idea del brano – racconta la cantautrice bergamasca - mi è venuta pensando a quei momenti in cui l'estate sembra eterna, ma poi arriva settembre e ci si rende conto di quanto tutto sia temporaneo. C'è una malinconia dolce che accompagna ogni attimo e che ho cercato di tradurre in musica.» "Brezza" è proprio questo, un itinerario tra le note, un tragitto che si snoda tra immagini suggestive e riflessioni personali ma condivisibili da tutti. «Ferma quei pensieri, non giudicare ieri, mi dici mentre canto in macchina» cita una delle frasi più rappresentative del brano, narrando quell'istante in cui ci si lascia andare, senza paura di affrontare il passato, facendo sì che sia il presente a parlare. Nel ritornello, con quel «Canta Lalla Lalla Lalla Lalla la», Martina sembra volerci cullare, come un’eco che accompagna le nostre emozioni più segrete. Un invito a non trattenere nulla, a lasciare che le cose accadano naturalmente, perché in fondo è proprio nel lasciar andare che si trova una nuova libertà. Un mantra che accompagna il trascorrere del tempo e le fasi della vita, un appello ad assaporare pienamente ogni attimo, permettendo al vento, a quella brezza che ci accarezza dolcemente, di portare via con sé tutte le incertezze e i rimpianti. “Brezza” è un richiamo a riflettere, a non fermarsi davanti alle difficoltà, a lasciarsi trasportare dalle correnti della vita senza paura di ciò che ci aspetta all’orizzonte. Un brano che parla di fragilità, ma anche della forza di chi, nonostante tutto, decide di andare avanti e di affrontare le tempeste interiori con la stessa delicatezza purificatrice del vento. Con questo singolo, Martina Marchetti si conferma una delle artiste più originali e talentuose della nuova scena musicale italiana, capace di scrivere canzoni che non solo raccontano storie, ma che offrono una visione unica e intima della vita. Dopo il successo di "Illusa", che ha raggiunto migliaia di ascolti, "Brezza" rappresenta un ulteriore passo verso una maturità artistica e personale che non passa inosservata.... Continua a leggere

Nei suoi precedenti singoli ha affrontato temi delicati come l’emarginazione sociale e la resilienza, ma con “Lla Ffore”, Eric Mormile porta in primo piano una realtà spesso dimenticata ma sempre attuale: l’emigrazione forzata. Il cantautore e polistrumentista napoletano rilegge un tema antico con una sensibilità moderna, fondendo un pop-rock raffinato con sfumature di world music e traendo ispirazione dalle grandi “canzoni dell’migrante” italiane, il tutto sotto l’esperta ed impeccabile produzione di Nino Pomidoro arricchita dalle percussioni di Luca Guida. Nata a Settembre 2020, durante uno dei soggiorni ad Ischia dell’artista, “Lla Fore” è una canzone che tocca corde intime, raccontando una storia di speranza, disillusione e rinascita attraverso un arrangiamento curato nei minimi su cui si posano la voce e l’interpretazione uniche di Eric, che in questo brano più che mai si impreziosiscono di emozione per giungere dritte al cuore. Una storia di lontananza e di ricerca, che restituisce all’ascoltatore una sensazione di empatia e partecipazione. Dal punto di vista compositivo, “Lla Ffore” fa riferimento ad icone senza tempo del calibro di Peter Gabriel, Sting, Phil Collins e Patrick Leonard, nomi che Mormile ha sempre considerato suoi punti di riferimento artistici. La scelta di strumenti come lo Stage Piano Yamaha CP-80 e l’uso di sonorità eteree e avvolgenti, guidano l’ascoltatore in un vero e proprio percorso sonoro che si caratterizza per la qualità e l’intensità delle sue vie, arterie in cui scorrono le voci, le speranze, i sogni e i sentimenti di chi è costretto a lasciare la propria terra in cerca di un futuro migliore. Senza mai perdere di vista l'equilibrio tra tradizione e contemporaneità, il brano trova la sua forza combinando elementi classici e nuove influenze che, oltre ad arricchire l’esperienza sonora, esaltano l’impatto emotivo delle liriche e dei suoni, rendendolo unico nel suo genere e istantaneamente riconoscibile. «Appena ho completato il testo ho capito di avere tra le mani una hit», racconta Eric. E così, con il supporto del collaboratore di lunga data Salvatore Palomba (celebre autore di “Carmela” portata al successo da Sergio Bruni), “Lla Ffore” ha preso vita, trovando la sua forma definitiva grazie al lavoro di Nino Pomidoro, che ha saputo valorizzarne ogni sfumatura melodica. Eric Mormile si riscopre un moderno menestrello, dando voce alle narrazioni di persone che hanno dovuto fare i conti con il peso dell’emigrazione forzata. Anche se Eric non ha vissuto in prima persona questa esperienza, il suo contesto di vita è fortemente influenzato dai racconti di chi ha dovuto lasciare il proprio paese in cerca di un futuro più roseo. «Mi piace pensare che con questo brano io abbia dato voce ai pensieri e alle emozioni di chi, come tanti cari a me vicini, ha dovuto affrontare la dolorosa scelta di partire - spiega l’artista -.» "Lla Ffore" è quindi a tutti gli effetti una “moderna canzone dell’emigrante”, che si inserisce in quella tradizione di composizioni nate a cavallo tra la fine dell’Ottocento e i primi del Novecento, come “Santa Lucia Luntana” e “A Cartulina ‘e Napule”. Un tempo erano i bastimenti a portare via i nostri connazionali, oggi sono cambiate le modalità, ma il sentimento che accompagna l’emigrazione resta immutato: è un misto di speranza, disillusione e, per molti, una parziale sconfitta. Ma Eric, con la sua inconfondibile visione artistica, ha voluto ribaltare questo concetto, come lui stesso racconta: «Nel mio secondo album, che uscirà nei prossimi mesi, ho voluto raccontare la resilienza sotto tutti i suoi aspetti, e in "Lla Ffore" ho cercato di dare un senso nuovo all’idea di partire: non dobbiamo sentirci costretti a restare, né colpevoli per essere andati via. È un atto di coraggio, un’occasione per essere felici e per condurre una vita dignitosa.» In un’Italia dove la meritocrazia sembra un miraggio e dove il sistema spesso soffoca il talento, "Lla Ffore" diventa una canzone di riscatto, un grido di orgoglio per tutti coloro che hanno deciso di prendersi il loro destino tra le mani e partire, senza sensi di colpa, ma con la consapevolezza che la propria felicità può essere trovata altrove. Il tema dell'emigrazione forzata, che continua a segnare il destino di tanti giovani italiani, non è risolto, anzi. È un problema che potrebbe peggiorare nei prossimi anni, e proprio per questo il messaggio di Eric diventa ancora più rilevante. Il singolo, accompagnato dal videoclip ufficiale girato a San Prisco (CE) e diretto da Michele De Angelis, riesce a trasmettere tutta l'intensità e la bellezza del testo, con immagini che raccontano la storia di chi parte alla ricerca di una vita migliore. La copertina del pezzo, curata da Diana De Luca, è un ulteriore elemento che contribuisce a rendere "Lla Ffore" un progetto artistico completo, in grado di colpire tanto per la sua qualità musicale quanto per il messaggio che veicola. “Lla Ffore” è un brano che non si limita a descrivere, ma coinvolge, sfiorando corde intime e personali e offrendo un’importante riflessione su temi sempre attuali come l'emigrazione e il desiderio di riscatto. Eric Mormile dimostra ancora una volta di essere un artista completo, genuino e sincero, un artista che non ha paura di affrontare temi delicati e a tratti scomodi, con una sincerità e una maturità che lo rendono una delle penne e delle voci più interessanti del panorama musicale non solo partenopeo, ma dell’intero Belpaese.... Continua a leggere

Il dancefloor è pronto ad accendersi di nuove vibes grazie a Jarliama, la cantautrice messicana che sta rivoluzionando la scena musicale internazionale con il suo stile unico e la sua voce inconfondibile. Dopo aver conquistato il pubblico con hit come “Move Shake”, “Boom Shakalaka”, “TikTok” e “Wousha”, Jarliama riconferma la sua versatilità con “Ssswing!” (Mendaki Publishing), una vera e propria celebrazione dei ritmi anni '70, che coniuga la spensieratezza dello swing con i ritmi elettro-dance contemporanei. "Ssswing!" celebra le atmosfere uniche delle piste da ballo di un’epoca in cui la musica e la danza erano il centro, il cuore pulsante, della vita sociale. Jarliama, con il talento ed il carisma che l’hanno resa la regina delle discoteche italiane e internazionali di questo 2024, riporta in auge un genere quasi dimenticato, ma che un tempo faceva ballare e divertire intere generazioni. "Ssswing!" è un inno alla leggerezza, a lasciarsi trascinare dal ritmo per tornare a sentire e a vivere la musica con il corpo e con lo spirito. «Ho scritto questo brano guardando una gara di ballo swing – racconta l’artista -. Sentivo un'energia incredibile attraversare ogni cellula del mio corpo e ho capito quanto oggi ne abbiamo bisogno! Volevo creare qualcosa che non solo facesse ricordare quei tempi, ma che potesse arrivare anche alle nuove generazioni con una vibrazione moderna, qualcosa che facesse ballare tutti, senza eccezioni.» Con la sua voce calda e avvolgente e un’interpretazione fresca e accattivante, Jarliama riesce a fondere passato e presente in un sound irresistibile. “Ssswing!”, grazie ai suoi ritmi contagiosi e ad un ritornello trascinante - «Down, down, down, then I jumped… Sssswiinggggg!» -, diventa impossibile da dimenticare. Il testo riflette l’idea di riprendere in mano la propria vita attraverso il ballo e la musica, lasciando che i problemi e le preoccupazioni si dissolvano, come racchiuso nel verso «The music took over, my body swayed. My worries and troubles just melted away» («La musica ha preso il sopravvento, il mio corpo ha ondeggiato. Le mie preoccupazioni e i miei problemi si sono semplicemente sciolti»). In "Ssswing!", il passato non è solo un ricordo nostalgico, ma una forza trainante che, con l’aiuto di sonorità contemporanee, si rinnova e torna per far parte del presente. Jarliama riesce a restituire all’ascoltatore l’energia pura di un’epoca che molti hanno chiuso in un cassetto dell’anima, ma che ha ancora molto da dire. Questa traccia non si configura unicamente come una celebrazione di ciò che è stato, ma si presenta come una vera e propria rinascita di un genere che torna a far battere i cuori sulle piste da ballo di tutto il mondo. Chiunque la ascolti, viene istantaneamente catapultato in un mondo in cui la musica è sinonimo di libertà, di gioia e di espressione autentica di sé. Il ritornello diventa il grido di una generazione che vuole ritrovare la spensieratezza, anche solo per il tempo di una canzone. È un viaggio attraverso suoni che fanno sentire vivi, che invitano a lasciarsi trasportare e a perdere la cognizione del tempo, solo per ritrovarsi in un’energia condivisa. Vivere il presente senza dimenticare la bellezza del passato: un richiamo a riconoscere il valore di ciò che ci ha preceduto, mantenendo vivo il ricordo delle sonorità che hanno segnato intere epoche. Jarliama, con questa release, conferma ancora una volta di saper regalare un’esperienza musicale che trascende le mode e i tempi, facendo ballare tutti in nome di una leggerezza che non va intesa come superficialità, ma come una preziosa via per ritrovare se stessi e riscoprire il mondo con occhi nuovi. Jarliama non si ferma solo alla musica. La sua personalità carismatica emerge anche nel videoclip ufficiale di "Ssswing!", che, diretto da Riccardo Mocci e Katiuscia Sias, vede la partecipazione dei Babalula Cagliari Swing Dancer – protagonisti della copertina del singolo -, una coppia di ballerini professionisti che interpreta alla perfezione l’energia e l’accezione del brano. Il video, colorato e dinamico, è un omaggio visivo al ballo swing, e mostra come il passato possa ancora essere attuale e rilevante. Dopo aver dimostrato una versatilità musicale che sfiora abilmente tutte le sfumature della dance e dell’elettronica, Jarliama si è affermata come una delle artiste più fresche e promettenti della scena musicale. Con le sue precedenti hit inserite nelle celebri compilation come Hit Mania Dance Estate 2024 e Summer On Dance Vol.2, ha dimostrato di saper abbracciare generi differenti, portando sempre una ventata di originalità e grinta. “Ssswing!” rappresenta a tutti gli effetti un ulteriore slancio nella sua carriera artistica. È un pezzo che riesce a catturare l’energia vitale della pista da ballo, ma al tempo stesso contiene un messaggio profondo: quello di non lasciarsi abbattere dalle difficoltà e di ritrovare la gioia di vivere attraverso la musica. Con "Ssswing!", Jarliama non si limita a celebrare le radici dello swing, ma ne propone una rilettura in chiave contemporanea, confermando la sua capacità di muoversi con naturalezza tra passato e presente. Un’artista in costante evoluzione, pronta a lasciare un segno indelebile sulla scena musicale internazionale.... Continua a leggere

Dopo essersi conosciuti nel 2022 durante la registrazione di "CALVARIO" e "TORINO MUGSHOT" all'Heed Studio, Gheddi, rapper ligure stabilitosi a Torino, e Beatnetti, beatmaker torinese, hanno deciso di unire le forze per creare un disco che rappresenta non solo le loro città di origine, Volvera e Torino, ma anche un patto artistico e personale. Il titolo dell’album, “VO.TO”, racchiude questi significati, enfatizzati ulteriormente dalla copertina che ritrae i due artisti vicini, simbolo del legame indissolubile che li unisce. “VO.TO” è un itinerario musicale tra sonorità classiche e rime taglienti, che non teme di affrontare argomenti scomodi e di contrapporsi alle tendenze mainstream. Il disco nasce spontaneamente dalla collaborazione e dall'amicizia tra Gheddi e Beatnetti, membri rispettivamente delle crew OTC e PNC. Insieme, hanno creato un progetto che si caratterizza per la sua crudezza e autenticità, sfidando le convenzioni e portando alla luce temi spesso ignorati nella musica contemporanea: la tossicità della società odierna, le lotte quotidiane per migliorare il proprio stile di vita, e l'appartenenza a un movimento. L’album è arricchito dalla presenza di alcuni tra i migliori liricisti dell'underground italiano, come Roy Zen, Pepe Nocciola, None e Tonyus, che apportano il loro contributo con citazioni, punchlines e metafore incisive, conducendo l’ascoltatore direttamente nell’immaginario street degli artisti. Ogni traccia è un tassello che contribuisce a creare un affresco sonoro denso e complesso, in cui si fondono esperienze personali e riflessioni sulla realtà urbana. "VO.TO"; si spinge oltre l’accezione di disco rap, per diventare una vera e propria dichiarazione di intenti, un album che sfida le convenzioni del rap contemporaneo e si propone come manifesto di una generazione che non ha paura di dire ciò che pensa. Le tracce, dai titoli evocativi come "Brutalismo Soviet" e "No Scope 360", offrono un percorso di ascolto che spazia da atmosfere cupe e pesanti a momenti più intimi di riflessione, passando per liriche cariche di provocazione e tecnicismi. Gheddi e Beatnetti tendono a non uniformarsi al resto della scena, bensì a distinguersi, con tutti pro e contro della scelta, e raccontano il loro nuovo progetto con queste parole: «"VO.TO"; è nato dalla nostra esigenza di raccontare la realtà così com’è, senza filtri. Abbiamo voluto creare qualcosa che non seguisse le mode, ma che parlasse direttamente alle persone, trattando argomenti che fanno parte della nostra vita quotidiana, delle nostre città, e della nostra cultura. È un disco crudo, ma sincero, che speriamo possa lasciare il segno.» A seguire, tracklist e track by track del disco. “VO.TO” – Tracklist: 1. VO.TO 2. Grazie a Dio (feat. Roy Zen) 3. Peligroso (Feat. Pepe Nocciola) 4. Real (feat. Tonyus) 5. Brutalismo Soviet (feat. None) 6. Verità 7. No Scope 360 (bonus track) “VO.TO” – Track by Track: VO.TO: un’apertura che mette subito in chiaro le intenzioni del progetto con rime taglienti e suoni crudi che richiamano un’atmosfera di ribellione e critica sociale. I versi sfiorano i temi della ribellione, della dipendenza; una critica dritta e decisa alla società contemporanea. La metafora culinaria iniziale - «Sto cucinando e so che puoi apprezzare, materiale pregiato da impacchettare, senza taglio pronta per le strade» - scalda l'immaginazione dell’ascoltatore, mentre il riferimento al Festivalbar e alla musica obsoleta - «L'estate arriva e sei già pronto per il Festivalbar, musica obsoleta genera moneta perché è scam» - sottolineano una certa intolleranza verso le mode passeggere e la superficialità del mondo dello spettacolo. Si percepisce istantaneamente un conflitto interno tra il desiderio di libertà e una dipendenza metaforica da una società sempre più allo sbaraglio. L'aria di isolamento e di esilio nei confronti di un’epoca "contaminata", porta a riflettere sulla condizione di vulnerabilità degli esseri umani moderni. Il testo comunica una grande tensione interiore, utilizzando immagini forti e una prosa incisiva che arriva dritta al punto senza troppi giri di parole. Grazie a Dio (fet. Royzen): un mix di sincerità e introspezione sulle sfide della vita urbana e sulla ricerca di autenticità in un mondo sempre più conformista. Immagini vivide che dipingono un affresco della street life e delle sue complessità. Qui, Gheddi tratteggia il mondo della musica parlando di reputazione, autenticità e di tutte le pressioni sociali per conformarsi. Un richiamo a rimanere fedeli a se stessi, nonostante le aspettative, i preconcetti ed i giudizi esterni. Il testo dà sfogo al desiderio di evasione, criticando al contempo tutti coloro che si atteggiano o mascherano la verità con superficialità. L'appartenenza ad un contesto di periferia è la culla del brano e punta a non demonizzare, bensì a trattare tematiche che, per quanto crude, rappresentano la quotidianità per una fascia considerevole di popolazione. La menzione allo scrittore e politico russo Ėduard Limonov - «Non sarò il tuo nuovo hit marker, sarò il nuovo Limonov» conferisce un'aria di ribellione e di adesione ad una filosofia di vita che non si basa sulle illusioni, accettando la durezza del reale. Peligroso (feat. Pepe Nocciola): un brano intriso di riferimenti culturali che denuncia la superficialità della società moderna. La terza traccia del disco, “Peligroso”, si arricchisce di vissuti personali e riflessioni su temi come la vita quotidiana e la lotta contro la monotonia. La scrittura, iconografica e cruda, dà sfogo alla frustrazione puntando il dito contro la superficialità di tutti coloro che tendono a giudicare un libro dalla sola copertina. La reiterazione di elementi di cultura pop e riferimenti a momenti storici e musicali impreziosisce il testo, rendendo condivisibili e fruibili dal pubblico le esperienze personali dei due rapper. I giochi di parole e le punchilines dimostrano una padronanza del linguaggio di raro riscontro nella new wave e un approccio fortemente creativo, influenzato dallo streetwear e da pellicole cinematografiche di un certo spessore. La tensione tra il desiderio di libertà e di evasione espressa nella vita artistica e la realtà di un'esistenza convenzionale è l’anima di questa traccia. Il contrasto tra la vita vissuta in modo autentico e il conformismo sociale è un tema ricorrente, ma vi è anche uno sbeffeggiamento dei canoni imposti dalle mode. Il titolo del brano trae ispirazione da un pezzo del rapper Crimeapple, come la citazione sulla barra, «movimento come l'esercito». Real (feat. Tonyus): un omaggio alla cultura hip-hop degli anni ’90, che affronta i temi di appartenenza e lotta per la sopravvivenza artistica. Le rime di "Real" trasmettono un forte senso di comunità e riflessione sulla vita degli artisti nel contesto della cultura hip-hop italiana, ma da diverse angolature dettate dalla provenienza differente dei due rapper. Gheddi gioca con l’immagine di una carriera che si sviluppa attraverso impegno e perseveranza, ma anche mediante esperienze dure, in un ambiente spesso difficile. Il richiamo agli anni '90 e il confronto tra talento e successo, evidenziano il valore e la stratificazione della cultura urban, che va oltre il mero intrattenimento, toccando aspetti di vita quotidiana e identità. La fusione di lingue e stili, dal dialetto all'inglese, arricchisce ulteriormente il testo, rendendolo identitario e universale al tempo stesso. L'idea di scrivere il proprio nome «sopra i muri della city» simboleggia un potentissimo atto di affermazione e appartenenza ad una comunità. Finzione e realtà, lotta per la sopravvivenza e necessità di esprimere la propria voce artistica, si alternano in maniera eccellente, creando una narrazione che sorprende e rimane impressa nel cuore sin dal primo ascolto. Brutalismo Soviet (feat. None): un pezzo che trasuda intensità, con riferimenti a scenari urbani e culture street. Immagini posate su un beat magistrale trasmettono un senso di "pesantezza" che i due rapper riescono ad esprimere alla perfezione. La narrazione di un percorso di crescita personale e professionale, tra sfide quotidiane volte ad emergere in un ambiente competitivo e ostile. Vengono utilizzati riferimenti alla cultura street, come la metafora del "bars dealer", ossia lo "spacciatore di rime", e quella di poter fare della propria passione un lavoro. La riflessione sulla propria evoluzione e sul "rinascimento" personale è un tema cruciale, così come l'affermazione di non farsi abbattere dalle difficoltà. La descrizione visiva di scenari urbani, tra cui «Drugo in trakcsuite» e «palazzoni brutalismo Soviet», contribuisce a creare un'atmosfera intensa e cruda, con un occhio strizzato verso est. Lungi dall'essere un semplice sfogo, il testo presenta una narrativa complessa che miscela egregiamente elementi autobiografici e commento sociale, citando il proprio quartiere di appartenenza oltre a titoli di videogiochi e film snuf, tipici dell'immaginario del rapper romano None. Verità: una riflessione profonda sulla verità, con un invito a liberarsi dai fardelli emotivi. L'ultimo pezzo del disco, tratta temi profondi e intensi, tra cui le emozioni represse. Il peso delle parole è un'immagine che suggerisce come le espressioni possano influenzare il nostro stato d'animo e le relazioni. La lotta tra affrontare i propri sentimenti e il timore di ciò che si può scoprire porta l’ascoltatore a riflettere sin dalle prime note. La ripetizione del concetto di verità e il conflitto tra essere e apparire sono il cuore della traccia, mentre il «macigno in gola» simboleggia il disagio interiore che accompagna l'assenza di sincerità. Il messaggio finale incoraggia ad essere sempre se stessi e ad affrontare le proprie paure, un invito a non temere l’andare incontro a ciò che prima o poi verrà inevitabilmente a galla. No Scope 360: un finale che inverte i ruoli, con Gheddi alla produzione e Beatnetti alle rime, chiudendo il disco con un’ultima provocazione. Nella Bonus Track si invertono i ruoli, con liriche volutamente forzate sotto diversi punti di vista, volte a "stuzzicare" l'ascoltatore e il rapper medio, con citazioni e frasi provocatorie. Il voler essere a tutti i costi migliori dei propri “competitor”, dal punto di vista stilistico e prettamente artistico, a quello dell’abbigliamento, elemento distintivo e rilevante nella cultura hip-hop, si fanno strada su un beat dal sound vapor, quasi psichedelico, che fa immergere l'ascoltatore in un dipinto di punchlines e frecciatine. Con "VO.TO";, Gheddi e Beatnetti portano avanti un discorso musicale e culturale che non teme di andare controcorrente, offrendo non soltanto un itinerario sonoro tra le strade di Volvera e Torino, ma gettando uno sguardo acuto e implacabile su una realtà che molti vivono, ma pochi osano raccontare. Questo progetto è un dialogo aperto con chi sa cosa significa lottare ogni giorno per affermare la propria identità in un mondo che tende ad uniformare. Ogni traccia è un frammento di vita, un pezzo di verità che invita l’ascoltatore a riflettere e a trovare la propria voce in mezzo al caos. Con questo disco, i due artisti non cercano facili consensi, ma spingono chi li ascolta a guardarsi dentro e a confrontarsi con le proprie ombre, in un percorso che, come la loro musica, non teme l’anticonformismo.

Ci sono momenti nella vita in cui il silenzio diventa l'unico rifugio, l'unica cura. "Sali su" (PaKo Music Records), il nuovo singolo di Vi Skin, è il racconto di uno di quei momenti, nato da un attacco di panico che ha lasciato nell’anima dell’artista cicatrici invisibili ma profondissime. È in quei minuti interminabili che la cantautrice ciociara designata dalla stampa come una delle più belle voci del panorama musicale italiano al femminile ha trovato la forza di trasformare la sua sofferenza in musica, dando vita ad un brano che è al tempo stesso un rifugio e un grido, un invito a comprendere senza giudicare. Reduce dall’incredibile esibizione alla festa per la seconda stella dell’Inter a Milano - dove lo scorso giugno ha emozionato migliaia di tifosi cantando "Amore Incondizionato" e "Ho scelto di vincere" -, Vi Skin ci regala un ulteriore assaggio della sua versatilità con un pezzo in cui la solitudine diventa una compagna fidata, un porto sicuro in cui risanare le ferite lasciate dalla superficialità altrui. Sin dall’apertura, «Nella solitudine trovo la mia dimensione, fonte di guarigione», diretta e incisiva, “Sali su” si configura come il ritratto in note di tutti coloro che nella vita hanno imparato a proteggersi, a ritirarsi dentro di sé per ritrovare un equilibrio perso tra le parole mal calibrate di chi non ha saputo dimostrare empatia. La canzone denuncia, con la disarmante leggerezza di chi ha imparato ad essere forte per evitare di soccombere, come giudizi mascherati da consigli, per altro non richiesti, e sguardi che comunicano più di mille parole possano influire negativamente sulle fragilità degli altri: «Non volevo la tua stupida opinione, solo un po’ di comprensione mi avrebbe pulito il cuore». Un richiamo sentito e commovente a riflettere sull’importanza del silenzio quando non si ha nulla di utile da dire, nulla che possa contribuire a confortare o a migliorare la situazione delle persone a noi vicine, e di quanto a volte sia preferibile l'assenza delle parole rispetto a quelle che possono ferire ulteriormente. Il ritornello, con l’evocativa metafora della giostra - «La mia testa è una giostra, la più pericolosa che io conosca, ti va di salire su?» -, ci trascina nel vortice emotivo di Vi Skin e di chiunque abbia mai sentito il peso della propria mente, un luogo in cui è facile perdersi se non si è pronti ad affrontare il proprio riflesso. La giostra diventa il simbolo delle paure, delle ansie, un oceano in tempesta dominato da continue oscillazioni tra alti e bassi, ove ogni giro ci spinge più a fondo nelle zone inesplorate del nostro sentire, sfidandoci a mantenere stabilità ed armonia mentre tutto intorno sembra crollare. La traccia è una chiamata a salire su quella giostra, ad entrare in un mondo di meravigliose fragilità senza sapere dove porterà, consapevoli che solo chi ha il coraggio di affrontare il proprio riflesso potrà davvero comprendere l’importanza di questo viaggio. Non solo un ingranaggio da cui si innescano movimento e caos, ma anche uno specchio dei turbamenti che si agitano sotto la superficie; “Sali su” è tutto questo, ma soprattutto un appello a comprendere e a non giudicare, a lasciare a terra preconcetti e timori. È un’avventura nella regione più pura e delicata nostra anima, un luogo in cui è facile smarrirsi, ma anche un'opportunità per ritrovarsi. «Ho scritto "Sali su" – dichiara Vi Skin - in un momento in cui l'ansia era diventata una compagna di vita indesiderata, e ho capito quanto sia devastante quando chi dovrebbe sostenerti, invece, ti ferisce con parole non pensate. Questo brano è il mio modo di dire basta a quella superficialità e di cercare un angolo di pace nella solitudine. Ho voluto trasformare quella solitudine in un messaggio di forza, perché a volte è proprio quando ci isoliamo che troviamo la nostra vera voce.» Con questa nuova release, accompagnata dal videoclip ufficiale diretto da Federica Di Pasquale che verrà presentato in anteprima nazionale su Sky TG24 nel corso delle prossime settimane, Vi Skin non ci dona solo una canzone da ascoltare, cantare e nella quale immedesimarci, ma un vero e proprio percorso di resilienza. L’artista ha scelto di affrontare le sue ansie e le sue insicurezze non fuggendo, ma trasformandole in musica. Ogni parola del testo è un passo verso la guarigione, una carezza che incoraggia a non temere la propria vulnerabilità, ma a riconoscerla come parte essenziale del processo di crescita. In questo cammino interiore, le parole diventano strumenti di riflessione, un'occasione unica per riscoprire la propria luce interiore. "Sali su" non si limita a raccontare, ma esorta tutti noi a fare un balzo in avanti, ad entrare nel mondo altrui con rispetto e attenzione, a non temere la fragilità che abita nei nostri cuori, ma a riconoscerla e accoglierla. Vi Skin ha trasformato la sua solitudine in forza, e con questo brano ci indica la via per fare lo stesso, chiedendoci di salire su quella giostra con coraggio, consapevoli che solo affrontando le nostre paure possiamo davvero guarire.

Frencys, pseudonimo di Francesco Ferrarelli, musicista, compositore e produttore romano, è pronto ad incantare pubblico e critica con il suo primo album solista, "Millennial". Questa raccolta di dieci brani promette di tenderci la mano per guidarci in un percorso emozionale alla scoperta delle diverse sfumature di esperienze e sentimenti, vissute e da vivere. Un viaggio interiore nel tempo e nello spazio, tra luci ed ombre, metafore e realtà. Un viaggio nel quale prendono vita canzoni dalle vivaci e vertiginose sonorità elettropop, unite a momenti strumentali, meditativi e d’atmosfera. L'ascoltatore può tuffarsi in questa esperienza sonora immersiva senza aver mai voglia di tornare a riva, incalzato da taglienti riff di chitarre elettriche, ammaliato da nostalgiche melodie rock, sferzato da approdi sonori inaspettati, incisivi e mai invasivi, provenienti da raffinati strumenti elettronici utilizzati con sapienza e buon gusto. Di questo lavoro d’esordio, Frencys è produttore, arrangiatore, autore e polistrumentista. La sua versatilità è evidente in ogni traccia, dove si percepisce la sua capacità di padroneggiare vari strumenti e stili musicali. L’artista capitolino non si limita infatti a creare melodie accattivanti; la sua esperienza come produttore gli consente di orchestrare ogni elemento del brano, dal più piccolo dettaglio ai complessi arrangiamenti strumentali. Questo approccio integrato dà vita ad un'opera coerente, riconoscibile e ricca di sfumature, in cui ciascun accordo, ciascun elemento, è frutto di una visione artistica completa e matura. Ospite speciale dell’album è la voce femminile di FairyOne, che aggiunge un ulteriore strato di profondità e finezza alle composizioni, cantando su “Diorama”, “When are we now?”, “Sei tu”, “Somewhere” e “Virgo” e recitando su “Anni Luce” e “Gravità Zero”. “Millennial” si apre con "Anni Luce", evocando e contemplando in musica un senso di vastità e distanza che invita a lasciarsi andare al suono e alle sue vibes. "Fenice" segue con un messaggio di rinascita e speranza, mentre "Diorama" offre uno sguardo dettagliato sui frammenti della vita, come in una vetrina illuminata. "La Nuit" impreziosisce il progetto con un alone di mistero e contemplazione, illuminando le ombre della notte con la sua atmosfera suggestiva e avvolgente. Con "Gravità Zero", Frencys solleva dalle zavorre quotidiane, creando una dimensione parallela alla nostra, dominata da leggerezza e libertà. "L'Istante" cattura momenti di pura bellezza in una culla di serenità e contemplazione, mentre "When Are We Now?" si e ci interroga sul tempo e la memoria. La dolcezza di "Sei Tu" celebra l'intimità e la connessione, mentre "Somewhere" trasporta in luoghi lontani e inesplorati, dove è ancora possibile trovare rifugio e pace. L'album si chiude con "Virgo", un brano in cui fluiscono forza e delicatezza, simboleggiando la purezza e la complessità delle emozioni. La maestria con cui Frencys intreccia elementi elettronici a sonorità più tradizionali crea un mosaico sonoro unico, capace di offrire un’esperienza che va ben oltre il semplice ascolto. Ogni traccia riflette la sua visione, in cui modernità e tradizione si fondono armoniosamente. «Ciascun brano di "Millennial" – dichiara Frencys - rappresenta un frammento della mia vita, un invito a riflettere e a connettersi con le proprie emozioni. Ho creato questo album per offrire un rifugio, un luogo dove perdersi per ritrovarsi.» L'album è stato registrato presso gli studi House of Love e Absonant di Roma, con il mixaggio curato da Stefano Bechini e il mastering affidato a Giovanni Versari presso La Maestà, mentre la copertina dell'album è opera di Philipp Aleev. Il videoclip della focus track "Anni Luce", realizzato da Giacomo e Sofia Tagliaventi, rispecchia perfettamente la dimensione futuristica del brano, trasmettendo, attraverso l’utilizzo di scenografie minimaliste, il senso di vastità e isolamento presente nel testo. Le sequenze visive sottolineano il contrasto tra la ricerca di libertà e la schiavitù a nuovi sistemi, racchiudendo la dualità di desiderio e alienazione espressa nella canzone. Ogni scena è studiata per amplificare l'impatto emotivo delle parole e della musica, creando un'esperienza visiva intensa e coinvolgente che accompagna l'ascoltatore nel suo viaggio. Frencys invita tutti a tuffarsi nell’universo di "Millennial", un debut album che promette di lasciare un segno importante nel panorama musicale contemporaneo. A seguire, tracklist e track by track del disco. “Millennial” – Tracklist: 1. Anni Luce 2. Fenice 3. Diorama 4. La Nuit 5. Gravità Zero 6. L'Istante 7. When Are We Now? 8. Sei Tu 9. Somewhere 10. Virgo “Millennial” – Il disco raccontato dall’artista: "Anni Luce" apre l'album con una riflessione sulla distanza e l'isolamento. Ho voluto raccontare il desiderio di libertà e la disconnessione che si prova quando ci si sente lontani da tutto. Le nuove forme esistenziali e le intelligenze artificiali rappresentano questa sensazione di alienazione. Con riff taglienti e melodie nostalgiche, questo brano imposta il tono per l'intero album. "Fenice" parla di rinascita e resilienza. Ogni insulto e disdegno diventano carburante per generare luce e rinnovare lo spirito. In questo brano, intenso e riflessivo, ho utilizzato sonorità elettropop vivaci per trasmettere un messaggio di speranza e resistenza contro le avversità, in modo tale da poter trasformare il dolore in forza. In "Diorama", percorro un viale sconosciuto illuminato da insegne al neon. La solitudine e la ricerca di verità sono temi centrali, mentre imparo a leggere la realtà che mi circonda. Le vibrazioni lente e le riflessioni sulla coscienza collettiva si intrecciano in un collage sonoro ricco di colori e contrasti. "La Nuit", brano strumentale, impreziosisce il progetto con un alone di mistero e contemplazione, illuminando le ombre della notte con la sua atmosfera suggestiva e avvolgente. Questa traccia esorta ad esplorare i segreti nascosti nell'oscurità, creando un paesaggio musicale che è al contempo inquietante e affascinante. "Gravità Zero" ci porta su un altro mondo, lontano dalle ombre del passato. La calma immensità dell'universo circonda l'ascoltatore, trasformando l'individuale nel collettivo. Questo brano invita a lasciarsi alle spalle le zavorre del quotidiano e ad abbracciare un nuovo slancio di vita. “L'Istante” cattura momenti di pura bellezza, cullando l'ascoltatore in un abbraccio che lo conduce in una dimensione di serenità e contemplazione. Il brano parla del cambiamento di prospettiva e della scoperta della felicità nascosta nelle piccole cose, invitando a seguire il flusso naturale della vita. "When Are We Now?" è un interrogativo esistenziale. Nel brano parlo del concetto di tempo e identità, intrecciando passato, presente e futuro. Il brano invita a credere in sé stessi e a trovare la propria verità nel caos della società moderna, con un ritornello che resta impresso nella mente. "Sei Tu" celebra l'intimità e la connessione. Nei miei sogni nasce qualcosa di nuovo, una forza senza voce né volto che racchiude un istinto familiare. La canzone narra il legame indissolubile tra due anime, esprimendo la complicità e la rinascita attraverso un dialogo interiore. “Somewhere”: composizione strumentale che immerge in luoghi lontani e inesplorati, dove le melodie creano un senso di rifugio e pace. "Somewhere" è un viaggio, un viaggio che invita a perdersi nella bellezza della musica. "Virgo" chiude il disco con una riflessione sulla realtà e l'orbita della vita. Mi muovo in uno spazio profondo, dove la paura oscura suono e luce. Il testo tocca temi di immortalità e lealtà, unendo forza e delicatezza e simboleggiando la purezza e la complessità delle emozioni. Un finale potente ed evocativo che spero lasci l'ascoltatore con una sensazione di completezza e riflessione.... Continua a leggere

Il sole cala, il cielo si tinge di sfumature dorate e arancioni, e con l'arrivo della sera si apre la porta verso un nuovo universo: la notte. Con "Decline", Alfie Gray ci invita a vivere questo momento di passaggio come un vero e proprio rituale, accompagnandoci in una transizione musicale che va oltre il semplice ascolto. I suoni diventano il riflesso di un cambiamento interiore, di una trasformazione che si compie al calare del giorno e che ci spinge ad entrare in una dimensione, in un mondo, fatto di vibrazioni e sensazioni profonde. Ben al di là di un semplice brano elettronico, “Decline” è un racconto musicale che si dipana dall'ultima luce del giorno fino al cuore della notte. Il primo accordo di pianoforte, delicato ma carico di trasporto, segna l'inizio di questa discesa, il momento in cui ci fermiamo ad osservare il tramonto, quel panorama che da una montagna diventa un’esperienza catartica, capace di strappare una lacrima, un’emozione che ci ricorda la sorpresa e la meraviglia della vita. Gli accordi successivi, sempre più intensi, seguono il percorso del sole che scende, portando con sé una melodia che si evolve e muta, preparando l’ascoltatore ad entrare in un mood ancora più intimo. «Ho scritto "Decline" guardando il tramonto – racconta l’artista -. È stato un momento di grande ispirazione: il modo in cui il sole scivola via e lascia spazio all’oscurità mi ha fatto pensare a come tutto cambi quando la luce svanisce. La prima parte del brano simboleggia proprio il tramonto, la sua discesa lenta e poetica, mentre la seconda parte rappresenta l’atmosfera notturna, più cupa e intensa, ma al tempo stesso piena di vita.» In "Decline", Alfie Gray riesce a catturare non solo il movimento naturale del sole, ma anche l'energia sotterranea che si risveglia quando l’oscurità prende il sopravvento. La seconda parte della traccia, dominata da un ritmo più serrato e suoni ancor più profondi, ci trascina in universo in cui la musica diventa il filo conduttore di esperienze misteriose, palpitanti di una sincerità che fatichiamo e lasciar fluire durante le ore diurne. Il cuore della notte, con i suoi segreti e il suo fascino, viene tradotto in un crescendo musicale che lascia l’ascoltatore senza fiato, ma al contempo desideroso di approfondire, esplorare, conoscere e vivere. Alfie Gray, già noto per la sua capacità di fondere sound articolati e complessi e atmosfere immersive, riconferma con "Decline" di essere uno dei DJ producer più versatili e originali della scena elettronica contemporanea. Con le sue release, Alfie non si limita mai a seguire una formula, ma ricerca e sperimenta costantemente nuove dimensioni sonore, offrendo al pubblico qualcosa che si spinge al di là dell’ascolto: un’esperienza musicale completa, che va oltre i confini del genere techno-melodico. "Decline" è una traccia che narra una storia di trasformazione, una metamorfosi auditiva e visiva che ci guida dal giorno alle ore più buie. Il sound, così ricco di dettagli, è il cuore pulsante di questa transizione, ma è nei momenti più oscuri che il brano rivela tutta la sua forza. Alfie Gray crea un dialogo tra luce ed ombra, tra il ritmo del tramonto e il battito profondo della notte, dimostrando ancora una volta di saper creare qualcosa di unico. Dopo aver incantato il pubblico con brani come "Tell Me Now a Story" e "Follow Me", il DJ producer bresciano torna sulle scene con una proposta che non lascia indifferenti e che segna un nuovo capitolo della sua carriera. "Decline" è un inno alla metamorfosi, al cambiamento e alla bellezza del momento in cui il giorno cede il passo alla notte.... Continua a leggere

Ha debuttato nel 2022 con un inno per ogni ascoltatore che si sente un "Reietto", dando prova della sua abilità espressiva e di un flow da fuoriclasse nell'album d'esordio "Riccardo". Successivamente, nel 2023, ha sorpreso il pubblico con la provocatoria "Ave Maria" e ha aperto il 2024 con il suggestivo e malinconico romanticismo di "1, 100, 1000" (feat. Golden Ale), seguito dalla spensierata leggerezza di "Adriatica". Ora, Erre torna con "Fuori di testa", un brano che rappresenta la sua opera più ambiziosa e complessa. La traccia nasce dall'esigenza artistica di Erre di non dover rilasciare necessariamente una hit estiva, ma di cercare qualcosa di più profondo. Da qui, la volontà di trasporre in musica un rapporto difficile che, nonostante tutto, lascia un segno indelebile facendo crescere e maturare entrambi i partner. Un amore estivo, sì, ma di quelli che ti mandano letteralmente “Fuori di testa”. Erre ha scritto il pezzo quest’estate ad Ibiza, tra gli scenari mozzafiato dell’incontaminata scogliera di Punta Galera, una delle spiagge più affascinanti d'Europa. Dopo un mojito ghiacciato, ha seguito la sua vena creativa, dando vita a quella che considera una delle sue release più intense e riflessive. «Sarà che sopra quel banco non ci potevo stare, sarà che sono troppo stanco ma mai di sognare, sarà che a scuola ti deprimi se non tra i primi»: fin dai versi di apertura, che delineano la difficoltà di adattarsi e allinearsi alle aspettative sociali che rivestono gli individui dai primi passi nel cammino della vita, Erre cattura e racchiude in liriche la sensazione di alienazione e il desiderio di evadere, temi che molti ascoltatori possono riconoscere e sentire propri. Proseguendo nel testo, l’artista descrive un amore che giunge inaspettato diventando istantaneamente travolgente e totalizzante: «poi sei arrivata tu, bella e triste come Milano d'estate, d'estate, come senza parenti a Natale, come quando sei al mare e viene il temporale». Erre utilizza immagini di immediata evocazione e al contempo contrastanti per dipingere un quadro di bellezza e malinconia, di momenti preziosi e fugaci. Milano d'estate diventa la perfetta metafora per descrivere simultaneamente solitudine e incanto struggente, un’istantanea di una città vuota, calda e desolata, carica di nostalgia. Paragonare l'amore ad un temporale improvviso che si staglia sul mare, richiama l'idea di qualcosa di magnifico e devastante allo stesso tempo, un evento che ti sorprende e ti lascia senza parole. Erre riesce a condensare in poche righe tutta la complessità e l'intensità di un incontro che sconvolge la vita, rendendolo un'esperienza unica che trova eco e rifugio tra orecchie e cuore. Il ritornello del brano delinea l'ossessione e la trasformazione che questo amore porta con sé: la reiterazione incalzante di «Mi fai andare fuori di testa», sottolinea la perdita di controllo e l'intensità delle emozioni provate. Ogni ripetizione è come un'onda che si infrange sulla riva, portando con sé un carico di sentimenti inarrestabili. In questa frase, è racchiuso egregiamente il tumulto interiore di chi ama con tutta l'anima, mettendo in luce la potenza di un amore che domina e, nel farlo, rivoluziona. Una rivoluzione che non stravolge mutando l’essenza di ciò che siamo ma ci cambia «in meglio, lasciando tutto al proprio posto», corroborandoci di una forza, di un’energia, pura e positiva. La copertina di “Fuori di testa” raffigura una rosa rossa, posata su un tavolo accanto a un telefono, con i petali che sembrano fluttuare nell'aria, rappresentando anche graficamente la fragilità e la bellezza di un amore che sconvolge e trasforma. La scelta dei colori, con il rosso intenso del fiore e i toni scuri dello sfondo, enfatizza l'intensità emotiva del brano. La cover invita l'ascoltatore a immergersi nelle emozioni raccontate da Erre, creando un collegamento visivo con le parole della canzone. «Ho scritto “Fuori di testa” durante una notte magica a Ibiza – dichiara Erre -. Ero sulla scogliera di Punta Galera, ispirato dalla bellezza del paesaggio e dalle emozioni forti che provavo in quel momento. Questo brano è un viaggio tra le emozioni, un'esperienza che spero possa toccare il cuore di tutte le persone che hanno sofferto per amore, ma grazie a questo sentimento sono diventate una versione migliore di se stesse. È il mio invito a lasciarsi andare, a vivere intensamente e ad abbracciare ogni singolo istante, anche quelli che ci mandano fuori di testa.» L’artista riesce a raccontare con sincerità e profondità le contraddizioni e le complessità di un rapporto che, pur essendo difficile, lascia un segno indelebile nella vita dei suoi protagonisti. Con "Fuori di testa", Erre non solo conferma il suo talento autorale ed interpretativo, ma dimostra anche di possedere una sempre più rara capacità nel tradurre le emozioni, specialmente quelle dolorose e complesse, in forma canzone, in musica che colpisce, commuove e guarisce. Il brano simboleggia un passo avanti significativo nella sua carriera, una testimonianza della sua maturità artistica e della sua abilità di raccontare e raccontarsi.

Martina Marchetti, la giovane promessa della musica italiana che ha incantato il pubblico dell'RDS Summer Festival nella tappa di Palmi lo scorso 20 luglio, torna nei digital store con "Illusa" (Daylite/ADA Music Italy/Warner Music Italy), il suo nuovo singolo presentato in anteprima nazionale proprio sul palco calabrese davanti a migliaia di spettatori. Nota per le sue interpretazioni toccanti sia in lingua italiana che inglese, Martina conferma il suo talento con un brano che è un vero e proprio itinerario emotivo tra il bianco e nero dell’amore e della disillusione. Un’odissea di battiti e note che sviscera con intensità le dinamiche di una storia d’amore giovane e complicata, in cui la protagonista vive le contraddizioni di una relazione ingannevole, tra speranze infrante e delusioni che lasciano cicatrici indelebili. “Illusa” nasce da un periodo di introspezione che ha condotto l’artista a dar vita alla narrazione di una storia universalmente condivisibile attraverso la lente della sua esperienza personale. La ricerca della verità dietro l’illusione di un amore che ferisce ma incanta è un tema che tocca molti, e la giovane cantautrice bergamasca è riuscita a catturare queste emozioni con una sensibilità unica. «Il brano è nato da un periodo di riflessione profonda sulla mia vita e sulle relazioni – dichiara Martina -. È molto personale, parla di momenti difficili e di come trovare la forza per superarli. Spero che chi lo ascolta possa sentirsi compreso e meno solo.» «É notte qui è buio, sola troppe volte per andare via. Lui mi scrive “esci, non essere chiusa”, rivelami la lampada senza paura». Sin dai versi iniziali il pezzo parla al cuore, dipingendo con delicatezza una scena di solitudine e vulnerabilità, in cui la protagonista cerca disperatamente una via d’uscita dalla sua situazione di impasse. La melodia avvolgente, perfetta culla di un testo elegante e malinconico, riesce a trasmettere un senso di isolamento e di speranza, di forza e fragilità, che sono caratteristiche del percorso artistico di Martina. «Pensi che sia facile mostrarmi come sono, rendi tutto facile. Non mi perdono, ci credi, dopo essermi mostrata la fiducia se n’è andata, l’hai distrutta senza cura, ora credimi hai paura»: in queste liriche, la cantautrice mette a nudo la fragilità e il conflitto interno di chi cerca di essere autentico in una relazione, solo per vedere la propria fiducia tradita. Martina riesce ad esprimere con parole semplici ma incisive l’essenza del dolore e della disillusione che accompagnano un amore complicato. Ma in “Illusa” c’è ampio spazio per un’introspezione che culmina nell’attestazione di indipendenza e autovalorizzazione: «Ma guardati ora, mi parli, sì, mi guardi, non credi sia un po’ tardi? Sto bene anche da sola, piango, urlo, ballo, non sai quanto valgo». Questa strofa riflette la forza ritrovata della protagonista, che afferma la sua indipendenza e il suo valore nonostante le difficoltà affrontate. È un grido di liberazione e riconoscimento di se stessi come individui autorevoli che empatizza con tutti coloro che, nella vita, hanno avuto a che fare con un amore idealizzato e ingannevole. L’esperienza all’RDS Summer Festival ha segnato un momento cruciale nella carriera di Martina. Il festival, noto per essere un’importantissima vetrina di talenti emergenti e affermati, ha fornito alla Marchetti una piattaforma straordinaria per presentare il suo nuovo lavoro. La reazione del pubblico è stata sorprendente, con applausi e ovazioni che hanno sottolineato il successo della sua esibizione. «Essere parte dell’RDS Summer Festival è stato un sogno che si realizza – conclude l’artista -. Cantare “Illusa” davanti a così tante persone e vedere il brano prendere vita tra il pubblico è stato davvero emozionante. È incredibile condividere la propria musica con una platea così vasta e sentire la loro energia e il loro supporto.» La giovane cantautrice bergamasca ha saputo conquistare il pubblico con la sua voce autentica e le sue emozionanti interpretazioni. "Illusa" si rivela un brano capace di catturare le dinamiche e le sfumature più intime delle relazioni amorose, rendendo più nitide e tangibili le emozioni di chi ascolta. Martina Marchetti invita tutti noi ad immergerci in questa esperienza sonora che conferma il suo talento e la sua capacità di trasformare la sua introspezione in musica, musica destinata a lasciare un segno permanente nel panorama musicale italiano.... Continua a leggere

Nell'incantevole scenario di una Roma notturna e desolata, i Rivera tornano ad emozionare con il loro nuovo singolo, "Non è finita" (Newphonix/Universal Music Italia). Michele Marinelli e Claudio Cecalupo, le anime dietro il progetto musicale nato tra i banchi di un liceo di Frascati, regalano al pubblico un pezzo che è un vero e proprio viaggio onirico attraverso le strade della loro città natale, in un racconto di libertà e leggerezza. "Non è finita", prodotta dal tocco impeccabile di Renato Patriarca e Alessandro Fava, nasce in un periodo in cui il duo sentiva il bisogno di alleggerire il peso della quotidianità e di espandere gli orizzonti mentali, spesso troppo stretti. In una notte d'estate come tante, nel cuore di una capitale che è più di una semplice città, ma un vero e proprio luogo dell'anima, i Rivera trovano la forza di lasciarsi andare. I pensieri vagano, sognano di liberarsi dei pesi che, spesso inconsapevolmente, ci chiudono in spazi angusti, impedendoci di respirare la vita a pieni polmoni. Il viaggio notturno in macchina, con il vento tra i capelli e la Città Eterna sullo sfondo, desolata ma stupenda e romantica, culmina nel sogno di raggiungere il mare per assaporare l'alba. Una metafora toccante e suggestiva, che si snoda tra le note e le parole del brano. «"Non è finita" – dichiarano i Rivera - è il nostro modo di dire che c'è sempre una via d'uscita, che la bellezza si trova nei momenti più inaspettati. Abbiamo scritto questo pezzo con la speranza di trasmettere una sensazione di libertà e di rinascita, che sentiamo ogni volta che ci lasciamo andare e ci perdiamo tra le strade di Roma. Avevamo necessità di voltare pagina dalla frenesia quotidiana, senza preoccuparcene troppo. Una notte d’estate come tante, nel cuore della città che da sempre è un luogo dell’anima e a cui siamo indissolubilmente legati; l’unico posto dove avremmo potuto veramente sentirci liberi.» Il testo di "Non è finita" è intriso di immagini evocative e sentimenti profondi. Le parole di Michele e Claudio dipingono un quadro vivido di una notte trascorsa in macchina, mentre l’incanto della città scorre accanto a loro: «Soffia via la polvere dalla mia vecchia faccia Ho bisogno delle tue carezze in questa giornataccia Parlami di tutto il bello che che c’è in questa vita Fammi uscire, dimmi che la notte non è finita» Questi versi iniziali racchiudono un senso di stanchezza e bisogno di conforto, un desiderio di scoprire il bello che la vita ha da offrire, nonostante le difficoltà quotidiane. La metafora della polvere che viene soffiata via suggerisce un rinnovamento, un lasciarsi alle spalle il passato per abbracciare nuove possibilità. «Roma è più di una cornice per noi – prosegue il duo, concludendo -, è una protagonista delle nostre canzoni e del nostro vissuto. In "Non è finita" volevamo catturare l'essenza di quelle notti estive, quando la Capitale si svuota e sembra nostra ed ogni angolo racconta una storia.» "Non è finita" è un'esperienza sonora che invita l'ascoltatore a lasciarsi andare, a sognare, e a trovare la propria strada verso la libertà e la felicità. Con una melodia che avvolge il cuore ed un testo che tocca e culla le corde più intime dell’anima, i Rivera dimostrano ancora una volta la loro capacità di raccontare storie in maniera unica e suggestiva.

«Cresciuto lontano da casa, disperso tra gente non mia. Voglio l'amore non cerco il rispetto. Ho una storia però la rinnego». Con queste parole inizia "Lettera di un Afroitaliano", il nuovo singolo di Gilles Yahfa. Un'opera che mette a nudo l'anima dell'artista, raccontando l'esperienza degli afrodiscendenti in Italia. Attraverso liriche crude e incisive posate su un beat cupo dal forte impatto emotivo, Yahfa ci invita a riflettere sulla ricerca di identità, sull'amore per se stessi e sulla necessità di riscoprire le proprie radici. “Lettera di un Afroitaliano” è un grido di denuncia e risveglio di coscienza, in cui il suo autore comunica con fermezza la condizione della comunità afrodiscendente in Italia. Il rapper bergamasco, noto ai più per aver partecipato alla dodicesima edizione di X Factor Italia, cerca di sensibilizzare e scuotere anime e menti, incoraggiando gli ascoltatori, specialmente gli afroitaliani, a sapersi amare, rispettare e valorizzare, senza sentire il bisogno di venire considerati italiani al pari degli italiani stessi, poiché questa accettazione non arriverà mai in modo autentico e pieno. Yahfa sottolinea la necessità di cercare il rispetto degli italiani, ma senza rinunciare alla propria cultura. Come gli italiani sono fieri della loro identità, anche gli africani dovrebbero esserlo della propria, senza cercare di essere altro, altro da se stessi. Un invito autentico e toccante a riconnettersi con le proprie radici: nel pezzo emerge chiaramente l'immagine di africani nati in Italia, totalmente disconnessi dalla loro storia, che si sforzano costantemente di essere identificati come italiani. «Pretendo l'amore di chi mi odia senza manco amare me stesso» è uno dei passaggi più toccanti del testo, che evidenzia quanto gli afrodiscendenti non siano solidali tra di loro, ma pretendano la solidarietà dell'Italia. Una critica diretta e senza mezzi termini, in cui viene messa in luce l'ipocrisia di chi è pronto a solidarizzare con cause lontane, trascurando il dramma della propria terra. «Se riguarda gli altri sono solidale, non parlo del Congo ma della Palestina»: qui, Yahfa, accusa con coraggio e senza filtri la sua stessa gente per il mancato sostegno alla Repubblica Democratica del Congo, che subisce un genocidio con più di 6 milioni di morti e milioni di sfollati. Gli afroitaliani, secondo l’artista, sono impegnati unicamente a parlare del genocidio in Palestina, senza domandarsi: quanti arabi hanno mai parlato del Congo? La verità è che non esistono guerre di serie A e di serie B. È impensabile pensare di essere solidali verso gli altri quando il proprio popolo, come in Congo, Sudan, e nella schiavitù dei neri ancora attuale in Libia, Mauritania e Tunisia, continua a soffrire ogni giorno senza trovare voce ed eco nelle parole e nel cuore della propria gente. Altro punto importante sollevato nella traccia riguarda gli africani che si vergognano della loro pelle, comprando prodotti per schiarirsi, ignorando che tali preparati sono cancerogeni. «Le mie sorelle scambiate per prostitute, senza parrucche non sanno uscire» recita uno dei versi più suggestivi del brano, parlando delle donne africane che fanno di tutto per nascondere i loro veri capelli, indossando unicamente parrucche per sentirsi accettate. La mancanza di accettazione, secondo Yahfa, è il motivo principale che spinge gli africani ad odiare se stessi e fare di tutto per somigliare ai bianchi. Questo è un trauma della schiavitù, ma Gilles ci invita a riflettere: «Come può il bianco rispettarti se tu per primo ti vergogni di ciò che sei? Bisogna essere onesti: nessuno porta rispetto a chi non si rispetta né si valorizza». L'importanza della diversità è il fulcro del pezzo: la diversità esiste ed è una ricchezza. «Diciamo sempre che il mondo è bello perché vario – prosegue l’artista -. Gli Afroitaliani non saranno mai italiani. Ogni popolo ha la sua storia e le sue caratteristiche, le sue tradizioni, usi e costumi. Ma l'africano in Italia non conosce nulla di tutto ciò perché troppo impegnato a farsi accettare dagli altri e voler essere ciò che non sarà mai: un italiano. E finché esisterà questo complesso di inferiorità, il rispetto non ci sarà mai.» “Lettera di un Afroitaliano” è anche un toccante omaggio alle vittime di razzismo. Gilles Yahfa, nelle sue barre, ricorda africani caduti a causa dell’ignoranza e della discriminazione come Mohamed Sow, Alika Ogochukwu, Abdul William Guiebre "Abba", uomini e donne che hanno perso la vita per mano della stessa gente a cui molti africani vogliono per forza somigliare in tutto e per tutto. Insensibili alle guerre del proprio continente, secondo Yahfa gli Afroitaliani non ne parlano mai. E tutto questo, per essere più italiani possibili, per un pezzo di carta: la cittadinanza italiana. La copertina del singolo è un'opera d'arte a sé stante. Il rapper è ritratto con uno sguardo intenso, marcato da simboli che richiamano l'antica tradizione africana. Il volto dipinto, i dettagli dei gioielli e del vestito, tutto parla di una cultura ricca e profonda, che l'artista vuole portare alla luce. Seduto con dignità e orgoglio, Yahfa rappresenta un richiamo visivo alla necessità di riscoprire e abbracciare le proprie radici. «L'idea di “Lettera di un Afroitaliano” – afferma, in conclusione - è nata dall'osservazione delle difficoltà quotidiane che molti di noi afrodiscendenti affrontano. Volevo creare qualcosa che parlasse direttamente alla nostra comunità, per risvegliare la consapevolezza e l'orgoglio delle nostre radici. Dobbiamo imparare ad amarci e rispettarci per primi, solo così potremo ottenere il rispetto che meritiamo dagli altri.» Con "Lettera di un Afroitaliano", Gilles Yahfa non solo racconta la sua esperienza, ma dà voce a un'intera comunità che lotta per trovare il proprio posto in un mondo che spesso la etichetta come estranea. Una canzone che invita alla riflessione, alla consapevolezza e all'azione, per costruire un futuro in cui ogni identità culturale sia rispettata e valorizzata.... Continua a leggere

Ha accarezzato l’anima e cullato i battiti del cuore con il singolo d'esordio "Firenze-Roma", ed ora, il cantautore toscano michiamanojack torna sui digital store con "Domenica", brano con cui intreccia autoironia e melodie scanzonate per raccontare le sensazioni agrodolci che caratterizzano questo particolare giorno della settimana, da sempre simbolo di conclusioni e nuovi inizi. Posato su una produzione impeccabile curata dalla maestria creativa del tastierista degli Zen Circus, Fabrizio “THE GEØMETRA” Pagni, "Domenica" si presenta come un pezzo autobiografico che riflette sulle ansie e le paure che spesso accompagnano le 24 ore più contemplative della settimana. Una raccolta di fotogrammi che immortalano le emozioni vissute da michiamanojack in varie domeniche, tutte tessute tra loro da un filo sottile di ansia. Narrando la lotta interna tra il desiderio di uscire e la paura di sprecare la giornata rimanendo a casa, questa traccia sfiora con delicatezza ed eleganza anche la F.O.M.O (“Fear Of Missing Out”, letteralmente “Paura di essere tagliati fuori”), ovvero la forma di ansia sociale caratterizzata dalla paura di essere esclusi da eventi, esperienze, o contesti collettivi gratificanti, in poche parole, il timore di perdere esperienze significative. «Il brano – dichiara michiamanojack - è nato per caso in un pomeriggio di domenica, proprio durante uno di quei momenti di ansia e indecisione tra uscire e restare a casa. Ho cercato di esorcizzare questo disagio chiudendolo in una canzone allegra e affrontandolo con leggerezza.» Il testo di "Domenica" è un affresco di momenti quotidiani e sentimenti contrastanti. La canzone si apre con un'immagine forte e simbolica: «Mi son lavato la faccia con il malumore, anche il sapone aveva il tuo sapore». Un verso che racchiude la percezione di iniziare la giornata con un peso sul cuore, un sentimento che molti possono riconoscere nelle loro domeniche solitarie. L'artista dipinge un quadro di alienazione e desiderio di controllo, esprimendo un conflitto interiore che, nel corso del testo, si fa strada tra la dualità: «Ma infondo questa domenica mi mette ansia. È ansia di uscire? O paura di restare?». Qui, michiamanojack coglie perfettamente il concetto di F.O.M.O. e l’ambivalenza provata da chi la vive. Ma “Domenica” porta con sé anche un messaggio di speranza e leggerezza - «Ma infondo mi diverto sempre quanto basta, come il sale per cucinare, come il sale nel mare» -, ricordandoci che a volte basta poco, un pizzico di autoironia e spensieratezza, per ritrovare la serenità nell’oceano delle proprie incertezze. La metafora del sale, usato nella giusta quantità per insaporire i piatti, rappresenta il modo in cui l'artista cerca di trovare un equilibrio tra ansia e divertimento. Questa traccia dal sapore grintoso e al contempo introspettivo, è un invito a guardare la vita con il sorriso, a non sprofondare nelle piccole ansie quotidiane che accomunano tutti noi. «Con "Domenica" volevo raccontare una sensazione comune a molti di noi  -. L'idea era di prendere qualcosa di pesante come l'ansia della domenica e trasformarlo in una canzone leggera, quasi terapeutica. Più che raccontare una storia, volevo condividere una sensazione, perché penso che molte delle nostre emozioni e disagi siano universali.» La produzione musicale enfatizza la dualità del testo, combinando elementi di leggerezza e profondità. La struttura-canzone, semplice ma incisiva, permette all'ascoltatore di immedesimarsi facilmente nelle emozioni descritte, rendendo il brano un'esperienza condivisa. Ascoltare "Domenica" è come guardarsi allo specchio, riconoscendo le proprie ansie e trovando conforto nella musica. Con la sua leggerezza e la sua ironia, questo brano ci ricorda che non siamo soli nelle nostre paure e che la musica può essere uno strumento efficace e potente per esorcizzarle. michiamanojack ci regala così un altro pezzo del suo mondo, esortandoci a vivere le nostre domeniche con un sorriso e un pizzico di ironia.

Dopo aver incantato il pubblico catturando orecchie e cuore con il suo groove da fuoriclasse nel singolo d'esordio "Pensieri d'Inchiostro" – brano che lo ha condotto alla finale del Fatti Sentire Festival su Rai2 -, il giovane cantautore filippino d’adozione bolognese Settimo7th punta ancora una volta dritto all'anima con "Ricordi di te", un pezzo che riconferma il suo talento, la sua originalità e la sua straordinaria capacità espressiva, rendendolo una delle voci più belle e riconoscibili della nuova scena musicale italiana. Nato quasi per caso, nella stanza dell’artista, durante un momento di riflessione personale, “Ricordi di te” è una polaroid dell'incertezza e del sentimento non ancora del tutto spento nei confronti della persona amata. Settimo7th desidera trasmettere un importante messaggio con questo brano: «Volevo ricordare a me stesso e a chi mi ascolta l'importanza di non prendere alla leggera le relazioni significative. Le occasioni perdute possono trasformarsi in ricordi dolorosi e nostalgici. La musica è il mio modo di esprimere questi sentimenti complessi, e credo che il brano riesca a comunicare ciò che le parole spesso non possono.» L'artista e il co-autore di musica e testo, Leo Sartoni, hanno posto minuziosa attenzione ai dettagli, convinti che la musica possa esprimere sentimenti che le parole non riescono a trasmettere. Andando oltre gli schemi e le dinamiche del pop attuale, hanno deciso di introdurre elementi che richiamano l'R&B degli anni '00. Questa scelta stilistica, non solo rende il brano unico, ma mette in luce la versatilità e la profondità artistica di Settimo7th, che riesce a distinguersi e farsi apprezzare offrendo qualcosa di diverso rispetto al mainstream, pur rimanendo accessibile ed estremamente coinvolgente per il pubblico di ogni età. La collaborazione tra Settimo7th e Leo Sartoni, iniziata nel 2020, si è rivelata profondamente arricchente per entrambi, provenienti da realtà musicali differenti. La produzione di "Ricordi di te" è stata particolarmente stimolante, poiché gli ha permesso di esprimere liberamente la loro personalità e le loro competenze. Questo brano rappresenta un perfetto equilibrio tra la sensibilità emotiva di Settimo7th e l'abilità tecnica di Sartoni, creando una traccia che è tanto emotivamente coinvolgente quanto musicalmente sofisticata. Il testo di "Ricordi di te", intriso di emozioni e nostalgia, è come benzina versata su sentimenti ancora accesi che si irradiano dal cuore alla mente e dalla mente prendono vita su un nero su bianco che scalda l’anima. Il “Mi ritorni in mente” ripetuto per tutto l’arco del brano quasi come un mantra, riflette la presenza costante di una persona amata che non si riesce a dimenticare, sottolineando l'insistenza di pensieri che continuano a riaffiorare, creando un loop cerebrale e sensoriale difficile da spezzare. L'immagine suggestiva di "cadere dalle nuvole" evocata nel passaggio «Cado dalle nuvole quando penso a lei», suggerisce uno stato di confusione e disorientamento, evidenziando come i ricordi possano destabilizzare e riportare a galla sentimenti nascosti, immobilizzandoci su un giaciglio interiore di rimorsi e rimpianti. Questo stato di alienazione è ulteriormente amplificato nei versi «Ti scrivo poi ti aspetto, disteso qua sul letto, ti penserò», che sottolineano la speranza e l'attesa, il desiderio di riconnettersi con la persona amata, anche solo nei pensieri e nei sogni. L'atto di scrivere e aspettare simboleggia la volontà di mantenere un legame, per quanto tenue, con chi ha avuto un impatto significativo sulla propria vita. La struttura del testo, semplice ma incisiva, permette all'ascoltatore di immedesimarsi facilmente nelle emozioni descritte, rendendo il brano qualcosa che va oltre la canzone per diventare un'esperienza condivisa. La copertina del singolo, è un'opera d'arte visiva che racchiude l’essenza stessa del brano, rappresentando un cielo onirico su cui si stagliano nuvole dense fuse ad un'atmosfera eterea, dominata da un sole abbagliante al tramonto. Questo scenario, richiama al contempo nostalgia per ciò che termina e speranza per ciò che inizierà, riflettendo il tema centrale del pezzo: il ritorno costante dei ricordi e la ricerca di un senso di chiarezza interiore. Le nuvole, con la loro densità e le linee morbide, simboleggiano i pensieri e i ricordi che affollano la mente dell'artista e la loro transizione raffigura il viaggio dall'incertezza verso la chiarezza. Il sole, con i suoi colori caldi e avvolgenti, si fa emblema della luce verso un nuovo inizio, assumendo una posizione lontana ma centrale che rispecchia il tempo che passa, ma anche la necessità di tornare a se stessi per aprirsi a nuove opportunità. Il tutto, reso con toni aranciati e blu che creano un contrasto visivo capace di generare emozioni in antitesi: il calore dei ricordi passati e la freddezza dell'assenza presente. Questo dualismo cromatico riflette perfettamente la dicotomia dei sentimenti espressi nel brano, dove l'amore passato e la nostalgia si mescolano con la speranza di un futuro diverso. "Ricordi di te", con foto e grafiche curate da Adel Malaguti, rappresenta un ulteriore passo avanti nella carriera di Settimo7th, dimostrando la sua abilità nel tradurre in musica le emozioni con un tocco unico e inconfondibile. La sua collaborazione con Leonardo Sartoni ha dato vita a un brano che parla direttamente al cuore degli ascoltatori, confermandolo come una delle voci più autentiche e promettenti del panorama musicale italiano, in grado di distinguersi con originalità e talento.... Continua a leggere

Dopo il successo di "Il mondo collassa", Pare, al secolo Michele Pasquali, torna con un nuovo singolo carico di emozioni e introspezione: "Giorni di Pare". Questo pezzo, un conscious rap dai tratti nostalgici avvolto da un dark beat ipnotico, rappresenta un tuffo nelle inquietudini dell’artista, un racconto crudo e sincero delle sue giornate trascorse a combattere con le proprie ansie ed i propri demoni. Nato da un’esperienza diretta del giovane rapper lucchese, il brano – il cui titolo ha una duplice accezione, riflettendo sia le paranoie dell’artista che il suo pseudonimo -,  è un vero e proprio fraseggio interno con le paranoie, un dialogo aperto con quei pensieri che martellano la mente e da cui ci si vuole liberare. Il testo, ricco di incastri evocativi, mette in evidenza la solitudine e la ricerca di una via di fuga attraverso la musica: «Ricordo i giorni da solo, avevo bisogno di un fuoco che mi scaldasse le tempie; sopra un foglio il mio unico sfogo». Questi versi iniziali, ci trasportano immediatamente nel mondo di Pare, un luogo in cui l’isolamento e il bisogno di esprimersi diventano urgenza, una necessità di evasione palpabile e incalzante. La musica diventa l'unica via di salvezza, un modo per scaldare l'anima e trovare un rifugio dalle proprie paure, dalle proprie incertezze e da un mondo che spesso ci relega «in un angolo buio, sempre distante». Nel silenzio assordante di questa battaglia interiore che strappa voce, parole ed energie, “Giorni di Pare” diventa il grido di chi è prigioniero di se stesso, un grido che si trasforma in resistenza e determinazione: «Sentivo le voci dentro di me cantare, tu sminuivi il problema, io mi sentivo affondare. Farò musica per farle parlare». In questo verso, personale e toccante, Pare esprime la difficoltà di vivere con le paranoie, la frustrazione di sentirsi incompreso e la risolutezza di utilizzare l’arte come strumento per dare forma alle proprie inquietudini, per rendere udibili le urla nascoste tra le ferite dell’anima. È una dichiarazione di intenti che mostra la volontà di trasformare il dolore in rinascita, liberandosi dalle proprie catene. Nel suo stile inconfondibile, Pare non manca di lanciare uno sguardo critico alla società, sottolineando le sue contraddizioni e falsità: «Siamo in una stanza senza luce, per l'Italia è ancora il Duce che ti illude di essere qualcuno, ma davanti a Caronte prenderai solo schiaffi e tu non sei nessuno». Liriche che racchiudono un duro attacco alle illusioni e alla superficialità che pervadono la nostra epoca. Un invito in musica a guardare oltre le apparenze e a cercare una verità più profonda, nonostante le difficoltà che questo comporta. «”Giorni di Pare” – dichiara l’artista - è nato sentendo i cori del beat, che ho voluto usare proprio come se fossero le varie paranoie che cantavano dentro di me.» Questo approccio gli ha permesso di creare un pezzo capace di parlare non solo della sua esperienza, ma di diventare una catarsi per tutti coloro che lo ascoltano. I cori in sottofondo si fanno emblema di un Io distorto che ciascuno di noi può conoscere nei momenti di difficoltà, rappresentando un'evocazione poetica di un conflitto che si può vincere solo con il coraggio di guardarsi dentro, senza filtri e senza giudizio. "Giorni di Pare" è un invito a confrontarsi con le proprie paure, a trovare la propria voce in mezzo a tante e a non arrendersi mai. È un richiamo a non lasciarsi sopraffare dalle avversità, convertendole in opportunità per crescere e riscoprire se stessi. Pare ci guida in questo cammino di scoperta, ricordandoci che solo affrontando le nostre ombre possiamo trovare veramente la luce.

Il fenomeno internazionale Manuel Aspidi torna con un nuovo elettrizzante singolo, "Wildfire", rilasciato per la celebre etichetta discografica statunitense Bentley Records. Questa traccia, intensa, toccante e suggestiva, segna un significativo allontanamento dai precedenti brani melodici di Aspidi, introducendo un cambiamento artistico che promette di incantare ed entusiasmare il suo pubblico offrendo un’ulteriore e magistrale prova del suo eclettismo. Scritto dalla fulgida penna del dublinese Aidan O'Connor, uno dei più apprezzati autori del Vecchio Continente grazie alle sue molteplici collaborazioni per l’Eurovision Song Contest, e portato in vita attraverso la composizione dinamica di Miro Markus e Imad Eljattari, “Wildifre” ha rappresentato per Manuel un incontro unico, come lui stesso racconta: «Il primo approccio con la canzone è stato un momento di grande fascino e intensità. Ho accettato la sfida, uscendo dalla mia zona di comfort per offrire una performance ricca di carattere, determinazione e nuove sfumature artistiche.» Lavorando a stretto contatto con lo staff della celebre Bentley Records, Aspidi si è avventurato in territori musicali inesplorati. «Fino ad oggi le mie performance erano sicuramente più intime e melodiche – prosegue -. “Wildfire” mi ha permesso di attingere ad un livello di energia e vivacità che fino ad oggi non avevo mai tirato fuori, guidato dall'esperienza di grandi autori e compositori. Questa collaborazione è stata un'esperienza trasformativa che mi ha permesso di conoscere ed esprimere gli aspetti più potenti della mia identità musicale.» "Wildfire" incarna un importante messaggio di resilienza e positività. Manuel Aspidi tende la mano agli ascoltatori per far sì che percepiscano la canzone come una chiamata ad affrontare le sfide della vita con il sorriso e una forza incrollabile. Il testo e il ritmo incoraggiano collettivamente una risposta attiva e briosa alle avversità. Il titolo stesso del singolo, “Wildfire", traducibile come "incendio incontrollato" o "fuoco selvaggio”, viene comunemente utilizzato per descrivere un incendio che si diffonde rapidamente in un'area vasta, spesso in ambienti naturali come foreste o praterie. In senso figurato, può anche riferirsi a qualcosa che si diffonde rapidamente e intensamente, come un'emozione o un fenomeno. Nel contesto della canzone, "Wildfire" simboleggia un'energia travolgente e una forza inarrestabile, atte ad affrontare con coraggio le complessità quotidiane. «Possiamo scegliere di farci abbattere oppure possiamo affrontare le cose con uno spirito più combattivo», conclude Aspidi, mentre sta già lavorando al nuovo album di prossima uscita. «Trust your intuition, break the chain, 'Cause when everyone is falling, we remain» («Fidati della tua intuizione, spezza le catene, perché quando tutti stanno cadendo, noi rimaniamo in piedi») canta Manuel, riflettendo perfettamente in musica il messaggio di "Wildfire": rimanere forti e determinati di fronte alle difficoltà. "Wildfire" sta battendo un record dietro l’altro: dopo aver debuttato nella top ten delle iTunes Canada Charts ed essere stato inserito nell’illustre Celebrity Compilation, da pochi giorni è in rotazione radiofonica in ben 54 Paesi tra Europa, Cina e America, ed il videoclip ufficiale d’accompagnamento al singolo è trasmesso su Apple TV, Amazon, Fire TV, TV Zik e Roku. Una bella soddisfazione per questo fuoriclasse dell’espressione artistica, che dopo la grande celebrità guadagnata qualche anno fa con la sua indimenticabile partecipazione ad Amici di Maria De Filippi, ha sempre mantenuto un profilo elevato, preferendo la qualità alla quantità, operando con attenzione, con l’arte del saper aspettare per cogliere la giusta occasione, ascoltando il cuore e fidandosi di un estro che lo rende un personaggio davvero unico. Ma non solo musica: l’amatissimo cantante livornese, oltre al successo oltreoceano per le sue release, debutterà infatti nei prossimi mesi anche come attore. La nota casa di produzione Settembre Produzioni, che ha diretto il videoclip di “Wildifire”, desidera portare avanti il meraviglioso sodalizio artistico e professionale che ha instaurato con Aspidi. All'orizzonte, due progetti di prossima realizzazione; nello specifico, un lungometraggio con nomi di rilievo del panorama cinematografico televisivo che vedrà Manuel coinvolto in qualità di attore protagonista - un film musical di grande respiro, in cui Aspidi, oltre ad essere uno degli attori protagonisti, avrà modo di esprimersi anche a livello musicale -, ed un film che verrà girato nei prossimi mesi nel nord Italia, tra l'Alto Adige e il Trentino. Carla Finelli, CEO & founder della Settembre Produzioni, ha dichiarato: «Manuel è un interprete con un talento distintivo, una voce unica e potente. È un artista poliedrico con competenze trasversali nell'ambito dello spettacolo, oltre che una persona autentica, che sa vivere fino in fondo, che sa esprimere se stesso attraverso la musica, che sa emozionare con la voce. Con lui è nata una sincera e profonda amicizia, condividiamo molte passioni e valori e i valori sono fondamentali in questo panorama, perché ci permettono di confrontarci e di rimanere saldi a terra. Questi due progetti cinematografici, insieme al videoclip, sono solo l’inizio di una lunga serie di collaborazioni.» Una trasversalità, quella di Manuel Aspidi, che lo rende a tutti gli effetti una delle personalità artistiche più complete e preparate. "Wildfire" è una testimonianza di questa versatilità, una rappresentazione auditiva e visiva di una crescita personale e professionale in continua evoluzione. Insieme alla Bentley Records, Aspidi è destinato a raggiungere nuovi traguardi, diffondendo messaggi di gioia, tenacia e resilienza attraverso la sua potenza e raffinatezza vocale ed espressiva. I fan vecchi e nuovi sono incoraggiati ad abbracciare questo brano di svolta, trovando ispirazione per cambiare, per ballare sul dancefloor delle sfide e vivere la vita al massimo.

Dopo aver dato prova della sua versatilità nel debut album “Contromano”, che l’ha vista muoversi con delicatezza, eleganza e carisma tra introspezione, grinta e differenti sonorità che spaziano dal pop al latin fino ad abbracciare l’elettronica, la cantautrice e vocal coach veronese d’adozione mantovana Elena Camo torna ad incantare il pubblico con il suo nuovo singolo, "Colombia" (CamofanRecords). “Colombia” è l’emblema in musica dell’evasione, delle serate sfrenate e del rinnovamento personale; un invito travolgente a lasciarsi trasportare dalle onde sonore di un viaggio verso la Colombia. Con una carriera consolidata e una voce unica che arriva dritta al cuore, Elena ci regala la colonna perfetta per un’estate dall’insegna della libertà e della scoperta di sé. Il brano nasce dalla volontà di mettere in pausa la frenesia quotidiana, dalla voglia di mare e delle serate in discoteca animate dal desiderio di conquistare il mondo e fare nuove conoscenze. Super radiofonica ed estremamente ballabile, questa traccia insegna come, anche dopo una rottura, sia possibile – e necessario – ritrovare se stessi, partendo per un viaggio metaforico o figurato. L’artista canta l'importanza di rinnovarsi e di evolversi, trovando la parte migliore di sé nonostante il cambiamento possa a volte spaventare. Un’esortazione a spalancare le braccia al cambiamento per aprire le ali verso nuovi orizzonti, con la curiosità accesa negli occhi e nel cuore nei confronti di ciò che ci circonda. Famelici di vita, pronti ad esplorare nuovi territori, sia fisici che emotivi. Una trasposizione in musica dell'energia inesauribile che scaturisce dal coraggio di vivere appieno ogni momento, di abbracciare il nuovo con entusiasmo e fiducia. La Colombia diventa così non solo una destinazione geografica, ma anche un simbolo di rinascita e scoperta. Elena ci sprona a lasciarci trasportare dai ritmi incalzanti della musica, a sentirci vivi e vibranti, a cercare sempre qualcosa di più, qualcosa che ci faccia sentire completi e in armonia con il mondo. La canzone è un tributo alla vitalità, alla capacità di adattarsi e di crescere, anche quando le circostanze sembrano lasciarci all’impasse. È un promemoria del fatto che siamo tutti in grado di trasformarci e di trovare nuove strade, di rinascere dalle ceneri del passato e di volare verso nuovi itinerari con il cuore leggero e la mente aperta. Prodotto dalla stessa Elena Camo a quattro mani con Graziano Fanelli, "Colombia" è un biglietto di sola andata verso un luogo in cui il mare caraibico si mescola con l'oceano Atlantico, dove la flora e la fauna della foresta amazzonica convivono con la regione del caffè, la musica e i balli tipici. Un mix di elementi che rendono il pezzo un'esperienza, un’esperienza unica e ringenerante. «"Colombia" – dichiara l’artista - è il mio modo di celebrare la vita e il cambiamento. Volevo creare, insieme a Graziano Fanelli, qualcosa che fosse non solo una canzone, ma un vero e proprio viaggio emotivo. La Colombia rappresenta per me un luogo di libertà e di rinascita, un posto dove si può ritrovare se stessi e scoprire nuove possibilità.» Il testo del brano, evocativo e intriso di una forza liberatoria che si percepisce fin dalle prime battute, narra il desiderio di evadere, di lasciare alle spalle il passato e le sue difficoltà. Un invito a partire, a cercare nuovi orizzonti per ritrovare la propria serenità, che nelle liriche audaci e decise «Ora che non ci sei mi sento più sexy, sexy, se mi hai lasciata meglio così», evidenzia la ritrovata autostima e il piacere di essere liberi, liberi di sentirsi sensuali e sicuri di sé anche dopo una rottura. Un messaggio importante di empowerment e autodeterminazione che rende “Colombia” un pezzo leggero ma al tempo stesso ricco di significato. Il videoclip ufficiale che accompagna il singolo, girato tra le spiagge e le vie di Medellín, cattura ed amplifica l'energia e la bellezza del brano, con ballerine strepitose che danzano al ritmo delle sonorità pop caraibiche, trasportando lo spettatore in un mondo colorato e festoso. "Colombia" è un'esperienza sensoriale che celebra la vita, l'energia e la capacità di rinnovarsi. Con la sua voce unica e una produzione impeccabile, Elena Camo ci invita a ballare, sognare e abbracciare il cambiamento. Un viaggio musicale che ci ricorda che, ovunque ci portino le nostre avventure, la voglia di vivere a pieni polmoni non deve mai mancare.... Continua a leggere

Dopo il trionfo di “Peggiore Mostro”, che ha debuttato nelle playlist editoriali New Music Friday e SangueGiovane di Spotify Italia, GRACE preme il “Tasto Replay” e ci trasporta in un’estate all’insegna della riscoperta. Con questa nuova release, l’artista ci invita a riflettere sulle scelte passate e ad immaginare come sarebbe poterle rivivere con la consapevolezza di oggi. Rilasciato per Meraki e Keyrecords, “Tasto Replay” racconta con coraggiosa sincerità le sfumature più complesse dell'amore, offrendo una prospettiva unica sulla natura dell'innamoramento e delle emozioni che lo accompagnano. Una combinazione elegante di suoni dance e liriche toccanti e personali che riflette l'intensità di un sentimento profondo e totalizzante. Il brano, scritto dalla stessa GRACE e composto e prodotto da Andrea Castelli, riesce a creare un equilibrio perfetto tra leggerezza e introspezione, e rappresenta un’immersione in noi stessi, per riscoprire e rivivere i momenti cruciali del nostro cammino fino ad oggi, evocando le emozioni passate e meditando su come esse ci abbiano plasmato. Immaginare di poter tornare a quei momenti con la saggezza che possediamo oggi; una fantasia avvincente che GRACE ci incoraggia a trasformare in realtà con sensibilità, carisma e maestria. Sin dal verso di apertura, «Ho fatto male di un male che io annego le lacrime, Volevo essere giusta per i tuoi primi passi, il fiume s’innalza se penso agli sbagli», la cantautrice piemontese d’adozione lombarda narra il desiderio struggente di riparare gli errori del passato, pur riconoscendo la difficoltà di ottenere perdono. Un’immagine nitida del soffocamento emotivo in cui le lacrime, che simboleggiano il dolore e il rimorso, si alternano al desiderio di essere di supporto e di fare le cose nel modo corretto per il proprio partner. La metafora del fiume che si innalza evoca il fardello interiore dei ricordi degli errori commessi, che con il passare del tempo, anziché svenire, diventano una forza naturale e travolgente, difficile da controllare. Un quadro di auto-riflessione, rimpianto e necessità di redenzione dipinto delle lotte interne e delle complicate dinamiche che si generano dai momenti di errore e distacco in una relazione di coppia. Il ritornello, con la ripetizione di «Cerco il tasto Replay, il tasto Replay», diventa un mantra in cui è racchiuso il bisogno di poter rivivere il passato per correggere il tiro, calibrandolo e mirando ad arricchire se stessi e l’altro, anziché distruggersi e annientarsi in una guerra di insicurezze, gelosie, delusioni e tradimenti. Una tensione tra amore e autodistruzione che nella frase «Ho rimpianti se non so fingere. Io mi odio, tu mi ami, lasciami andare», mette in luce la vulnerabilità ed il mancato equilibrio tra l’autocritica e l’amore ricevuto. Un messaggio semplice ma potentissimo, che parla dritto al cuore di tutti coloro che desiderano una seconda possibilità. «”Tasto Replay” – dichiara GRACE - è un viaggio nel tempo delle emozioni. Ho voluto esprimere il groviglio di sentimenti che si prova quando ci si ferma a pensare ai propri errori passati e si desidera ardentemente una seconda possibilità. Questo brano è una riflessione su come ogni scelta, giusta o sbagliata, contribuisca a formarci e a farci crescere». La traccia non si limita però a guardare indietro con rimpianto, ma delinea anche il processo di autoaccettazione e di perdono. GRACE riesce a ritrarre questo acquarello emozionale che si espande dal cuore ad ogni singolo pensiero attraverso una scrittura sincera e suggestiva, che trova eco in chiunque, almeno una volta nella vita, abbia avuto il coraggio di guardarsi dentro e rendersi conto di aver commesso degli errori, ferendo, volontariamente o meno, se stesso e gli altri. Con “Tasto Replay”, accompagnato dal videoclip ufficiale diretto da Chiara Bettiga e Gabriele Mastrolonardo, GRACE ci offre un nuovo capitolo della sua evoluzione artistica, continuando a raccontare e a raccontarsi con sincerità. Questo singolo è una mano tesa per fare un viaggio nella nostra anima, per riconoscere le nostre ferite e trovare la forza di guarirle. Ogni passo compiuto, ogni errore e successo, fa parte del nostro percorso unico, e GRACE ci esorta a riviverlo, capirlo e accettarlo attraverso la sua musica.

Stefano Rubbino, il giovane cantautore siciliano che ha conquistato il panorama musicale italiano con il suo EP di debutto "Pasticche e Confusione" e con il brano "Eclissi di sole", torna ad incantare il pubblico con "Bolladisapone" (Orangle Records), il suo nuovo singolo che racconta la nostalgia di un amore perduto, trasformando il dolore in una struggente melodia che accarezza il cuore. La canzone è nata da una successione di accordi eseguiti estemporaneamente al pianoforte dal produttore Flavio Magliozzo, accordi che hanno immediatamente risvegliato in Stefano un flusso di emozioni profonde, scaturite da un’esperienza personale dolorosa. Il brano rappresenta un grido nei confronti di una persona amata che ha deciso di allontanarsi, lasciando un vuoto incolmabile nella vita dell'artista. «Quando ho sentito quei primi accordi al piano – dichiara Rubbino -, è stato come se tutto il mio dolore trovasse finalmente un suono. Ho capito che dovevo raccontare questa storia, non solo per me stesso, ma per chiunque abbia mai provato a ricostruirsi dopo una perdita.» Il testo, scritto dallo stesso cantautore palermitano, è intriso di immagini nitide e intense che immortalano l’essenza di una relazione ormai conclusa. «Io e te non abbiamo cosa dirci, non abbiamo più le forze in questa bolla di sapone. Il nostro amore si attivava solo a gettone, e a gettare questi resti di litigi ed ossa rotte»: liriche che diventano tasselli di un mosaico di disillusione e rottura, descrivendo un amore che, proprio come una bolla di sapone, è fragile e destinato a svanire. La sensazione di nostalgia e malinconia si intensifica nel ritornello, dove l'artista esprime il suo tormento: «Non so cosa mi prende, sto ritornando indietro. Adesso no, stai bene senza vestiti addosso, una carezza. Non tornerò». Qui, la sofferenza generata dalla perdita e la lotta contro il desiderio di tornare indietro sono palpabili, rendendo il pezzo un riflesso autentico del groviglio animico che scaturisce dalla fine di una storia d’amore. «Scrivere “Bolladisapone” – prosegue l’artista -, è stato un processo catartico. Ogni parola messa nero su bianco e poi cantata, ed ogni nota suonata, sono state un passo verso l'accettazione e la guarigione.» "Bolladisapone", con le grafiche a cura di Giulia Conoscenti, riflette la difficoltà di elaborare le esperienze più dolorose e la necessità di andare avanti, anche quando tutto sembra spingere verso il passato. La canzone diventa così un inno alla capacità di trovare la forza di non tornare più indietro, nonostante il peso dei ricordi che ci legano a ciò che è stato. Con la sua voce unica, calda, fortemente emozionale ed istantaneamente riconoscibile, Stefano Rubbino entra nell'anima senza chiedere il permesso, avvolgendo orecchie e cuore con sonorità intimiste che fanno centro al primo ascolto. “Bolla di sapone” è un cammino sofferto ma necessario nei meandri delle ferite più profonde, capace di coinvolgere e toccare chiunque ascolti. La produzione suggestiva e impeccabile di Flavio Magliozzo ha aggiunto un ulteriore strato di intimità al brano, con un arrangiamento che esalta l’espressività e l’abilità interpretativa di Stefano Rubbino, creando un’atmosfera elegante e struggente che pervade l’intero pezzo. Note e pause sembrano amplificare il dolore e la bellezza che l’artista ha voluto trasmettere. «Le esperienze che ho fatto, i palchi che ho calcato e le canzoni che ho scritto – conclude Rubbino – mi hanno portato a “Bolladisapone”, una tappa importante del mio percorso, una testimonianza di come la musica possa trasformare il dolore in qualcosa di catartico e condivisibile.» Con "Bolladisapone", Stefano Rubbino ci regala un’eco del suo vissuto, un invito sentito e toccante a confrontarsi con il proprio sentire, le proprie ferite ed i propri dolori. Rubbino dimostra ancora una volta di essere un artista autentico e sensibile, capace di creare una connessione intensa e sincera con chi lo ascolta e facendo della sua musica uno strumento di riflessione e catarsi. La pubblicazione di "Bolladisapone" segna un nuovo capitolo nella sua carriera, offrendo una traccia che diventa un’esperienza, un’esperienza che parla di perdita, speranza, consapevolezza e guarigione.

Udi, il cantautore ciociaro noto per le sue pennellate musicali intrise di emozioni e immagini vivide, ci accompagna in un nuovo viaggio sonoro con “La Curva Lunare” (PaKo Music Records/Believe Digital). Questo brano rappresenta un lido sicuro dove approdare, un rifugio di sensazioni e ricordi, offrendoci un'esperienza che abbraccia sia il cuore che la mente. Tra sensualità e malinconia “La Curva Lunare” si dipana con un sound fresco e accattivante, perfetto per le serate estive, impreziosito da un tocco retrò che evoca la nostalgia di tempi passati. Il testo, scritto dallo stesso Udi, è un tributo alla sinuosità della figura femminile, un omaggio alla profondità e alla generosità dei suoi lineamenti. Le parole, come sempre, non sono esplicite ma ricche di significati sottintesi, metafore eleganti capaci di lasciare spazio all'immaginazione dell'ascoltatore. «Chiama l’idraulico dei sentimenti, sta sgorgando la ruggine, che tra le ipotesi ed i tradimenti, solcherò una voragine» canta Udi, dipingendo con maestria la ricerca del rapporto sincero tra gli esseri umani, come un valico o un solco che si frappone tra congetture e inganni. L’artista ci invita a riflettere sulle luci del nostro quartiere, su quei piccoli dettagli che possono illuminare o spegnere il nostro dolore, come in una scena cinematografica: «Riesci a non vedere, come le luci del tuo quartiere, possono spegnere il tuo dolore, tutto un altro sapore!». In questo verso, l’abilità iconografica del cantautore cattura l'essenza della quotidianità e delle piccole cose che influenzano il nostro stato d'animo. Le luci del quartiere traslano le esperienze e le memorie che ci circondano, trasformando la sofferenza in qualcosa di più gestibile, quasi dolce. La capacità di Udi di evocare immagini così potenti con una semplicità disarmante è ciò che rende la sua scrittura tanto unica quanto emozionante. Non di meno importante, sebbene la canzone sia incontrovertibilmente “estiva”, i rimandi all’infanzia, ai Natali passati, e alla nonna che non c’è più e che l’artista ricorda spesso nelle sue narrazioni, aggiungendo un tocco malinconico alle sue opere. Anche in “Curva Lunare”, vi è infatti un’importante componente di connessione con le proprie radici, che proprio in quelle luci del quartiere trovano il richiamo alla terra d’origine, alla famiglia e alle tradizioni. «Per me, - dichiara Udi - “La Curva Lunare” simboleggia un rifugio, un luogo sicuro dove ritrovare me stesso. È un pezzo che mescola la sensualità con la nostalgia, evocando ricordi d'infanzia e momenti di pura bellezza. Volevo che questa canzone fosse un abbraccio musicale, qualcosa che potesse toccare l’anima di chiunque l'ascolti, portando alla luce emozioni dimenticate». Queste parole, condensano perfettamente la complessità del processo creativo di Udi, che descrive la traccia come un porto sicuro, un luogo in cui è possibile approdare ogni qualvolta si avverte la necessità di ritrovare se stessi. La mescolanza di sensualità e nostalgia costituisce un connubio perfetto che rende questo singolo un’opera capace di risvegliare emozioni spesso dimenticate, abbandonate nei cassetti polverosi della frenesia quotidiana che, come una fitta coltre di nebbia e smog, offusca con la sua irrequietezza i ricordi e le memorie più dolci. “La Curva Lunare” si avvale di un team di eccellenza che ha creato un sound inconfondibile: la produzione del brano è stata curata da Davide Cocco, con gli arrangiamenti di Gianmarco Valente, Lorenzo Simeone e dello stesso Udi. Il mix e il mastering, affidati a Fabrizio Migliorelli, assicurano una qualità sonora che permette di raggiungere l’ascoltatore con chiarezza, intensità e immediatezza. Gli strumenti utilizzati, dalla chitarra acustica alla kalimba, contribuiscono a creare un’atmosfera incantata. “La Curva Lunare” è una celebrazione della vita, un invito a nutrire non solo il corpo, ma anche l’anima. Udi continua a dimostrarsi un talento straordinario nel panorama musicale italiano, capace di toccare le corde più intime del pubblico con la sua scrittura poetica e la sua vocalità intensa e riconoscibile. Con questo nuovo singolo, ci ricorda l'importanza dei legami sinceri e delle radici, regalandoci un brano che avvolge cuore mente nel caldo abbraccio delle connessioni senza tempo.... Continua a leggere

Acudo, l’artista che ha trasformato la sua passione per la musica in un’immersione emotiva straordinaria, torna sui digital store con “TRS”, il suo nuovo singolo. Acronimo di “Tu Resti Solo”, il brano si spinge ben oltre il concetto canzone per narrare ed abbracciare una storia di speranza, resilienza e rivalsa, invitando gli ascoltatori a rinascere dalle ceneri di esperienze negative pregresse. In una suggestiva culla pop-rock innovativa dai richiami anni ’90, la traccia racchiude l’esperienza di un passato che continua a gravare sulla quotidianità e sui sogni, rendendo nitidamente il concetto di quanto rimanervi ancorati possa condizionare presente e futuro. Un capitolo a cui, se non riusciamo a mettere un punto, perseguiterà i nostri pensieri, impedendoci di voltare pagina e scriverne di nuovi. "TRS" è un appello a non rimanere bloccati in questa prigione psicologica che condiziona la nostra esistenza, influenzando i nostri rapporti e facendoci vivere come se ogni giorno fosse una guerra, con noi stessi e, conseguentemente, con il mondo circostante. «Apri gli occhi già stanco pensando: “un'altra guerra”. Ti alzi e vivi evitando che il cecchino ti prenda», questo verso iniziale dipinge magistralmente la battaglia interiore di chi lotta con i demoni del proprio passato. Acudo, con la sua voce penetrante e le sue liriche incisive ed emblematiche, cattura l'essenza di una vita vissuta sotto assedio, in cui ogni passo è un atto di coraggio e resistenza. Il messaggio centrale di “TRS” è indubbiamente la rinascita. La canzone esorta a trovare la forza di alzarsi dalla strada della vita, dove spesso ci si siede per stanchezza o rassegnazione, e a continuare a camminare verso una nuova positività. «Ma io, fossi in te scapperei via da qui, da questo loop nella testa che ti tiene così», canta Acudo, sollecitando a rompere il ciclo di negatività per cercare un finale diverso e sorprendente per la propria storia. Il tormento di chi si sente sopraffatto dal dolore è colto ed espresso nel passaggio «Ti anestetizzi perché sai che le cicatrici bruciano sempre come non mai. E tu mandi giù tutto il dolore che hai, seduto in mezzo ad una strada e non sai cosa vuoi. Ma io fossi in te mi alzerei da lì, e scriverei la mia storia con un grande plot twist», ma è proprio in questo momento di vulnerabilità che Acudo offre un barlume di speranza, chiamandoci a prendere in mano il nostro destino, attuando un colpo di scena che ci ricordi la meraviglia insita nella vita. Ogni cicatrice diventa simbolo di forza, ogni ferita una lezione appresa, trasformando così le esperienze dolorose in momenti di crescita. «Questo brano è nato da un’esperienza vissuta in prima persona – dichiara Acudo -. È tratto da una storia vera di una persona che conosco personalmente e con cui ho collaborato. Il suo modo di vivere come se fosse in una guerra continua mi ha ispirato a scrivere questa canzone. Voglio dare una spinta a chiunque si senta bloccato a rialzarsi e a continuare a camminare verso una nuova positività.» Nato a Latina, città che ha dato i natali ad artisti di spicco come Tiziano Ferro e Calcutta, Acudo ha coltivato la sua passione per la musica fin dalla più tenera età. Sin da bambino, si lasciava ispirare da leggende musicali come i Queen, Elton John e Phil Collins. Nel corso degli anni, ha alimentato la sua vocazione partecipando attivamente a diverse esperienze musicali, unendosi a vari gruppi ed esibendosi in numerosi festival nella zona sud pontina. Le sue influenze, che spaziano dai Linkin Park, Subsonica, Negramaro e Modà fino a proposte più contemporanee come Twenty One Pilots e Pinguini Tattici Nucleari, fluiscono in release che sanno essere al tempo stesso uniche e familiari. Nonostante un breve periodo di distanza dalla composizione, la vita ha portato Acudo a riscoprire il suo talento in modo più intenso, dimostrando che quando l’arte è parte del proprio essere, prima o poi esplode con rinnovata forza. La scelta di non divulgare il proprio nome anagrafico né la propria immagine, è frutto di una riflessione che lui stesso spiega così: «Prendo spunto da Liberato: non si sa chi c’è dietro questo artista. A me piace portare in giro la mia musica, non far comparire me stesso. Da qui, la volontà di assumere un nome d’arte e non apparire in prima persona. Per lo pseudonimo, mi sono ispirato ad un personaggio di cui conosco molto bene la storia: il capo degli zingari spagnoli, Josè Acudo.» Una decisione audace e controcorrente, specialmente in un'epoca in cui tutti cercano visibilità, popolarità e notorietà più personale che professionale. Rimanere nell'ombra e lasciare che sia la sua musica a parlare per lui, riflette una profondità artistica rara e un sincero desiderio di connettersi con il pubblico attraverso l'autenticità delle sue canzoni, piuttosto che con l'immagine. Con questa nuova release, che nasce dal desiderio di liberarsi dal peso del passato e di affrontare il presente con positività, Acudo ci ricorda di non lasciare che le ombre del passato oscurino il nostro presente e il nostro futuro, tendendo una mano per rialzarci e riscrivere la nostra storia con un finale a sorpresa.... Continua a leggere

Kose, il talentuoso rapper e insegnante di religione mantovano conosciuto per il suo conscious rap e la sua straordinaria capacità di emozionare attraverso testi profondi e autentici, torna con un nuovo singolo intitolato "Bestseller" (Orangle Records/Mendaki Publishing). Il brano, prodotto da Faffa, rappresenta un vero e proprio inno alla resilienza e alla consapevolezza interiore, raccontando la storia di un uomo che ha trasformato le sue cicatrici in segni tangibili di coraggio e rinascita. “Bestseller” è un viaggio nell’anima di Kose, in cui l’artista utilizza il rap non solo come mezzo espressivo, ma come strumento per risvegliare le coscienze, riportando il genere alla sua essenza originale di connessione, condivisione e messaggi sociali, come lui stesso ha dichiarato: «La musica rap è spesso fraintesa. Per me, è uno strumento per parlare alle coscienze, per risvegliare le anime e portare un messaggio di amore e verità. Insegno religione, ma il rap è il mio modo di raccontarmi fuori dalla classe, di raggiungere le persone con un linguaggio diretto e sincero.» Queste parole accendono i riflettori sul vero potenziale del rap come mezzo di comunicazione diretto e cristallino anche nell’epoca attuale. La musica di Kose mira a parlare direttamente alle anime degli ascoltatori, trasmettendo messaggi che li conducano a riflettere su loro stessi e sulle scelte compiute. Una visione che si riflette chiaramente nel testo del pezzo, intriso di incastri impeccabili e punchlines brillanti, dove vengono affrontati temi di crescita personale, perseveranza, resilienza, gratitudine e rivalsa. Nella barra «Conosco l’ascesa e il declino, sono prof come J Cole e Smino», Kose propone una sagace analogia con grandi nomi della scena internazionale, evidenziando sia la sua capacità di attraversare le sfide e le vittorie della vita mantenendo sempre una visione lucida e consapevole, sia il suo ruolo di guida e ispirazione, proprio come i rapper citati. La carriera dell’artista-insegnante è stata un viaggio di alti e bassi, ma sempre alimentata dal desiderio di voler lasciare un segno. Egli riflette sul suo percorso compiuto finora nel passaggio «Lasciare il segno dopo che ho contato i passi lungo il cammino», puntando così il focus sull'importanza di ogni esperienza vissuta e sulla volontà di imprimere un ricordo duraturo attraverso la sua musica. Il culmine di questa riflessione personale è magistralmente racchiuso in due versi specifici: «Adesso ho tutto quello che mi serve, il tempo ha reso dura questa pelle, il libro di sta vita è già bestseller», in cui Kose mette in luce come, nonostante le difficoltà, sia possibile trovare la pace interiore, riconoscendo che la vita di ciascuno di noi, con tutte le sue vicissitudini e peripezie, è degna di essere raccontata come un bestseller, e «Il tempo è stato un fabbro, spesso è stato hardcore, non ritorna indietro più nemmeno con un Rolex», un’immagine forte e immediata del tempo che forgia il carattere e le esperienze senza concedere possibilità di ritorno, indipendentemente dal proprio status. «Questa canzone è un bilancio della mia vita fino a questo punto – prosegue Kose, concludendo -. Ogni cicatrice, ogni sfida superata, mi ha reso l'uomo che sono oggi. “Bestseller” è la mia storia, una storia di rinascita e di speranza. Spero che il pubblico possa sentirsi ispirato a vedere il proprio percorso individuale come qualcosa di unico e prezioso.» Con queste parole, Kose apre una finestra intima sul significato di "Bestseller". Definendo la canzone come un bilancio della propria vita, l'arista sottolinea l'importanza delle esperienze vissute - sia positive che negative - nel forgiare la sua identità attuale. Le cicatrici e le sfide menzionate non sono semplicemente ostacoli superati, ma parte integrante di un percorso di crescita e trasformazione. Ma il tuffo introspettivo di “Bestseller” non si limita alla sola dimensione personale di Kose, bensì si estende anche alle sue radici musicali. Un richiamo significativo all'Old School emerge infatti nel passaggio «Sognavo New York ascoltando Raekwon». Qui, l’artista riporta in auge l'influenza dell'epoca d'oro del rap sulla sua musica. La menzione a Raekwon, membro del leggendario Wu-Tang Clan, evoca immagini di un'epoca che ha profondamente influenzato il suo stile, mescolando così nostalgia e innovazione. Con "Bestseller", accompagnato dal social video diretto da Tommaso Galloni e Alessandro Guarnieri di Imprinting Video, Kose propone una narrazione intima e personale che invita chi ascolta a trovare valore nelle proprie esperienze e a riconoscere la bellezza nascosta nelle sfide quotidiane. Le liriche del brano, caratterizzate da un linguaggio diretto e incisivo, si combinano con una produzione ipnotica per trasmettere un importante messaggio di forza interiore e verità. La sua capacità di intrecciare temi introspettivi e attualissimi con influenze musicali Old School, rende "Bestseller" un pezzo unico nel panorama musicale contemporaneo, in grado di connettere, sotto l’egida di un rap consapevole e consapevolizzante, tutti coloro che, almeno una volta nella vita, hanno affrontato le difficoltà, uscendone rafforzati.... Continua a leggere

In una scena musicale che troppo spesso evita le verità più scomode, VMC, dopo aver affascinato il pubblico con l’horrorcore tra realtà e fantascienza di “Nellie (from Hill House)”, torna con "Broken Dawn" (PaKo Music Records), il suo nuovo singolo che affronta senza filtri il demone della depressione. L’artista romano, con la sua incredibile potenza espressiva, ci offre una testimonianza cruda e autentica della lotta contro il dolore e la ricerca di significato, dando voce a domande esistenziali, interrogativi spesso inespressi che toccano le sfere più intime della nostra esistenza. “Broken Dawn” fonda le sue radici nell'anima tormentata di VMC. Ogni verso, ogni rima, sono una ferita aperta, un urlo di sofferenza e un tentativo disperato di ottenere risposte. «I’m tired of waking up, uh, life’s not worth it. Another loss, another day in pain, my soul's torn in» («Sono stanco di svegliarmi, la vita non ne vale la pena. Un'altra perdita, un altro giorno di dolore, la mia anima è lacerata»), recita uno dei versi più struggenti e toccanti del brano, trasmettendo istantaneamente la complessa esperienza quotidiana di chi combatte con la depressione. La scelta del titolo, "Broken Dawn", letteralmente “Alba Spezzata”, è emblematica: l’alba, simbolo di un nuovo inizio, è frammentata, distrutta fin dalla nascita, rappresentando un'esistenza marcata dalla sofferenza fin dai primi respiri di vita. Nonostante la tematica cupa e purtroppo più attuale che mai, la traccia non è priva di speranza. “Broken Dawn”, infatti, incoraggia alla resilienza, al coraggio di continuare a combattere anche quando sembra che tutto sia perduto. VMC riversa il suo dolore sul bianco e nero delle pagine, trovando nella scrittura un'ancora di salvezza: «I pour my darkness on pages, that’s my salvation. Only way I feel alive, fighting my damnation» («Verso la mia oscurità sulle pagine, quella è la mia salvezza. L'unico modo in cui mi sento vivo, combattendo la mia dannazione»). La musica diventa così un mezzo per affrontare e superare i demoni personali, donando al contempo conforto e comprensione a chi ascolta. Realizzato presso i Downtown Studios con la produzione di Simone Giorgi e la musica di Ciro Sgo, “Broken Dawn” rispecchia fedelmente la cifra stilistica emotiva di VMC. Il tappeto sonoro, curato nei minimi dettagli, crea un’atmosfera densa e avvolgente, che sorregge e amplifica il messaggio del testo. Ciascuna nota è carica di emozioni viscerali, che guidano l'ascoltatore nell’intricato labirinto della mente. Il ritornello, ripetuto come un mantra ossessivo, è un quesito angosciante ma necessario: «If I died, would I have a choice? Would I live forever, or would I be just frozen?» («Se morissi, avrei una scelta? Vivrei per sempre o resterei semplicemente congelato?». VMC esprime così la lotta per trovare un senso, per essere ascoltati e compresi in un mondo che spesso ignora il dolore altrui. Questo grido di disperazione è anche una richiesta di aiuto, un appello alla solidarietà, un invito a riconoscere e affrontare insieme le battaglie interiori che possono avvolgere in una fitta coltre di nebbia chiunque, in qualsiasi step del proprio cammino terreno. “Broken Dawn” non è quindi solo un affresco sul dolore, ma anche un’esortazione alla riflessione e alla guarigione. È un percorso tra hardcore rap, horrocore e poesia che conduce a confrontarsi con le proprie paure e a trovare una luce nell'oscurità. VMC utilizza la musica come uno specchio, riflettendo i conflitti interiori che molti affrontano quotidianamente e indicando una via per rinascere più forti da ogni cicatrice. La sensazione di essere intrappolati in un destino doloroso, perfettamente racchiusa nel verso «In the shadows you wander, loaded with regret. Conceived in blackness, a fate you cannot accept» («Nelle ombre vaghi, carico di rimpianti. Concepito nell'oscurità, un destino che non puoi accettare»), non è un mero e passivo atto di rassegnazione, ma un richiamo a trovare dentro di sé la forza per riconoscere le proprie vulnerabilità, perché è solo conoscendo i propri limiti che è possibile superarli, trasformando la sofferenza in un percorso di crescita e miglioramento. «Con “Broken Dawn” – dichiara VMC – ho voluto trattare i lati più oscuri della mia anima e della mia esistenza. È un brano che parla di dolore, ma anche di speranza. Attraverso la musica, cerco di dare un senso alla mia sofferenza e di offrire una mano a chi, come me, si trova a combattere contro i propri demoni. Questo brano è un invito a non arrendersi, a trovare una luce anche nelle situazioni più buie.» Dal suo debutto nel 2020, il talentuoso rapper capitolino ha dimostrato di possedere un’incredibile capacità nell’affrontare temi complessi con sensibilità ed empatia. Con “Broken Dawn”, conferma il suo ruolo di voce autorevole nell’Horrorcore italiano, convertendo i demoni in guide e la paura in arte, e regalando a chi soffre un messaggio di forza e resilienza per il futuro.... Continua a leggere

Dopo aver conquistato il pubblico con i suoi precedenti lavori ed aver affascinato la critica per il suo estro creativo e rivoluzionario, il cantautore e polistrumentista partenopeo Eric Mormile torna sulle scene con "Guerriero", un brano che tocca le più profonde corde dell'anima intrecciando abilmente un sound vivace e frizzante a liriche intrise di poesia, passione e sincerità. Ispirato da artisti come Peter Gabriel, Phil Collins, Patrick Leonard e Kevin Gilbert, "Guerriero" si inserisce nel solco della World Music di estrazione Pop, arricchito da strumenti iconici come la Drum Machine Roland CR-78 e lo Stage Piano Yamaha CP-80, elementi che conferiscono al brano una dimensione sonora unica e inconfondibile. La parte testuale, scritta dallo stesso Eric e supervisionata da Salvatore Palomba (autore della celebre "Carmela" portata al successo da Sergio Bruni) si posa su una produzione impeccabile, curata da Nino Pomidoro, che grazie al suo tocco innovativo ha saputo valorizzare ogni sfumatura del pezzo. La genesi di "Guerriero" risale al 2018, traendo dalle vicissitudini sportive della squadra di calcio del cuore di Eric Mormile, il Napoli. Le parole del brano riflettono la delusione e la frustrazione di quella stagione, ma sono state poi rielaborate nel 2020, durante un soggiorno a Ischia, quando la musica ha preso forma e ha trovato la sua strada verso il completamento. La resilienza, tema centrale nella produzione di Mormile, emerge vivida e potente in questo brano, diventando un vero e proprio marchio di fabbrica del suo stile di scrittura. Nella precedente release, "Figlie d’ 'a Fonte d’‘e Suone", Eric ha spiegato come la musica possa essere un valore salvifico, un'ancora di salvezza nei momenti di difficoltà. Con questa nuova traccia, l'artista ci incoraggia a fare affidamento su noi stessi, sulla nostra forza interiore, per superare le avversità. "Guerriero" rappresenta un ponte tra il passato e il presente dell'artista, unendo due versioni di sé: quella che ha scritto il testo sei anni fa, e quella che oggi riesce a dare a quelle parole un significato universale e trasversale. Il brano parla delle battaglie personali che combattiamo ogni giorno, della necessità di aggrapparsi all'orgoglio, alla convinzione e al desiderio di rivalsa per costruire un futuro migliore. Il testo recita: «Mo arape ll’uocchie pe vedè dimane, sulo si ce cride vaie luntano, guerriero ca cumbatte sti titane, aiza n’ata vota ‘ncielo ‘e mmane» («Ora apri gli occhi per vedere il domani, solo se ci credi vai lontano, guerriero che combatte questi titani, alza ancora una volta le mani al cielo»), sottolineando l'importanza di credere in sé stessi e di continuare a lottare. Perché solo attraverso la determinazione e la fede nel proprio percorso si può arrivare lontano, senza dimenticare mai da dove si viene: cittadini del mondo uniti dalle proprie storie di lotta e rinascita, capaci di trasformare ogni sfida, ogni vento avverso, in un trampolino verso la luce, come guerrieri che trovano forza in ogni piccola e grande battaglia vinta. La metafora del guerriero che combatte contro i titani è il cuore del progetto, una rappresentazione fortemente evocativa degli uomini e delle donne di ieri e di oggi che affrontano con tenacia e dignità gli ostacoli che tutti noi incontriamo lungo il cammino della vita. Eric Mormile ci ricorda che, indipendentemente dalle traversie, abbiamo sempre la capacità di rialzarci e di affrontare le sfide con prodezza e determinazione. "Guerriero" è una mano tesa che sfiora le nostre, per stringerle con amore e rammentare a ciascuno di noi di diventare il protagonista della propria storia, trasformando le difficoltà in opportunità per crescere e migliorare. «Ho scritto questa canzone in un periodo di grande sconforto e delusione, ma anche di riflessione – dichiara l’artista -. Questo pezzo è nato dalla necessità di convertire un momento di difficoltà in un'opportunità di crescita. È un invito a tutti coloro che si sentono sopraffatti dalle sfide quotidiane a non arrendersi, a combattere con determinazione e a credere nella propria capacità di superare qualsiasi ostacolo.» Il brano è stato ispirato da un momento difficile, ma il suo messaggio è chiaro: siamo sempre artefici del nostro destino, e tutte le nostre azioni hanno un peso. Così come la metafora del guerriero risuona immediata nelle menti e nei cuori di tutti noi, allo stesso modo, l’analogia calcistica con il Napoli ci permette di comprendere ulteriormente l’anima del progetto: dalle ceneri di uno scudetto scippato, la squadra è rinata come una fenice; allo stesso modo, ciascuno di noi può elevarsi in volo solo dopo essere caduto. “Guerriero” è un inno alla resistenza, che parla a tutti coloro che lottano contro le complessità della vita. Nel testo si trova inoltre un riferimento al noto pugile Rocky Marciano, simbolo di combattente impavido contro le difficoltà per tornare vincenti: «Dalle ‘nfaccia, comme Marciano, e siente ggià ‘o suono d’ ‘a campana, guerriero ca cumbatte sti titane, aiza n’ata vota ‘ncielo ‘e mmane» («Colpisci in volto, come Marciano, e senti già il suono della campana, guerriero che combatte questi titani, alza ancora una volta le mani al cielo»). Questo messaggio è rivolto a tutti coloro che affrontano grandi sfide, incoraggiandoli a non arrendersi mai. «Con “Guerriero” – conclude Mormile - ho voluto trattare il tema della resilienza in modo più personale e approfondito. Le battaglie che affrontiamo ogni giorno, che siano legate a delusioni sportive, difficoltà personali o lotte più profonde, ci definiscono come individui. Questo brano è il mio modo di dire che, indipendentemente da quanto sia dura la battaglia, possiamo trovare la forza dentro di noi per andare avanti e vincere.». La canzone vede la partecipazione del percussionista Luca Guida, che con il suo shaker e sonaglio aggiunge un tocco ritmico distintivo al brano. Il videoclip ufficiale che accompagna il singolo, realizzato da Michele De Angelis della Midea Video, vede nuovamente la presenza di Elvira Fiore nel ruolo di modella, mentre Diana De Luca ha curato la parte fotografica e la copertina del brano. Eric Mormile continua ad ispirare il pubblico con la sua musica, spingendo i confini della creatività e della sperimentazione sonora. Con "Guerriero", il poliedrico artista dimostra ancora una volta un talento da fuoriclasse e invita tutti noi a riconoscere e a combattere i nostri "titani" con coraggio e determinazione.... Continua a leggere

I LUMIED, trio musicale apulo-romano che ha saputo conquistare il cuore del pubblico con energia e autenticità, sono pronti a farci volare verso nuovi orizzonti con il loro nuovo singolo, "Hawaii". Dopo il successo di "Samurai", un incredibile viaggio musicale nel coraggio e nella resilienza degli eroi di ogni giorno, Luana Montone, Edoardo Schiaffi e Michele Penisola tornano sulle scene con un brano che surfa sulle calde onde dell’estate, un’escursione emozionante e sognante verso un paradiso tropicale fatto di musica, amore e ricordi indelebili. "Hawaii" è un invito a lasciarsi andare, a dimenticare per un attimo le preoccupazioni quotidiane e ad immergersi in una dimensione in cui la bellezza dei momenti condivisi è la sola cosa che conta. Un biglietto di sola andata verso i mari sconfinati della libertà e dei sentimenti, nuotando tra le profondità di uno sguardo che profuma di casa anche dall’altra parte del mondo, in quegli «occhi blu» che ci tengono a galla il cuore, impedendogli di «naufragare in un mare di parole». Spensieratezza e dolcezza si fondono e diventano le fondamenta di un rifugio in cui l'amore e la musica si incontrano, creando un'atmosfera unica che permea ogni nota del brano. Il testo di “Hawaii”, scritto dagli stessi artisti, sfiora e accarezza temi di nostalgia e desiderio con una delicatezza che solo i LUMIED sanno trasmettere. «Vorrei fingere e fare l’opposto, cancello foto e puntualmente posto. Di te mi resta ciò che non conosco. Le mani in tasca e questo disco rotto…», sono versi che parlano di cuori spezzati e di speranze rinnovate, di istanti vissuti intensamente e di sogni che non vogliono spegnersi come falò in riva al mare, illuminando la notte con la loro incrollabile ed incantevole luce. Uno dei passaggi più suggestivi ed emblematici del pezzo è senza dubbio il ritornello: «Ruberò la notte e le tue Lucky strike, balleremo insieme al Keoki’s Paradise. Fuoco sulla dance floor, labbra sulle labbra. Ci s’innamora ancora al Keoki’s Paradise». Qui, i LUMIED ci portano nel cuore dell’arcipelago bagnato dal Pacifico, in un luogo in cui le notti si accendono di passione e la musica diventa il filo conduttore di storie d'amore e di amicizia. Queste liriche leggere, e al tempo stesso intrise di poesia, sono un richiamo a vivere il presente con intensità, a ballare fino all'alba, a lasciarsi travolgere dalle emozioni che troppo spesso soffochiamo nella frenesia dell’ordinario. “Hawaii” non si limita ad evocare paesaggi esotici e momenti di intensa connessione, ma sottolinea anche l’importanza della spontaneità, di aprirsi all’avventura cogliendo ogni occasione di felicità e benessere. Un inno alla libertà di seguire il proprio cuore, di prendere decisioni audaci e di assaporare il presente senza rimpianti. «Facciamo l’ultima cazzata, ho due biglietti in business class. Facciamolo stasera, domani poi chi se ne frega» cantano i LUMIED, incitando a lasciare alle spalle le incertezze per abbracciare con coraggio l'incognito. La musica dei LUMIED non è solo un mezzo di intrattenimento, ma una vera e propria filosofia di vita. Ogni canzone è un capitolo di una storia più grande, una narrazione che riflette le esperienze, le sfide e le vittorie quotidiane. Con "Hawaii", il trio ci invita a riscoprire la bellezza dell'imprevisto e la magia dei piccoli momenti. È un appello a vivere con passione, a non avere paura di osare e a trovare gioia nella semplicità. «Siamo entusiasti di condividere “Hawaii” con tutti voi – dichiarano gli artisti -. Questo brano rappresenta per noi un viaggio non solo musicale, ma anche emotivo. Vogliamo che chiunque lo ascolti possa sentirsi trasportato in un luogo dove le preoccupazioni si dissolvono e rimane solo la bellezza dell'attimo presente.» Dal debutto nel 2020, il trio ha saputo farsi strada nel panorama musicale italiano con una serie di successi che hanno conquistato sia il pubblico che la critica. Con "Hawaii", Luana, Edoardo e Michele continuano a dimostrare un’importante crescita artistica e la capacità di reinventarsi, mantenendo sempre intatta la loro essenza. Con sonorità che spaziano dal pop, alla dance al latin-pop, la loro musica è un invito alla gioia e alla riflessione. Con "Hawaii", i LUMIED non solo riconfermano il loro straordinario talento, ma offrono anche una nuova prospettiva su come affrontare la vita: con leggerezza, passione e una buona dose di follia. Questo singolo è destinato a diventare un punto di riferimento nella loro discografia, un brano che ci ricorda che, nel viaggio della vita, c'è sempre spazio per un nuovo inizio, per un'avventura da vivere senza riserve.... Continua a leggere

Dopo aver scaldato l'inverno con la magistrale reinterpretazione de "Il Dicembre degli Aranci" di Mango e Laura Valente (feat. Stefania De Francesco) e accarezzato la primavera trasponendo in musica l'essenza dell'amore con "Così Non Finirà" (feat. Patrizia Kolombo), Gianni Negri abbraccia l'estate in "E partirò" (PaKo Music Records/Believe Digital), il suo nuovo singolo che celebra la voglia di viaggiare, di realizzare i propri sogni e di vivere la vita con leggerezza e spontaneità, toccando il cuore di chi ascolta. Prodotto da Valerio De Rosa e arrangiato da quest’ultimo con lo stesso Gianni Negri, "E partirò" è un manifesto pop di libertà e di vita, un invito a vivere ogni giorno come un viaggio, con la leggerezza e la curiosità che questo comporta. L'idea del brano è nata una domenica mattina, quando Gianni, in cerca di ispirazione, ha deciso di scrivere qualcosa di leggero ma non banale. Insieme ai giovani e talentuosi musicisti Joele Ghezzi (batterista e percussionista) e Federica Arcopinto (chitarrista), con i quali collabora da anni, ha trovato il mood perfetto per esprimere questo desiderio di seguire e realizzare i propri sogni sotto la brezza calda, vivace e ispiratrice dell’estate. «Il messaggio che ho cercato di lanciare con questo singolo – racconta Gianni Negri - è quello di non fermarsi mai, di vivere una vita sempre piena di scoperte e ricca di stimoli nuovi, proprio come avviene durante un viaggio. La vita, infatti, per quanto possa essere programmata, è spesso imprevedibile. Incontri persone di passaggio, visiti luoghi che forse non rivedrai mai più. Se vivessimo come viaggiamo, tutto sarebbe più leggero, tutto sembrerebbe più semplice.» L’energia e la libertà che si sprigionano durante un viaggio, quella voglia di arrivare, di sentire l'estate sulla pelle, di essere felici e spensierati, viene racchiusa egregiamente nel ritornello: «E partirò e sentirò il suono della libertà, e come un canto universale mi attraversa e non fa male». Il “suono della libertà”, una metafora emozionante e potentissima che echeggia come un grido di incoraggiamento per chi non ha ancora trovato il coraggio di essere veramente libero, libero di essere se stesso. Questo è “È partirò”, un’esortazione a vivere secondo le proprie regole, ad essere liberi e liberanti per non cadere in un circuito di congetture astratte e senza senso. Sin dall’apertura - «Se cominci a realizzare un sogno tutto cambierà, e all’estremità di un continente, tra i confini fragili di una città, troverai pezzi del tuo passato e allora capirai!» – il brano stimola a seguire i propri sogni, a scoprire nuovi orizzonti e a trovare se stessi lungo il cammino. Gianni Negri ci ricorda che siamo pronti per cambiare il senso che ci tiene legati a terra - «Siamo pronti per cambiare il senso che ci tiene qua» -, per partire verso nuove avventure e scoprire il mondo con occhi nuovi. Il perfetto mix di chitarre elettriche e acustiche, basso, batteria e pianoforte elettrico, regala una dimensione unica, sorretta da un sound avvolgente e dinamico. Il mix e il mastering, curati nei dettagli da De Rosa, garantiscono una qualità sonora che esalta le capacità vocali di Gianni e la potenza emozionale del pezzo. Nell’«onda di questa corrente che trascina e balla», il cantautore napoletano che ha incantato l’Italia con la sua capacità espressiva e il suo talento da fuoriclasse ci sprona a non fermarci, ad avere fiducia in noi stessi, negli altri e nel mondo, perché basta guardarsi dentro e poi allo specchio con sincerità per capire che «per la strada non c’è alcuna faccia che ti tradirà», perché siamo tutti uguali, ognuno alla ricerca del proprio «angolo di paradiso» «tra paesaggi distesi e mari sconfinati». “E partirò” è la rappresentazione in musica dell’energia vitale che si sprigiona quando si è in movimento; Gianni ci invita a seguire il battito delle sue mani a tempo, a non mollare mai, a stringere i denti e a procedere con determinazione verso i nostri obiettivi. L’estate, che l’artista stesso descrive come una stagione di rinascita e di nuove possibilità - «L’estate addosso sentirò, il ritmo scoppia sulla pelle e sento il sole tra le stelle» –, si fa emblema di una vita vissuta intensamente, con il sole che scalda la pelle e la musica che fa da colonna sonora alle nostre avventure. Gianni ci rammenta che si tratta di un momento perfetto per lasciarsi andare, per assaporare il presente e per lasciarsi trasportare dalla bellezza della vita. Con questo brano, allegro e frizzante ma al tempo stesso profondo e ricco di significato, Gianni Negri dimostra ancora una volta il suo talento nell’arte di raccontare la vita attraverso la musica, regalandoci un’esperienza sonora che incoraggia all'evasione e all’introspezione. Un tuffo emozionale fatto di sogni, speranze e libertà che ci ricorda di vivere intensamente, ogni giorno; un inno alla libertà, alla scoperta di sé e alla bellezza del viaggio della vita.... Continua a leggere

Ha esordito raccontando la sua esperienza tra la vita e la morte nel toccante e riuscitissimo hardcore rap di  "Ancora Vivo", per poi toccare il cuore di molti con la commovente dolcezza di "Ma tu lo sai che", e dedicare "La canzone più bella" al paradiso coperto di fiamme dell'amore, e ora, Drama, il giovane artista varesotto la cui voce e penna stanno rivoluzionando il panorama musicale italiano, torna nei digital store con “Patologia” (La Maison Factory/Believe Digital), un capolavoro che nasce dalle viscere del dolore per raccontare le pieghe più oscure, intime e sofferte delle relazioni distruttive. Nato nel 2002 nella provincia di Varese, Drama porta con sé un bagaglio di esperienze oltremodo trasformative, che si riflettono nella sua musica carica di pathos e autenticità. Nonostante la sua giovane età, l’artista ha vissuto sulla propria pelle l'intensità della lotta per la vita: sei giorni di coma, un trapianto di cuore e la cicatrice che porta sul petto sono testimonianze tangibili di una battaglia che lo ha smosso nel profondo, cambiandolo e rendendolo l’uomo che è oggi. Eventi personali che conferiscono alle sue opere l’universalità delle emozioni, con una sincerità e un’immediatezza di raro riscontro che rendendo ogni release un prezioso tassello nel mosaico policromatico della vita. “Patologia”, nato sul pavimento di una casa vuota, con le luci spente e le tapparelle abbassate, è un brano che si espande come un soffio di luce che filtra nella stanza, socchiudendo gli occhi e lasciandosi trasportare dai ricordi di un amore sfiorito. In questo pezzo, in cui Drama è al contempo narratore e protagonista, si dispiegano una serie di immagini nitide e contrastanti, che nella frase-chiave del ritornello «Il nostro non è amore, è una patologia. Prendi a pugni sul volto la mia apatia», ne svelano l’intera essenza, sviluppando la polaroid in bianco e nero di un sentimento diventato malattia, equiparabile ad un'ossessione che costringe a sentire, ad osservare, a vivere e rivivere nelle pagine di un album di ricordi sbiadito, anche se fa male, anche se distrugge. «Credo che ognuno di noi possa aver avuto un amore “patologico” – dichiara l’artista -, aver incontrato una persona da cui si è incapaci di scollarsi. Qualcuno che, anche solo con il pensiero, ci tiene legati, costantemente, indissolubilmente. “Patologia” è una canzone molto intima e personale, a cui sono follemente legato, così come l’amore tossico ci incatena e ci trascina in un vortice di sensazioni ed emozioni penetranti e discrepanti. Ecco, io ho voluto esprimere questa complessità attraverso la mia musica, raccontando una storia che mi vede narratore e protagonista.» Il testo di “Patologia” mette in luce l’accettazione incondizionata dell’altro, anche nei suoi lati più oscuri - «sai che mi piacerà anche il tuo lato peggiore» - liberando tra le note l’intimità di battiti non espressi, custoditi come segreti tra i chiaroscuri del cuore - «Scrivi frasi d’amore che non mi dirai» -. Ma l’amore che persiste anche nei momenti più difficili, quelli in cui i partner condividono «il cuscino per fare gli stessi sogni, mentre la città va a fuoco, mentre il mondo crolla a pezzi», si fa via via sempre più cupo, autoritario e nocivo. Questo legame, inizialmente passionale e avvolgente, si trasforma in una trappola emotiva, dove le dinamiche di potere e controllo prendono il sopravvento. Drama spiega egregiamente questo passaggio nel verso «sono diventato un mostro per sconfiggere i tuoi mostri. Tutto ciò che odio, tutto ciò che ami tu», evidenziando come l'amore possa diventare una battaglia interna, in cui ci si perde nel tentativo di accontentare e salvare l'altro, finendo per non riconoscersi più e disprezzare ciò che si è diventati. Questo sentimento totalizzante e distruttivo, che monopolizza e consuma, è il cuore pulsante del progetto. Il suono della voce di Drama, intensissimo e quasi spezzato, enfatizza ogni parola, donando alla traccia una profondità emotiva che non lascia indifferenti. Ciascuna nota, ciascuna lirica, è un colpo al cuore, un richiamo alla realtà nuda e cruda di un amore che svilisce e soffoca, trasformando il legame in una prigione da cui sembra impossibile fuggire. In tale contesto, il brano diventa un cammino doloroso ma necessario, una catarsi musicale che offre sollievo attraverso la comprensione e la condivisione del dolore. “Patologia” è il racconto di una fiamma interiore che brucia e consuma, ma che al tempo stesso rende vivi. Drama ci incoraggia a guardare dentro noi stessi, a riconoscere le nostre fragilità e a trovare la forza per affrontarle, rammentando che non importa quanto difficile possa essere l’amore, perché è e sarà sempre una parte essenziale di ciò che siamo stati, siamo e saremo. Con un percorso artistico in continua evoluzione, Drama segna un ulteriore passo in avanti in questa crescita, grazie ad una canzone che, come una cicatrice sul cuore, ricorda le ferite passate ma anche la forza di andare avanti, di lottare e di trovare la propria voce in mezzo al caos delle emozioni. La sofferenza si converte in arte, dando parole ai sentimenti silenziati dal dolore. “Patologia” è una finestra aperta su un mondo fatto di luci ed ombre, di amore e distruzione, di forza e fragilità. Un brano che non lascia indifferenti, capace di scuotere e far riflettere, di far sentire meno soli coloro che, almeno una volta nella vita, hanno vissuto l’amore come una “Patologia”.... Continua a leggere

Una serata memorabile ha animato Piazza Conciliazione durante il terzo appuntamento del Desio Summer Music Festival, grazie alla straordinaria performance di Tormento, frontman dello storico gruppo Hip Hop Sottotono. Il concerto di un'ora ha entusiasmato il pubblico presente, consolidando ancora una volta la sua posizione di fuoriclasse del genere. L'artista, affiancato alla consolle dal producer romano d'adozione milanese ProMo L'Inverso, ha regalato ai fan una scaletta di brani che hanno segnato la storia dell'Hip Hop italiano. Tormento ha sapientemente mescolato pezzi del primo album del duo, "Soprattutto Sotto", come "La Mia Coccinella", a capolavori senza tempo tra cui "Tranquillo", "Amor De Mi Vida", "Dimmi di sbagliato che c'è", fino ai più recenti "Acqua su Marte" e "Mastroianni". L'evento, diretto e condotto dalla vivacità comunicativa di Dj Mitch (celebre speaker di Radio 105 e produttore televisivo), ha preso il via con la performance del giovane cantautore e rapper bolognese Rayan Seventeen17, idolo dei giovanissimi, seguita da quella del talentuoso e carismatico rapper capitolino di fama nazionale Davide Borri. Una serata indimenticabile che, sotto il cielo stellato di Desio, ha unito grandi, giovani e piccini in nome della musica e di una cultura, l'Hip Hop, che continua ad incantare e rappresentare tutti coloro che sentono il bisogno di ascoltare e vivere una canzone al di là della semplice esperienza auditiva; una cultura che continua a dimostrare di non aver bisogno di turpiloqui, cliché e status symbol per arrivare al cuore del pubblico. «L'Hip Hop è amore, anche se ultimamente è pieno di rabbia. La rabbia in fin dei conti è amore, amore senza genitori cresciuti vicino.» - ha dichiarato Tormento durante il concerto, sottolineando la profondità del messaggio trasmesso attraverso la sua musica da oltre 30 anni ed evidenziando che è ancora possibile fare un certo tipo di musica in maniera sincera, autentica e pulita. Una scommessa che si è rivelata vincente quella dell’amministrazione comunale: il sindaco Simone Gargiulo e il Vice sindaco Andrea Villa hanno richiamato in piazza un vasto pubblico che si è riversato nel territorio arrivando anche dalla Svizzera per la data brianzola di Tormento. Il Desio Summer Music Festival continua mercoledì prossimo, 10 Luglio, con uno degli artisti più geniali, eclettici e iconici della discografia italiana: Morgan. Non mancate!... Continua a leggere

Dopo l'emozionante debutto con "Resta" e l’elegante malinconia espressa in "Ore", la cantautrice napoletana d’adozione brianzola Chiara Amici, in arte Kiara, torna con un brano dal sapore estivo avvolto da un sound fresco e travolgente: "Portami a ballare" (PaKo Music Records). Ritmato e vivace, questo singolo mostra il lato più giocoso e dinamico di Kiara, evidenziando la sua versatilità, pur mantenendo il fascino e l’incanto che solo una vocalità limpida, intensa e raffinata sono in grado di offrire ad ogni interpretazione. Prodotta da Alessandro Di Somma e masterizzata da Stefano Crispino, "Portami a ballare" è una canzone che invita a lasciarsi alle spalle lo stress e i problemi della vita quotidiana per abbracciare la leggerezza e la gioia dell’estate. «L'estate è il momento giusto per lasciarsi andare - spiega Kiara -. Basta un drink e della buona musica per divertirsi e vivere il momento. La compagnia è importante, ma si può stare bene anche da soli.» Nel testo, l’artista coglie e cattura questo spirito di libertà e spensieratezza in maniera impeccabile: «E stanotte tutto va via, un drink e portami a ballare, dei problemi solo la scia, respira e continua a urlare». Con queste parole, Kiara pone l’attenzione sulla necessità di vivere pienamente, facendo tesoro di ogni istante senza farsi sopraffare dalle difficoltà quotidiane. La realizzazione di "Portami a ballare" è frutto di un lavoro meticoloso e appassionato: «Durante la produzione, ho cercato di infondere nel pezzo le sensazioni di leggerezza e libertà che provo in estate - prosegue l’artista -. Mi sono ispirata ai suoni che evocano immagini di spiagge, tramonti e notti stellate, per creare una colonna sonora perfetta per questa stagione.» La produzione di Alessandro Di Somma e il mastering di Stefano Crispino hanno conferito al singolo una qualità sonora che esalta le capacità vocali di Kiara, rendendo "Portami a ballare" una traccia irresistibile e coinvolgente. Con la sua energia positiva e la sua melodia accattivante, questo brano promette di diventare un vero e proprio tormentone dell'estate 2024. Un'estate che non ha necessariamente bisogno di compagnia per essere vissuta appieno. Kiara ci ricorda infatti che possiamo trovare la nostra forza interiore e godere della nostra stessa presenza, come si evince dal testo: «E non ti preoccupare, puoi lasciarmi andare, io non ho bisogno di te, posso stare sola con me». Questa affermazione di indipendenza e autostima sottolinea che, nonostante le difficoltà, ognuno di noi dovrebbe dire a se stesso «ce la farò, sì, me la caverò», e, in caso di necessità, è sempre possibile «dare forfait». Questi versi, ironici ma profondamente sinceri, riflettono la capacità di Kiara di affrontare la vita con fiducia e apertura, apprezzando i momenti di solitudine e trasformandoli in opportunità di crescita personale. Il ritornello del pezzo, con il suo ritmo trascinante e le sue melodie fresche e catchy, è un inno alla voglia di ballare e di sentirsi vivi, liberandosi dalla morsa di una frenesia che corre ma ingabbia e dalla pressione di quel «lavoro dei sogni» che forse è soltanto «magia», «forse è solo utopia», per fare un tuffo nella follia di una serata in cui tutto sembra possibile ed ogni preoccupazione svanisce a ritmo di musica. Come canta Kiara, «ogni volta lo stesso film, finisce sempre così, grazie a Dio, è venerdì», racchiudendo nell’attesa del fine settimana il desiderio di stacco e relax che l’estate porta con sé. La quotidianità e le sue frustrazioni sono rappresentate con ironia e leggerezza, sottolineando la necessità di ritagliarsi momenti di gioia e di spensieratezza. «La musica è sempre stata il mio rifugio - conclude Kiara - e con "Portami a ballare" ho voluto creare un brano che potesse essere un rifugio per tutti, un momento di pausa dalla frenesia quotidiana. Volevo che fosse una canzone capace di far sorridere, ballare e sentirsi liberi. Spero che chiunque la ascolti possa provare un po' di quella gioia e di quella leggerezza che ho cercato di infondere incidendola.» Con "Portami a ballare", Kiara riconferma il suo talento e la sua capacità espressiva. La sua voce, limpida e avvolgente, sorretta da una produzione musicale impeccabile, guida l'ascoltatore in un mondo dove la musica diventa la colonna sonora perfetta per ogni momento di evasione. Questa canzone, oltre ad essere una ventata di freschezza e di allegria, è un importante promemoria per tutti noi: è essenziale ritagliarsi del tempo per sé stessi, godere dei piccoli momenti e ballare, sempre, al ritmo della propria felicità.

Dopo aver raggiunto i vertici delle classifiche radiofoniche indipendenti con “Fiori di ceramica”, il cantautore, attore e showman torinese dall’animo cosmopolita Raffale Poggio torna nei digital store con “La canzone che parla di te” (MoovOn/Altafonte Italia), singolo con cui celebra un ritorno alle sue radici musicali latine, proponendo un'evoluzione di genere con sfumature elettroniche e una nuova espressione vocale che incanta sin dal primo ascolto. Prodotto, registrato e mixato da Fabrizio Cit Chiapello presso i celebri Transeuropa Studio, “La canzone che parla di te” è un brano che nasce da un'esperienza di vita vera e autentica che Raffaele ha voluto condividere con il suo pubblico, come lui stesso racconta: «Ho vissuto amori importanti che, dopo la fine, sono rinati ancora più intensi e consolidati con l'impegno di entrambe le parti, consapevoli che non si poteva proseguire insieme nel modo in cui tutto era iniziato ma si poteva crescere ulteriormente, costruendo una forte amicizia.» Il brano rappresenta la volontà di esprimersi in modo sincero e genuino nei rapporti personali, per rispetto non solo del partner, amico o familiare, ma anche, sopra e prima di tutto, per sé stessi. In questo modo, un rapporto può evolvere, evitando di implodere di fronte alle difficoltà. Nel testo, Raffaele canta «Portami nei sogni tuoi, ricorda chi eravamo noi, voliamo sulle nuvole, diversi da ieri, occhi sinceri», immortalando tra le note l’essenza di un’affinità che dall’innamoramento, sognante, romantico e passionale, si trasforma in amore, consolidato e maturo, in qualsiasi sua declinazione. Questo passaggio ricorda la trasformazione di un fiore, leggero, vivace ma al tempo stesso esile e fragile, in una pianta solida e robusta, annaffiata con dedizione e cresciuta con pazienza, volontà di condividere e sincerità, sottolineando così la capacità di convertire un amore perduto in una nuova, profonda relazione. “La canzone che parla di te” è un invito a riscoprire la bellezza delle connessioni autentiche, quelle che, nonostante le avversità e i cambiamenti, riescono a svilupparsi e progredire, potenziandosi e migliorando significativamente chi ne fa parte, arricchendo la vita di tutti coloro che vi partecipano con nuove prospettive e una rinnovata forza interiore. Raffaele Poggio, con la sua voce calda e avvolgente, ci accompagna in un cammino emozionante che fa luce sulle varie sfaccettature del cuore. La canzone è un tributo alla resilienza dei sentimenti, alla capacità di adattarsi e di trovare nuove forme di espressione e di connessione, con sé stessi e con gli altri. L'arrangiamento musicale, curato con maestria da Fabrizio Cit Chiapello, fonde armoniosamente le radici latine di Raffaele con moderne sfumature elettroniche, creando un sound fresco e coinvolgente che rispecchia perfettamente la maturazione artistica dell'autore. Le sonorità vivaci e trascinanti del brano trasportano l'ascoltatore in una dimensione estiva e spensierata, in cui la musica diventa un mezzo per celebrare la vita e le relazioni. Il videoclip ufficiale che accompagna il singolo, girato ai Knowhere Studios, amplia questo concetto con un altro obiettivo: esprimere la necessità di svincolarsi da maschere e artifizi per presentare il lato umano nella sua complessità e autenticità. Raffaele si libera dalle catene che spesso lo hanno imprigionato nella figura del businessman o del sex symbol, per lasciare spazio al lato più giocoso e autentico della sua personalità, in una vera esplosione di energia ispanica. «Questa traccia – conclude Poggio - rappresenta con la sua freschezza di brano estivo una mia evoluzione, sia personale che artistica: ad oggi mi sento libero e sereno e lo esprimo pienamente con sonorità allegre e trascinanti ed un videoclip così energico e comunicativo da sposarsi bene con il ritmo ed il concetto del pezzo.» Inoltre, Raffaele Poggio sta lavorando al nuovo live “Latin Project”, che vedrà in scaletta i classici latini di sempre e i brani della sua produzione, accompagnato da Steve Cucchi, Miki Rossi e Donato Donvito, rinomati musicisti del panorama musicale torinese. Attualmente, l'artista è impegnato con l'intrattenimento musicale nel wedding, essendo un punto di riferimento musicale nel territorio piemontese con il suo “LIVE WEDDING SHOW”. "La canzone che parla di te" rappresenta un nuovo capitolo nella carriera di Raffaele Poggio, un talento poliedrico che continua a sorprendere e a innovare. Con questo brano, Poggio non solo celebra l'evoluzione dei sentimenti e delle relazioni, ma dimostra anche una crescita personale e artistica che lo porta a esplorare nuove sonorità e a condividere con il pubblico la sua visione autentica della vita e dell'amore. Il nuovo singolo ed il progetto live "Latin Project" promettono di portare questa energia e passione direttamente al cuore del pubblico, confermando Raffaele Poggio come una figura di spicco nel panorama musicale contemporaneo.... Continua a leggere

Giugno 2024 segna l'uscita di "Stanotte", il nuovo e attesissimo singolo di Ladrone00. Con questo brano, l’artista marchigiano che sta conquistando pubblico e critica per la sua versatilità e la sua urgenza espressiva, torna a sorprenderci con un mix irresistibile di dance anni ’90, pop e rap destinato a dominare le classifiche estive e a farci ballare e sognare sotto le stelle, unendo generazioni diverse sotto il segno del divertimento e della leggerezza senza età. Sin dal primo play, si viene immediatamente trasportati in un mondo allegro e spensierato, dove la voglia di rilassarsi e rinascere si fonde alle sfumature nostalgiche e sognanti della traccia, riportando istantaneamente alla memora la dimensione sospesa degli anni '90, in bilico tra speranza e aspettative, rispecchiando così le emozioni degli attuali 30enni negli uomini e nelle donne di domani. Prodotto dall’abile tocco di Massimiliano Giorgetti, "Stanotte" intreccia la vivacità del dance-pop agli inconfondibili incastri rap che solo la voce unica di Ladrone00 può offrire, riconfermandolo un vero maestro nel creare atmosfere che catturano il cuore e la mente del pubblico. Un viaggio musicale che parte dalla pista da ballo e si estende fino alle prime luci dell'alba, un'esperienza sensoriale che celebra la vita, l'amore e la gioventù in ogni loro forma. Il brano si apre con un ritmo incalzante e coinvolgente, sostenuto da batteria e accordi di synth che invita a vivere il presente senza pensieri, lasciandosi alle spalle lo stress e la frenesia quotidiana. Questo spirito, perfettamente catturato nel verso «Stanotte, io ti ritroverò, ci vediamo nel privé e balliamo finché è giorno. Stanotte, mi rinnamorerò, vorrei fare centro nel tuo corazón», trasmette un senso di libertà tipico della giovinezza, evocando un ritorno alla semplicità e alla gioia di vivere indipendentemente dalla propria età anagrafica. Passato e presente danzano in perfetta armonia grazie alla maestria di Massimiliano Giorgetti, che ha saputo tessere un sound fresco e moderno e al contempo ricco di richiami agli anni '90, creando così un'altalena musicale che è sia nostalgica che innovativa. Le barre, posate con eleganza e grinta sulle strofe, aggiungono ritmo e intensità, rendendo ogni notte in riva al mare un quadro suggestivo e romantico, dove sentimento, divertimento ed euforia prendono il sopravvento; un'alchimia irresistibile che seduce e incanta. Ladrone00 riesce a connettersi con il pubblico grazie a testi che parlano di esperienze comuni e universali, facendo sì che ciascun ascolto diventi un momento di riflessione e celebrazione della vita. «Con “Stanotte'” – ha dichiarato - volevo creare un brano che potesse far sentire tutti giovani e spensierati, anche solo per una notte. Volevo che chiunque ascoltasse questa canzone potesse tornare indietro nel tempo, ai momenti più felici della propria giovinezza. La collaborazione con Massimiliano Giorgetti è stata fondamentale per dare vita a questo sound fresco e nostalgico allo stesso tempo. Spero di poter far ballare e sorridere più persone possibili.» In "Stanotte", Ladrone00 riesce a racchiude l'essenza di un'epoca e a trasformarla in una festa senza fine, una glorificazione della giovinezza e della spensieratezza. La sua musica, intrisa di emozioni autentiche e carica di energia, diventa un rifugio sicuro dove il passato incontra il presente e ogni momento si riempie di significato. Con questo nuovo singolo, il cantautore maceratese classe 2004 segna un altro importante passo nella sua carriera artistica, regalando al pubblico una colonna sonora perfetta per le notti dell'estate 2024.

Dopo il successo di "Sangue nelle mani", brano con cui ha catturato l’attenzione di pubblico e critica raccontando la delicata tematica della violenza sulle donne dagli occhi del carnefice, Occhic presenta “Turning Point”, il suo quarto progetto full length; un'opera intensa e riflessiva che attraversa i generi musicali e le tematiche sociali più urgenti. Perfetto seguito dei precedenti lavori in studio "Ribelle", "Nomen Omen" e "Diario dei Pensieri", questo concept-album è un mosaico sonoro che spazia dall'acustico al rock, passando per il cantautorato più classico, l’indie-pop e il latin per giungere al rap, grazie alle collaborazioni con gli artisti Impulso, Haidil e Arel The Beast. Composto da 12 tracce, "Turning Point" affronta tematiche sociali attuali come la crisi geopolitica occidentale, i conflitti internazionali, la violenza di genere e la solitudine. Nonostante gli argomenti complessi, il disco trasmette un messaggio positivo di speranza e cambiamento, invitando il pubblico a porre maggiore attenzione sulla propria interiorità e, di conseguenza, sul mondo circostante, diventando parte attiva di un dialogo e di una trasformazione profondi. Un patchwork melodico di altissimo livello in cui fluisce una varietà di suoni che evidenziano la versatilità di Occhic. Si passa dal pop-rap cupo e drammatico di “Sangue nelle mani” alle sfumature elettroniche di “Dovrei stare calmo”, dal cantautorato di brani come “Inferno Domestico” all'indie-pop di “Invisibili” e “Delusioni”. Il rock potente e commovente dalle ombre dark di “Nessuna Guerra” aggiunge profondità, mentre “Rivoluzione 2.0” mette in contrasto un testo ironico ad una melodia dolce e avvolgente. Infine, l’acoustic dai toni latin di “Sopravvissuti”, utilizza un linguaggio arcaico ma fortemente evocativo, rendendo a tutti gli effetti “Turning Point” un “Punto di Svolta”, un progetto che non solo sottolinea la necessità impellente di discutere e affrontare temi complessi, ma lo fa con una sensibilità e una profondità che lo rendono una delle opere più complete ed eclettiche degli ultimi anni. «Con “Turning Point” – dichiara Occhic - ho voluto mettere in musica argomenti a cui tengo molto, sia come individuo che come artista. Ogni traccia rappresenta un capitolo, una riflessione sulla società e sulle sfide che affrontiamo ogni giorno. Spero che questo album possa essere una fonte di ispirazione e di dialogo, un invito a guardare dentro di noi per trovare la forza di cambiare il mondo che ci circonda. La collaborazione con artisti come Impulso, Haidil e Arel The Beast ha arricchito ulteriormente questo progetto, permettendomi di cimentarmi in nuove sonorità con nuove prospettive. Credo fermamente che la musica abbia il potere di unire e di trasformare, e con “Turning Point” voglio contribuire a questa trasformazione.» Le liriche del disco sono il riflesso dell’abilità autorale di Occhic: versi come «Siamo soli nella nebbia, eppure in mezzo alla folla. Sentiamo un isolamento emotivo, che ci rende tristi e vulnerabili», catturano con empatia e delicatezza il senso di alienazione e solitudine che molti sentono nella società contemporanea. Questo sentimento di isolamento è ulteriormente indagato in “Invisibile”, nel passaggio «Mi sento invisibile, come se non esistessi davvero. Mi sembra che tutti mi guardino, ma nessuno che capisca il mio vero pensiero», in cui l’artista evidenzia la frustrazione e il vuoto interiore di tutti coloro che si sentono trasparenti, incompresi. In “Inferno Domestico”, nel suggestivo verso «Cicatrici nascoste e l’anima che grida: no!», il cantautore sardo dà voce al sentimento di vulnerabilità, insicurezza, paura ed oppressione di una donna all'interno delle proprie mura domestiche, mura che dovrebbero rappresentare un baluardo contro le minacce esterne, un luogo di protezione e sicurezza. Questa dichiarazione, particolarmente struggente, sottolinea come la violenza di genere possa trasformare un luogo intimo e sicuro in un teatro di terrore e pericolo. Occhic non esita a lanciare messaggi di risveglio e cambiamento: frasi-chiave come «La verità ha un suono, svegliatevi!» e «La verità ci porterà alla vittoria», sono un chiaro invito all'azione, esortando gli ascoltatori a non restare passivi di fronte alle ingiustizie e a cercare sempre la verità come guida. Anche il tema della fine dei conflitti internazionali assume un ruolo importante nella narrazione di “Turning Point”: «Mai più battaglie, chiudiamo agli orrori, e apriamoci all'umanità», è un appello alla pace e all'umanità che funge da un fil rouge per l’intero album, mostrando la visione di Occhic per un domani migliore. “Turning Point” è un album che ci insegna ad aprire menti e cuori a noi stessi e agli altri, permettendoci di osservare oltre, al di là del giudizio, dell’inerzia, dell’ingiustizia e di una tolleranza alla violenza che non può più essere concessa. Un manifesto sincero di attualità e necessità di cambiamento, che nell’emblematica frase «Non vergognarti di mostrare il tuo cuore», racchiude il senso di un’era dominata dall’indifferenza, dall’individualismo e da un torpore, da una nebbia sul cuore che ci impedisce di scorgere i reali bisogni, nostri e del prossimo. Un'era in cui l'autenticità, la comprensione e il coraggio di affrontare le verità scomode sono le uniche chiavi per aprirsi ad un futuro più giusto e inclusivo.

Dopo l'emozionante introspezione del suo primo singolo "Io", in cui ha dimostrato che i limiti sono solo nella mente e che, anche in un mondo bianco e nero, si può traslare dall'essere sognatori che non vedono l'orizzonte a fare del cielo la propria casa senza confini, Mocky torna con "Non ci scotta più". In questo brano, il cantautore, attore e regista italiano, noto per le sue web serie come "Odio il Mio Migliore Amico" e il fan film "The Last of Us Forsaken", si ispira alla celebre “Africa” dei Toto per ricreare atmosfere tranquille e spensierate, trasportando l’ascoltatore in una dimensione sonora di libertà e serenità. “Non ci scotta più” nasce in una domenica di aprile, mentre Mocky rifletteva sull'estate e su ciò che rappresenta per lui. L'estate, sin da bambini, è il traguardo più ambito, simbolo di relax, tranquillità e stacco dalla routine. Tuttavia, spesso porta con sé vecchi ricordi e una nostalgia difficile da superare. Con questa canzone, il giovane artista pugliese celebra il superamento di quei ricordi, dichiarando con forza, consapevolezza e maturità che finalmente "non ci scotta più". Prodotto dal talentuoso Saverio Autorino, in arte SaverreO, il brano è un mix perfetto di suoni che richiamano il mare e le vibes estive. Una canzone leggera che accarezza il cuore, perfetta per un ascolto rilassato mentre si è diretti verso il mare. Mocky e SaverreO hanno lavorato insieme per creare un suond che evocasse la sensazione di essere sulla spiaggia, chiudendo gli occhi e lasciandosi trasportare dalle onde sonore. Nel testo, i sentimenti di nostalgia e liberazione, vengono espressi mediante immagini vivide e poetiche. Liriche come «Il sole sulla pelle, una spiaggia di perle, e i tuoi occhi sempre più blu» richiamano momenti di pura bellezza, di quella meraviglia che bussa alla porta dell’anima con l’arrivo della bella stagione. Il ritornello, «E chiudiamo l'ombrellone, tanto non ci scotta più», simboleggia il superamento del passato e l’abbraccio di un nuovo inizio. La canzone si configura così come un piccolo inno alla rinascita e alla gioia di vivere, trasmettendo un messaggio di positività che invita a guardare avanti e a lasciarsi alle spalle i vecchi dolori. «Innamorate sere d'estate, quelle che non finiscono mai, quelle calde un po' come a Dubai», canta Mocky, sottolineando come le esperienze estive, seppur fugaci, siano intrise di magia e intensità. Mocky non si limita a raccontare l'estate come un semplice momento di pausa, ma ne fa l’emblema della rinascita, personale e collettiva. Quegli «occhiali da sole per le anime da sole, che non si cercano più» richiamano, con un’incredibile profondità mascherata da leggerezza, la solitudine che a volte accompagna le nostre vite e come l'estate possa essere un'occasione per riconnettersi con se stessi e con gli altri. «La musica ha troppe sfaccettature per essere descritta in poche righe – dichiara Mocky -. È una delle cose più presenti nella nostra vita, non c’è giornata senza che ascoltiamo musica. Persino il suono del traffico che ci accompagna la mattina a lavoro è musica. Con le mie canzoni, vorrei poter trasmettere me stesso. Durante il lavoro con SaverreO, ho provato a sedermi e chiudere gli occhi finché non riuscivamo a tirare fuori un suono che mi facesse sentire al mare. Quando scrivo una nuova canzone, non penso tanto alla commercialità che potrebbe avere, ma al senso di ciò che sto facendo. Le frasi che scrivo, ogni minima parola, hanno un peso enorme per me. Il mio obiettivo è sempre quello di trasmettere me stesso e poter essere di conforto, sollievo a chi mi ascolta, regalando un’emozione.» Con "Non ci scotta più", Mocky esplora nuovi territori musicali, regalando al pubblico una carezza che profuma di salsedine e di stelle. La sua musica è un rifugio, un luogo in cui le emozioni si trasformano in melodie e parole che toccano il cuore di chi ascolta.... Continua a leggere

L'inventiva e la sensibilità artistica di Andrea Tramacere tornano a sorprendere dopo il successo di “Se Potessi” e “Finalmente”. Con il suo nuovo singolo, “La Felicità” (SL Music Production), il cantautore rodigino ci regala un messaggio di positività e speranza, invitando tutti a riscoprire la gioia nelle piccole cose della vita quotidiana. Fuori dal mainstream, dentro la gioia, Andrea si rivolge al mondo dei "looser", a quel pezzo di mondo senza la patina, a tutti coloro che Paolo Vallesi, negli anni '90, definiva "inutili": persone che non si vedono, non si sentono, ma che esistono e nel loro silenzio fanno rumore. Prodotto e co-scritto da Steve Luchi (già per Articolo 31, J-Ax, Irene Grandi e molti altri) in collaborazione con Andrea Casamento, “La Felicità” è una canzone che si distingue per la sua apparente leggerezza e spensieratezza, ma che in realtà porta con sé un significato profondo. Il brano, nasce da una riflessione di Andrea: vivere al meglio il quotidiano con positività, serenità e un pizzico di ironia. Come afferma lo stesso artista: «Fortunatamente sono una persona felice e vorrei che lo fossero tutti. Certo, la vita non è sempre e solo felicità, ma credo che approcciarsi il più positivamente possibile alle cose belle e a quelle meno belle possa essere un buon presupposto per essere felici. Questa canzone vuole dare un messaggio di positività a tutti, affinché si possa essere felici nonostante le avversità.» Il testo della canzone è uno scrigno di racconti, storie ed immagini suggestive che narrano la gioia di vivere attraverso le difficoltà. Un esempio emblematico è il passaggio «Tutti diversi ma uguali, facciamo gli stessi errori, intrappolati sospesi felici ma solo a metà, siamo creature speciali, voliamo senza le ali, cercando quello che poi abbiamo già». Questi versi, capaci di emozionare sin dal primo ascolto, riflettono l'essenza del messaggio di Andrea, sottolineando come, nonostante le differenze e gli errori, tutti cerchiamo la felicità dimenticandoci che, molto spesso, è già nelle nostre mani. Nel ritornello, l’artista gioca con la parola "spasso" per evidenziare la duplice accezione del termine: «La felicità viene a spasso con me» può infatti significare sia che la felicità lo accompagna, ma anche che la felicità è divertimento e leggerezza, uno spasso che possiamo concederci solo se siamo in grado di coglierlo nella semplicità e nella bellezza del momento presente. Questo gioco di parole rafforza il concetto che tutto è dentro di noi e nessuna emozione può essere ricercata e trovata al di fuori del nostro cuore. Il videoclip ufficiale del brano, diretto da Marco Samiolo, vede Andrea percorrere le strade della città, mentre contagia di energia positiva chiunque incontri con fiori, sorrisi, palloncini e abbracci. Un gesto semplice ma potentissimo che ci ricorda come la gioia sia un qualcosa che si può diffondere e condividere, rendendo il mondo un posto migliore. In una scena musicale sempre più dominata da produzioni elaborate e complesse, "La Felicità" si distingue per la sua semplicità e autenticità. Andrea Tramacere ci invita a guardare oltre le difficoltà quotidiane, a trovare significato e gioia nelle piccole cose e a riscoprire la meraviglia e la gioia che risiedono dentro di noi. Con la sua capacità di intrecciare ironia e profondità, Andrea Tramacere si conferma come uno degli artisti più originali e ispirati del panorama musicale italiano contemporaneo.

L'estro creativo e ribelle di Al Vox torna a sorprendere dopo il successo dell'EP "Canzoni MaledettEducate", nel quale ha esplorato differenti sonorità mantenendo la sua cifra stilistica unica. Con il suo nuovo singolo, "La Canzone Minimale" (PaKo Music Records/Believe Digital), il cantautore ligure mette in discussione le convenzioni della musica pop moderna, proponendo una riflessione audace e ironica sulla natura stessa della canzone. Il brano sfida le aspettative del pubblico e dei critici, regalandoci una composizione volutamente semplice che cela un messaggio profondo e provocatorio, generato da un'idea rivoluzionaria, in perfetto stile Al Vox. "La Canzone Minimale" nasce infatti da una considerazione sorta in seguito ad un’affermazione di Claudio Cecchetto, secondo cui le canzoni, col passare del tempo, sarebbero diventate sempre più brevi. Al Vox ha deciso di sovvertire questa previsione confrontandosi con il paradosso di creare un pezzo che, per sua stessa ammissione, non dovrebbe lasciare un segno indelebile: «È una canzone Minimale, nessun annuncio sul giornale. Non è intelligente, non farà cantare la gente». Attraverso questa traccia, l’artista non solo indaga l'idea di semplicità musicale, ma lancia anche una critica sociale. Il brano diventa un esperimento per capire quanto una melodia apparentemente semplice possa in realtà rimanere impressa nella mente degli ascoltatori. Il testo suggerisce infatti che, in un mondo sempre più distratto dal gossip e dalle questioni banali, la musica minimalista potrebbe passare inosservata, ma non per questo andrebbe reputata meno significativa «perché è minimale». Mediante una serie di incisive metafore, Al Vox trasmette il suo messaggio richiamando l'idea di un ritorno alle origini – come si evince nel passaggio «istinto animale perché primordiale» e nella chiusura, «ma che belle stelle, istinto ancestrale» - dove la semplicità si pone in netto contrasto con la complessità e la superficialità del mondo moderno. Il ritornello, ipnotico e iterativo, crea un effetto di persistenza che sfida l'idea iniziale di non lasciare il segno. «"La Canzone Minimale" – spiega l’artista - è nata come un esperimento. Volevo vedere se una canzone semplice, senza grandi arrangiamenti o pretese, potesse ancora toccare il cuore delle persone. È una critica al menefreghismo e alla superficialità della nostra società, ma è anche un invito a trovare bellezza e significato nelle cose semplici. Spero che, nonostante la sua semplicità, questo brano possa rimanere in testa e aprire qualche occhio, o semplicemente divertire.» Cantautore, attore, regista, polistrumentista e scrittore, Al Vox è dotato di una finezza d’animo di raro riscontro e di una versatilità che gli consentono di spaziare agevolmente dal canto alla recitazione, dalla scrittura alla composizione e dalla fase embrionale di un progetto artistico alla sua completa realizzazione. In un panorama musicale sempre più dominato da produzioni elaborate e complesse, "La Canzone Minimale" si fa spazio come una provocazione elegante e intelligente. Il suo autore ci invita a guardare oltre la superficie, a trovare significato nella semplicità e a riflettere su ciò che davvero rimane impresso nella nostra memoria. Con un’incredibile capacità di stupire e smuovere le menti, mescolando abilmente ironia e profondità, Al Vox si conferma come uno degli artisti più originali, completi, eclettici e stimolanti del panorama musicale italiano contemporaneo.... Continua a leggere

Con "Povero Re" ha rivoluzionato il concetto di empowerment femminile nella musica italiana, dando prova di essere una delle voci più potenti e ribelli della scena contemporanea ed ora, a pochi giorni dall'inizio dell'estate, la cantautrice pistoiese dall’animo cosmopolita Giorgia Giacometti, torna in radio e nei digital store con "Chimera", il suo nuovo singolo che sovverte cliché e convenzioni abbracciando un sound ancora più rock, deciso e sensuale. Prodotto dall’inconfondibile tocco di Jason Rooney e arricchito dalle chitarre di Paco Martucci, "Chimera", registrato al Billa Billa Records di Milano, è un mix esplosivo di elettropop e rock anni '80 su cui si articola una storia di desiderio, inganno e libertà. Giorgia Giacometti, insieme a Giuseppe D’Albenzio e Antonella Sgobio, ha scritto il brano per raccontare l’importanza di vivere senza rimorsi e compromessi, catturando l’anima, il carisma, e l’essenza di una giovane donna che da preda fragile e dipendente, da relazioni tossiche e asimmetriche, diventa libera e audace; una vera e propria “Chimera” inarrivabile che trasforma così il cacciatore in preda. «Non voglio rimorsi, soltanto ricordi, no compromessi», canta Giorgia, ribadendo la sua filosofia di vita, priva di rimpianti e orientata alla piena realizzazione personale. Il messaggio è chiaro: vivere intensamente, assaporando ogni momento e rendendo ogni esperienza un ricordo prezioso. Seguendo la scia di “Povero Re”, ed accentuandone il carattere risoluto e sovversivo, Giorgia afferra con le unghie e con i denti una vita vissuta alle proprie condizioni, convertendo la sensibilità e l’emotività, ancora troppo spesso equiparate a debolezza, in astuzia, coraggio e determinazione, ribadendo così la sua indipendenza e la sua capacità di trasformare i limiti in opportunità per dimostrare il proprio valore. Nella suggestiva metafora della chimera, desiderio e inganno diventano sole e luna di uno stesso cielo, luci ed ombre del medesimo dancefloor, su cui le fragilità di una donna si liberano dalle catene degli stereotipi al ritmo dei propri desideri, sogni ed obiettivi, dissolvendosi nell’illusione di una “Chimera” che il cacciatore non può più possedere. La canzone si apre con una dichiarazione d’intenti che non lascia spazio a malintesi: «Voglio una vita corretta col gin, come Madonna che balla a MTV, con i miei guai nelle tasche dei jeans, mi piace così, ti piace così». Questo esordio, cattura istantaneamente l'attenzione, trasportando l’ascoltatore in una dimensione parallela intrisa di indipendenza e libertà, un mondo in cui Giorgia vive secondo le proprie regole, immune dai giudizi altrui. Nel testo, saturo di sensualità e ricco di eleganti provocazioni, il ritornello «Sono la tua Chimera, voglio che mi guardi nuda, bianca sulla pelle scura, mentre tu mi implori ancora» sottolinea la consapevolezza di sé e il potere di scelta della protagonista, mettendo in luce il suo dominio sulla propria identità e sulle proprie aspirazioni. Un’egemonia che nella frase chiave «Sembri dolce ma sai di caffè», richiama l'immagine di una persona che, pur apparendo tenera, ha una natura forte e intensa, simboleggiando il contrasto tra l’apparenza e la sostanza. «Con “Chimera” – dichiara Giorgia Giacometti - ho voluto trasporre in musica il potere della libertà e dell'autodeterminazione. Con Giuseppe D’Albenzio e Antonella Sgobio, ho cercato di raccontare al meglio la forza interiore di ogni donna, e l’importanza di vivere secondo le proprie regole trasformando le proprie fragilità in punti di forza. In un mondo che spesso ci impone ruoli e aspettative, “Chimera” è un canto di ribellione che celebra la nostra autentica essenza. Spero che questo brano ispiri chi lo ascolta a liberarsi dalle catene degli stereotipi e a vivere con coraggio e determinazione seguendo la propria natura.» Un inno alla libertà individuale, alla forza interiore e alla capacità di autodeterminarsi con cui la cantautrice toscana canta la forza femminile e l'emancipazione, portando avanti una narrazione che incoraggia ciascuno di noi a vivere autenticamente e senza paura. Il videoclip ufficiale che accompagna il brano, diretto da Claudio Zagarini e girato all’Evolution RenTV di Milano, amplifica ulteriormente il messaggio della canzone. In esso, Giorgia interpreta il ruolo della Chimera, una figura sfuggente e potente che incarna il desiderio e la libertà, muovendosi con una sicurezza e una sensualità che lasciano il segno. Con "Chimera", Giorgia Giacometti invita tutti noi a sfidare le aspettative sociali, a vivere senza rimorsi e a prendere il controllo del proprio destino, rappresentando una figura forte, indipendente e inarrestabile.

A metà strada tra la freschezza del pop e le sfumature malinconiche tipiche dell’emo, SAVET torna sulle scene con "Mangiacuore". Il brano, nato da un'idea del cantautore toscano e sviluppato con il producer YVNG NØIZE, offre un'atmosfera immersiva unica, che accarezza l'indie e flirta con le onde emotive dell’elettronica. "Mangiacuore" è un tuffo nei flashback generati dai sentimenti, una canzone che cavalca la tumultuosa montagna russa di emozioni che segue la fine di una relazione. I ricordi, sia dolci che dolorosi, tornano alla mente con vivida intensità: dai giri senza meta all’Ikea alle domeniche passate a sognare insieme, ogni piccolo dettaglio diventa un frammento di una storia ormai conclusa. Con chitarre elettriche e synth a fare da cornice, SAVET ci conduce attraverso questo viaggio emozionale, dove malinconia e rabbia si mescolano in un mix irresistibile che abbraccia il cuore. Nel testo, ricco di metafore evocative come «la calma pugnalata dall'orgoglio» e «bouquet di scuse vuote per me, erano rose per te», viene richiamata l'asimmetria emotiva di una relazione giunta al capolinea. La calma, simbolo di serenità e pace, viene brutalmente interrotta dall'orgoglio, che con la sua lama affilata, distrugge ogni possibilità di riconciliazione. Le scuse, che una volta potevano sembrare sincere e cariche di affetto, si rivelano vuote e prive di significato, lasciando solo un velo di amarezza sull’anima. SAVET descrive "Mangiacuore" come un ultimo viaggio nei ricordi di un rapporto amoroso, un modo per fare il punto su ciò che è stato vissuto, per poi accettare la fine e trovare la forza di guardare avanti. Ogni oggetto legato alla coppia diventa un simbolo di momenti passati: «Lacrime sulla coperta blu cobalto, dal bene al male solo un piccolo salto, strappi i biglietti del nostro primo concerto, siamo due cuori bulletproof allo scoperto». Questi versi, intrisi di nostalgia, rappresentano la transizione dalle memorie felici alla dura realtà della separazione. L'atmosfera energica del brano, arricchita da un retrogusto sad malinconico, riflette perfettamente il tumulto interiore che accompagna la fine di una storia d'amore. SAVET racconta questa esperienza posando la sua voce su un sound, magistralmente curato da YVNG NØIZE, che aggiunge profondità e complessità al pezzo, rendendolo un ascolto avvincente e coinvolgente. «”Mangiacuore” – spiega l’artista – è una canzone molto personale, un cammino nei ricordi e nelle emozioni di una relazione finita. Ho voluto catturare l'essenza di quei momenti, sia positivi che negativi, per poter prendere consapevolezza della fine e guardare oltre. È un brano che parla di amore, di perdita, di crescita e di accettazione.» SAVET, al secolo Salvatore Tannura, è un cantautore nato nel 1998 a Pisa, con radici siciliane e francesi. La sua passione per la musica si sviluppa sin dalla giovane età, portandolo a studiare con esperti del settore e a collaborare con vari arrangiatori e produttori. Nel corso della sua carriera, ha aperto concerti per artisti come Ron e partecipato a numerosi concorsi, ottenendo riconoscimenti a livello locale e nazionale. Nel 2018, raggiunge i 70 finalisti nazionali di Area Sanremo con il brano "Manicomio in Festa". Nel 2022, vince il Pride Contest e si esibisce al Toscana Pride di Livorno davanti a circa 30.000 persone. La sua discografia include brani come "Per Conquistare Marte", "Tornadi Sfocati" e "LIVIDI", che hanno contribuito a definire il suo stile unico, un mix di pop, indie ed influenze elettro-emo. Con "Mangiacuore", accompagnato dal videoclip ufficiale diretto da Daniele Dell'aversana, SAVET continua a sondare nuovi territori musicali, regalando al pubblico canzoni che accarezzano il cuore ed evidenziano la sua continua crescita artistica. Il progetto di SAVET è in costante evoluzione, sempre alla ricerca di nuove sonorità e modi per esprimere le sue emozioni più autentiche.... Continua a leggere

Dopo aver dominato le classifiche radiofoniche indipendenti per tutta la primavera con "La Voglia Che Mi Fai", il duo di fratelli forlivese Ferrinis si prepara a fare l'en plein con "Forte!", il nuovo singolo che promette di diventare una vera e propria hit per l’estate 2024. Scritta e composta dagli stessi Ferrinis, “Forte!” è una ballad dal ritmo audace ed energico, che mescola abilmente sonorità dembow ispirate ai colori della Repubblica Dominicana con una narrazione travolgente di passione e attrazione; il perfetto mix per far ballare e divertire il pubblico durante le serate più calde dell’anno. Un sound esplosivo e provocante, su cui si riversano sensuali liriche di desiderio per raccontare la connessione fisica ed emotiva che cattura l'essenza di un flirt estivo. Con "Forte!", i Ferrinis vogliono trasmettere vibes di energia positiva per poter abbracciare pienamente la leggerezza e i battiti del cuore che scandiscono il ritmo delle feste in spiaggia e delle notti in riva al mare, rendendole ancora più magiche, elettrizzanti ed indimenticabili. Il singolo esce a pochi mesi di distanza dal loro primo omonimo album "Ferrinis" e sarà incluso come seconda traccia nella versione deluxe del disco. Per Maicol e Mattia, "Forte!" rappresenta una dinamica svolta nel loro repertorio: con un ritmo deciso e appassionato che richiama i suoni d’Oltreoceano affondando le radici nel cuore dell’America Centrale, il brano enfatizza l'intensità e la potenza di un sentimento impetuoso nato «tra l'illusione e l'inganno», creando un'atmosfera contagiosa che incita a ballare e a lasciarsi andare, gettando a terra le catene dello stress per abbandonarsi completamente a quelle metaforiche del cuore. Il tema delle "catene" viene abilmente catturato dai due artisti nel verso «catene, catene, non quelle che indossi al collo, ma invece le hai strette intorno a me», che mette in luce l'ambiguità e il timore di un coinvolgimento inatteso all’interno di una relazione che infiamma e che lascia «i segni addosso in modo indelebile», come un’insolazione imprevista sotto l’ombrellone e spessi strati crema solare. Catene che spaventano, ma che possono renderci liberi, liberi di amare e di essere davvero noi stessi, come in «un privé con porte blindate» arredato per due che nel passaggio «tu che non volevi legarti, ma poi hai legato me e con le tue catene stringi sempre più», esprime perfettamente la forza dell'attrazione e la difficoltà di resistere ad un amore travolgente. La ripetizione ritmica e la crescente intensità della melodia di “Forte!”, lo rendono un vero e proprio inno alla passione che esorta gli ascoltatori a farsi trasportare dalla musica e dalle emozioni. «Abbiamo scritto questo brano – dichiarano i Ferrinis - pensando alle notti d'estate, quando l'energia è palpabile e l’apertura a nuovi sentimenti si fa più intensa. Vogliamo che chiunque ascolti il pezzo senta quella carica di adrenalina e gioia che abbiamo provato noi in studio. È una canzone che parla di passione e di connessione, perfetta per ballare, divertirsi e amare.» Con una produzione curata nei minimi dettagli che riflette l'abilità dei Ferrinis di creare brani energici e al contempo emozionalmente risonanti, questo singolo, accompagnato dal videoclip ufficiale girato tra gli incantevoli scenari delle Cinque Terre e diretto da Alessandro Murdaca, è destinato a diventare la colonna sonora dell’estate 2024, capace di accendere le notti e far ballare il pubblico fino all'alba.

Dopo il caloroso riscontro ottenuto con "Finirò per crederci" e "Voglio Viverla Perché", Vincenzo Baiata torna a far parlare di sé con una nuova versione del suo ultimo successo. "Voglio Viverla Perché - DJ Aniceto RMX" arriva per accendere l'estate con una carica di energia e passione, grazie ad un remix che rivoluziona e impreziosisce uno dei brani più toccanti e suggestivi della discografia di Baiata. La collaborazione tra il cantautore siciliano e il noto Dj e personaggio televisivo non rappresenta solo l’incontro tra due artisti straordinari, ma un vero e proprio dialogo creativo che trasforma il brano originale in un’irresistibile hit per le piste da ballo italiane. DJ Aniceto, ampiamente riconosciuto per il suo impegno sociale e per la sua lotta contro le dipendenze, porta all’interno della traccia la sua visione unica, amplificandone il messaggio con ritmi accattivanti ed un sound che cattura e rimane impresso nella mente sin dal primo ascolto. «Questa canzone – spiega Baiata - nasce da una profonda riflessione sulla vita, sulla necessità di viverla pienamente, senza lasciarsi condizionare dalla negatività altrui. Con questo remix, io e DJ Aniceto, vogliamo spingere ancora di più il messaggio, invitando tutti a celebrare ogni istante senza riserve.» La direzione artistica di Massimo Galfano e gli arrangiamenti del Maestro Giuseppe Denaro hanno contribuito a creare un suono che è al tempo stesso moderno e rispettoso della versione originale. Il testo del brano, con la frase-mantra «Voglio viverla così, voglio esserci perché», esprime il desiderio di immersione totale nell'esperienza della vita, invitando gli ascoltatori a scacciare le incertezze e ad assaporare il presente con genuina autenticità, una chiamata a non perdere le opportunità che ogni istante ci offre. «Sono entusiasta del lavoro svolto e non vedo l'ora che il pubblico possa ascoltare questa nuova versione», conclude Baiata, anticipando un'estate ricca di appuntamenti live, dove presenterà il remix insieme ad altri successi del suo repertorio. Il remix di "Voglio Viverla Perché", accompagnato dal suggestivo visual video ufficiale, promette di essere la colonna sonora ideale per chi desidera vivere la vita nel momento presente, combinando il talento lirico di Vincenzo Baiata e l'energia inconfondibile di DJ Aniceto. Una traccia che incoraggia tutti noi a danzare senza riserve sul dancefloor dell’esistenza, trasformando ogni istante in un irripetibile momento da vivere con positività e gratitudine.

Con l’estate alle porte e le giornate che si fanno sempre più calde, Masterman MC torna a sorprendere con "Inverno" (PaKo Music Records), il suo nuovo singolo in feat. con MeL che sfida le aspettative stagionali, guidandoci in un Old School senza tempo che attraversa le fredde sensazioni post rottura amorosa. Prodotto da Dr.Gui della crew A Maronna Records, "Inverno" è un'esperienza di introspezione e rinascita tradotta in barre e sonorità dal forte richiamo anni '90-'00, che farà istantaneamente battere il cuore ed evocherà i ricordi degli appassionati del rap vecchia scuola. «Il cuore batte a tempo, dentro sento un vuoto orrendo», canta Masterman MC in un ritornello che, con la partecipazione di MeL, diventa il collante perfetto di un pezzo che parla di dolore, ma anche di speranza e riscatto. "Inverno" racconta con sincerità le sofferenze provate dopo la fine di una storia d'amore, e la voglia di scrollarsi di dosso il passato per ritornare a vivere appieno. Il testo, interamente scritto dall’artista casertano, è una narrazione intensa e incisiva delle battaglie interiori che seguono un addio. Nelle suggestive immagini espresse in liriche come «E resti una chimera che viene a visitarmi in sogno, dandomi linfa per riempire d'inchiostro il foglio», Masterman MC ci fa entrare nel suo mondo, un mondo in cui l’arte diventa il principale mezzo di guarigione e di espressione. Le sue rime graffianti si trasformano nella cronistoria di emozioni crude e profonde, offrendo agli ascoltatori un ritratto onesto delle sue esperienze personali. La collaborazione con MeL, impreziosisce il brano con un tocco di eleganza e sentimento: la sua voce, calda e delicata, non solo enfatizza il messaggio del pezzo, ma crea una connessione emotiva che unisce tutti coloro che hanno vissuto il dolore di una separazione. «Scalda questo inverno», ripete MeL con dolce insistenza, convertendo il freddo interiore nel fuoco della speranza e del desiderio di rinascere dalle ceneri di un rapporto ridotto in polvere. Perché nonostante il tormento, dall’”Inverno” del cuore si può riemergere con la determinazione di voltare pagina per abbracciare nuove ispirazioni, come magistralmente evincibile dal verso «le cicatrici sono chiuse e la vita va avanti sai, arriveranno altre muse a riaccendere sti focolai». «Con “Inverno” – dichiara Masterman MC - ho voluto sfogare le emozioni che si provano dopo la fine di una relazione. È un brano che parla di dolore, ma anche di speranza e rinascita. Spero che chi lo ascolta possa trovare conforto nelle mie parole e nella mia musica, e che possa sentirsi meno solo nelle proprie battaglie interiori. La collaborazione con MeL ha aggiunto una dimensione emotiva in più al pezzo, e sono grato a Dr.Gui per aver creato una produzione che rispecchia perfettamente l'essenza del brano.» Un inno alla capacità umana di superare il dolore e trovare forza nelle avversità, che nella frase conclusiva «E penso basta. È tempo di risorgere adesso», lascia un messaggio chiaro che dalle orecchie arriva dritto all’anima: il momento della rinascita è ora, e ognuno ha il potere di trasformare le proprie ferite in punti di forza. Masterman MC riesce a costruire un ponte tra il passato e il futuro, tra le cicatrici invisibili e la speranza tangibile di nuovi inizi, confermando ancora una volta il suo talento nell'utilizzare la musica come strumento di narrazione e guarigione.

In sole due settimane dall’uscita su TikTok ha collezionato oltre 400 creazioni e 6 milioni di visualizzazioni, ed ora “Nuit” (Daylite /ADA Music Italy/Warner Music Italy), il nuovo singolo del giovane trapper torinese Claro, approda su tutte le piattaforme digitali. Grazie alla spinta della creator Alice Mordenti, il brano è già diventato un fenomeno virale sui social, e promette di essere il suono dell’estate 2024. Prodotto dal sapiente tocco di Siccome e scritto dallo stesso Claro, "Nuit" prende forma da un contesto buio, dove nel cuore della notte affiorano pensieri, dubbi, rimorsi e paranoie. La traccia è incorniciata da un tono allegro e spensierato che maschera abilmente questi sentimenti, rispecchiando esperienze e situazioni comuni a molte persone. Un racconto di vita tra sentimento e successo, la storia di un ragazzo di provincia che si trova dinanzi al bivio tra fama e amore: cresciuto in un ambiente di invidia e rivalità, il protagonista della narrazione cerca di realizzare il sogno nascosto nella sua cameretta, affrontando le sfide e le contraddizioni del suo percorso. Il brano invita a credere in se stessi e nei propri desideri, utilizzando tutto ciò che ci rende infelici come una corda per raggiungere l'obiettivo, come si evince dal verso-chiave del pezzo, «Credi sempre in te stesso e nei tuoi sogni, prendi tutto ciò che ti rende infelice e usalo come corda per raggiungere il tuo obiettivo. Prendi la Nuit, elabora i pensieri, sentimenti e paranoie, finché non svanisce tutto quando arriva la luce». Il testo di "Nuit" è ricco di fotogrammi che immortalano l'essenza delle notti insonni e dei pensieri che martellano mente e cuore. Claro dà ritmo ed espressione alla lotta interiore che sente dentro sé e all'urgenza di esternare i propri sentimenti, anche quando la voce è soffocata dal dolore. L’artista affronta le sue paure e le sue insicurezze con sincerità, come evidenziato nella lirica «il tuo nome rimbomba in testa, scrivo di notte ti prego basta». Nell’immaginario comune, in cui la notte è spesso sinonimo di solitudine e riflessione, l’artista trova il modo di trasformare le sue esperienze in un messaggio che arriva dritto e diretto agli ascoltatori sin dal primo play. «"Nuit" – dichiara - è un viaggio attraverso i pensieri e le emozioni che affiorano nella notte. Volevo catturare e dare forma, voce e suono a quella sensazione di essere intrappolato tra sogno e realtà, tra paura e speranza. Spero che questo brano possa aiutare le persone a sentire che non sono sole nelle loro battaglie interiori e che c'è sempre una luce alla fine del tunnel.» Con "Nuit", Claro dimostra ancora una volta la sua capacità di mescolare percezioni e realtà, regalando al pubblico un singolo che tocca le più profonde corde di chiunque abbia affrontato notti insonni e demoni personali. La sua abilità nel trasformare esperienze intime in musica lo rende una delle voci più autentiche e distintive della scena urban contemporanea.... Continua a leggere

Nikita, all'anagrafe Nikita Pelizon, modella, influencer, pittrice e personaggio televisivo celebre per la sua vittoria alla settima edizione del Grande Fratello VIP, pubblica "UNIKA", il suo nuovo singolo. Reduce dal successo di “Mojito” e della sua prima mostra "Oltre il Velo della Celebrità" curata da Divulgarti, durante la quale ha presentato le sue opere che fondono pop art e collage, riflettendo sulla vita e sull'esistenzialismo, Nikita continua a dar prova del suo eclettismo con nuove forme di espressione artistica attraverso un ritratto musicale destinato a dominare l’estate italiana. "UNIKA", scritto dalla stessa artista triestina nel 2020 e prodotto da Mignani Sajeevan, Lush, Gjuse, Guidi Mauro, Ivano Colombi e Cristian Rocco, è un inno per le donne di oggi in chiave pop-latin ironico e sensuale, un brano che celebra la forza e l’unicità femminile in un mondo sempre più complesso e digitalizzato. Con un testo incisivo e un ritmo coinvolgente, la canzone intende dare voce a tutte quelle persone che si sentono sopraffatte dalle aspettative sociali e mediatiche, offrendo un messaggio di incoraggiamento e riscatto. Temi come l’autenticità, il superamento dell’insicurezza e il risveglio personale, molto cari e vicini all’artista, vengono espressi nel brano con un’apparente leggerezza che nasconde in realtà una profonda riflessione, rendendo “UNIKA” una traccia stratificata, che presenta diversi livelli di significato che si svelano ascolto dopo ascolto. Nel testo, Nikita descrive l'impatto dei feed infiniti e delle fake news, mettendo in luce il loro potere sulla nostra percezione di noi stessi e del mondo. Il ritornello, «Tu ti senti guilty e non ti senti sicura, ma la verità è che sei unica», sottolinea come le pressioni esterne possano plasmare la nostra vita, facendoci sentire insicuri e colpevoli, ma ci ricorda anche che, nonostante tutto, ognuno di noi è unico con le proprie peculiarità, le proprie fragilità ed i propri punti di forza. Questo messaggio di empowerment e di sincerità è il cuore pulsante di "UNIKA", che riflette l'importanza di riscoprire la propria essenza in una società dominata dall'apparenza e dalla superficialità. «Ho sempre creduto nell'importanza di esprimere se stessi in tutte le forme possibili – dichiara Nikita -. Con “UNIKA”, ho voluto raccontare la mia visione del mondo digitale e dell'identità personale. Spero che questa canzone possa aiutare le persone a ritrovare loro stessi e la propria unicità in mezzo al caos dei social media.» Nikita parla direttamente all'ascoltatore, combinando la spensieratezza del sound all’introspezione delle liriche, utilizzando così la sua musica come strumento per affrontare le sfide e le difficoltà contemporanee e riconfermando il suo impegno nel promuovere valori positivi attraverso l'arte. La realizzazione del singolo, accompagnato dal videoclip ufficiale diretto da TastyTargetFilms, è stata supportata dalla collaborazione con Calzedonia, main partner del progetto. Il supporto di Calzedonia ha permesso a Nikita di trasformare la sua visione artistica in realtà, offrendo un amplificatore della sua creatività e del suo messaggio di emancipazione, grazie ad un brand che è da sempre al fianco delle donne e al passo con i loro obiettivi e le loro esigenze. L’accezione racchiusa in "UNIKA" è particolarmente rilevante in un'epoca in cui l'immagine e l'apparenza giocano un ruolo predominante nelle nostre vite. La canzone esorta gli ascoltatori a riflettere sulla propria autenticità e a celebrare la loro unicità, nonostante le pressioni e le aspettative che sempre più spesso guidano e soffocano la società moderna. Un invito a riscoprire se stessi, incoraggiando un ritorno alla genuinità in un mondo dominato dalle apparenze.

A poco più di due mesi dalla malinconia sognante di “555”, VENTU torna a conquistare il panorama musicale con "MIA (Wallace)", il suo nuovo singolo. Una narrazione oscura e affascinante, ispirata all'iconica figura di Mia Wallace, interpretata da Uma Thurman nel capolavoro di Quentin Tarantino, Pulp Fiction. Questo brano porta con sé un'atmosfera intensa, quasi ancestrale, dove l’energia elettrizzante del rock che caratterizza le release di VENTU sin dagli esordi, si intreccia con sfumature pop-elettroniche ed un testo fortemente evocativo, trascinando l'ascoltatore in un vortice di emozioni accese e contrastanti. L'incontro tra due anime spezzate, immerse in un mondo dominato dal nero, sia nell'abbigliamento che nei cuori di chi lo abita, cuori che elargiscono amore con il contagocce e si perdono in notti dove sogno e realtà hanno lo stesso riflesso, in un gioco di specchi tra il sé e l'altro; questa la genesi del brano, come lo stesso VENTU ha dichiarato: «È notte fonda, e per la prima volta ritorno in un club dopo mesi. Entro, vado al bancone e mi volto verso la pista. Vedo lei, ma non sono il solo a guardarla, anzi, non c'è nessuno che non la guardi. Capelli rossi di fuoco, occhi color catrame. Chiunque sta sognando di averla, ma con scarsi risultati. Balla per se stessa ed è interamente vestita di nero, vorrà confondersi con il suo io interiore, penso. Qualcosa mi incuriosisce, e dopo averla osservata attentamente mi rendo conto di conoscerla da tutta la vita... Era la mia, Mia Wallace.» La misteriosa complice dai capelli di fuoco e gli occhi color catrame diventa la musa di una danza tra ombre e luci, al ritmo incalzante di chitarre elettriche suonate con impeccabile maestria e arrangiate dall’abilità dei compositori Max Elias Kleinschmidt e Chazz Shirley. Il testo di "MIA (Wallace)" si dispiega come una lampo nel buio più profondo, un affresco di immagini scattate dalle pulsazioni che si intensificano ad ogni battito, dipingendo un quadro di passione che colpisce dritto al cuore. Quella descritta nel brano è una figura enigmatica e affascinante, un "angelo caduto" che danza fino all’alba, sotto mille sguardi destinati al rifiuto. Nella ripetizione ossessiva del nome "Mia Wallace", VENTU, con la sua voce graffiata che si insinua nelle pieghe dell’anima sin dal primo ascolto, enfatizza l'importanza e la centralità di questo personaggio, una donna decisa e risoluta, che sa ciò che desidera, ma soprattutto ciò che non vuole. In quel nero che cela con la sua fine eleganza il fardello di un Io che teme di mostrarsi, si fa spazio il tentativo di entrambi i protagonisti di trovare se stessi in una contemporaneità piena di illusioni e inganni. L'abbigliamento diventa l’emblematica metafora della loro ricerca interiore, un modo per affrontare e comprendere la propria identità. «"MIA (Wallace) – prosegue l’artista, concludendo -, è una canzone molto personale per me. Ho voluto catturare l'essenza di quell'incontro magico e trasformarlo in musica. È un brano che parla di amore, di desiderio, di ricerca di sé, di tematiche senza tempo ed epoche riversate su sonorità che spero possano accarezzare e travolgere i sensi di chi ascolta.» Con "MIA (Wallace)", VENTU dà voce ad un mondo in cui il rock puro, vigoroso e potente, sa fondersi con la delicatezza leggera del pop, proprio come le anime degli innamorati, delle persone che si sentono perse finché non si ritrovano l'una negli occhi e nel cuore dell’altra. Questo brano non è semplicemente un altro singolo, un tassello aggiunto ad un collage musicale, ma una dichiarazione d'intenti, una finestra aperta sull'oscurità e la passione che abitano l'animo umano, capace di coinvolgere profondamente e lasciare un segno indelebile.... Continua a leggere

I 3nema tornano a sorprendere con "Destiny", il loro nuovo singolo che celebra la resilienza e l'importanza di non arrendersi mai. Questo pezzo, scritto e composto dalla stessa band gardesana, rappresenta un importante appello per ogni ascoltatore: non smettere mai di lottare per tracciare il proprio destino. Il brano trae ispirazione dalla celebre poesia del viandante di Antonio Machado, “Caminante, no hay camino”: questa poesia, che ha profondamente influenzato i 3nema, è diventata una sorta di manifesto per la band, una guida nella loro vita e nella loro carriera. «Scrivendo il testo, ci siamo ispirati al discorso di Machado – raccontano - . Ognuno di noi deve dar forma al proprio destino: “Viandante, non esiste sentiero, il sentiero si fa camminando". Sì, il destino si fa camminando, costruendo il proprio futuro passo dopo passo.» Il testo di "Destiny" è un mosaico musicale di speranza e determinazione su cui si staglia il disegno di un domani frutto dei propri sogni, un domani figlio dei pensieri e delle azioni di oggi. «I want to be free, this love can save me, this is reality, your hand can take it, and this is your destiny» («Voglio essere libero, questo amore può salvarmi, questa è la realtà, la tua mano può prenderlo, e questo è il tuo destino») cantano i 3nema, incitando il pubblico a credere nella propria capacità di cambiare la realtà. Un richiamo alla libertà personale e alla forza interiore, valori che i tre artisti lombardi hanno sempre sostenuto attraverso la loro musica. Musicalmente, "Destiny" combina la melodia avvolgente tipica del rock con una produzione intensa e coinvolgente. Ogni nota e ogni parola sono pensate per risuonare nel cuore degli ascoltatori, guidandoli a riflettere sulla loro capacità di plasmare il proprio destino. «Your destiny, don't you stop, you can do it, let's groove together, and feel better» («Il tuo destino, non fermarti, puoi farcela, balliamo insieme e sentiamoci meglio») recita un altro passaggio chiave del brano, esortando a non fermarsi mai e a trovare conforto nella musica e nella condivisione. «Questa canzone – prosegue la band, concludendo - parla della nostra filosofia di vita. Vogliamo che le persone capiscano che il destino non è qualcosa di predeterminato, ma qualcosa che si costruisce giorno per giorno, con coraggio e determinazione. Con questa traccia, speriamo di poter ispirare chi la ascolta a non arrendersi mai e a credere sempre nelle proprie potenzialità.» "Destiny" non è solo un titolo, ma un vero e proprio incoraggiamento a coltivare le proprie ambizioni e la propria autodeterminazione, un promemoria sul potere personale di plasmare un destino che non è predeterminato, ma costruito ad ogni singolo passo. Questo brano ci guida alla scoperta delle nostre capacità, invitandoci a perseverare nonostante le difficoltà e a prendere in mano le redini del nostro futuro, trasformando i sogni in realtà attraverso tenacia, costanza, impegno e fiducia. Con questa release, capace di lasciare il segno sin dal primo ascolto, i 3nema si riconfermano una delle band più innovative e coinvolgenti della scena musicale italiana, in grado di unire melodia, testo e filosofia in un'unica, indimenticabile esperienza musicale.

«Vorrei essere una farfalla che vola libera, trasportata dal vento»: con questa lirica ambivalente, che evoca al contempo caducità e libertà, la giovane cantante catanese Laura Sorbello debutta nei digital store con "Perdersi Dentro", il suo primo singolo con cui affronta il dolore causato dalla perdita di un genitore e la lotta interiore per ritrovare se stessi. Frutto di un profondo lavoro introspettivo e della sinergia artistica con il suo staff discografico, il brano nasce da una conversazione con il suo manager e vocal coach, Massimo Galfano, il quale, ispirato dal toccante racconto di Laura, ha saputo trasformare le sue parole in un testo ricco di emozioni, sincerità e ricordi. La composizione è stata poi elevata dalle melodiche composizioni del Maestro Giuseppe Denaro, che ha arricchito la narrazione con la sua esperta sensibilità musicale. Un viaggio intimo e commovente nella vita di un adolescente che si confronta con uno dei dolori più grandi e trasformatori: la perdita del padre. Nato come un’autobiografia musicale, “Perdersi Dentro” è una finestra aperta e sincera sulle emozioni e sulle esperienze che hanno segnato la crescita e lo sviluppo artistico di Laura Sorbello, riflettendo su come tali eventi abbiano plasmato non solo la sua musica, ma anche la sua identità, il suo essere nel mondo. La solitudine e il turbamento interiore dell’artista fluiscono nel testo con versi come «E mi sento vittima di una finta verità»; questa frase, carica di disillusione, evidenzia la lotta contro le false narrazioni che spesso si costruiscono intorno al dolore personale. Un’immersione delicata e rispettosa in un cuore spezzato, un cuore che cerca di riconciliarsi con la realtà di una perdita irrimediabile e le conseguenze che questa ha lasciato nel tessuto della vita quotidiana. Un promemoria su quanto, le ferite invisibili, siano spesso le più difficili da guarire, un memorandum che guida l'ascoltatore a riflettere sulla complessità del superamento del lutto e sulla resilienza necessaria per andare avanti. E nella strofa conclusiva, «Perdersi dentro questo mare immenso, solo questo ha senso. Perdersi dentro, perdermi dentro, perdetevi dentro», l’artista utilizza la metafora del mare per rappresentare l'immensità del suo dolore e della sua ricerca interiore, invitando chiunque ascolti a non sfuggire al dolore, bensì ad accoglierlo, accettarlo, interiorizzarlo e convertirlo in luce, in piccole grandi onde che, con il loro moto, paziente e continuativo, scalfiscono e modellano anche le rocce più granitiche, rinnovando anche le realtà più inamovibili. Oltre al dolore, "Perdersi Dentro" si fa portavoce anche di un messaggio di forza e speranza. Laura Sorbello canta della sua decisione di resistere a chi tenta di deviarla dal suo percorso o di limitarla, come spiega lei stessa: «”Perdersi Dentro” vuole trasmettere anche un input positivo per dire no a chi tenta di farti smarrire la strada e a chi vuole tarparti le ali. È un inno alla forza interiore, un incoraggiamento a mantenere il proprio corso nonostante le avversità. Attraverso questo brano, voglio ispirare gli altri a trovare la loro voce, a riconoscere e rifiutare le influenze negative. È un promemoria che, nonostante le difficoltà, possiamo emergere più forti, più saggi e più veri a noi stessi.» L’artista sottolinea l'importanza di rimanere fedeli a se stessi, di resistere agli ostacoli esterni e di non permettere a nessuno di diminuire il proprio valore o potenziale, ringraziando al tempo stesso tutti coloro che ci hanno sostenuti, e soprattutto noi stessi, la nostra forza ed anche le nostre fragilità: «Un ringraziamento speciale va a mia madre Bianca – conclude -, che non solo ha saputo trasmettermi forza, determinazione e coraggio nell'affrontare tutto, ma che continua a sostenermi essendo la mia prima fan. Ringrazio inoltre tutto il team di Eventi e Management Italia, la sua scuola di canto The Vocal Music School, il mio manager Massimo Galfano e il maestro Giuseppe Denaro per il loro supporto e per aver saputo trattare un argomento così delicato e intimo.» Nata a Catania il 30 marzo 2009, Laura Sorbello ha iniziato a mostrare il suo talento musicale già in tenera età. La sua storia dimostra come la musica possa essere un rifugio, ma anche uno strumento di espressione e guarigione. Con "Perdersi Dentro", fa il suo audace ingresso nel mondo della musica, ponendosi anche come voce di una generazione che, nonostante le sfide, cerca di trovare la speranza, la luce e la forza necessaria per raggiungere i propri obiettivi.... Continua a leggere

Dopo aver catturato l’attenzione del pubblico lo scorso anno con il profondo quesito esistenziale espresso nel singolo "La Verità (fa male?)", il cantautore pugliese Pietro TheWhite torna sulle scene con un nuovo, toccante progetto musicale, "Vivere la Vita". Il brano, che ha tutte le carte in regola per diventare un vero e proprio manifesto per la sua generazione, quella degli attuali 30enni, si estende ben oltre il concetto di canzone, abbracciando un'esperienza personale e al tempo stesso condivisibile da molti giovani adulti italiani, che nasce dal cuore dell’artista durante un periodo di transizione cruciale, come lui stesso racconta: «Sentivo il bisogno di esternare le angosce e le ansie che noi trentenni viviamo quotidianamente, causate dal divario generazionale tra noi e i nostri genitori. Loro, a 20-25 anni avevano lavoro, casa, famiglia, mentre noi, a 30 anni, bè…Ci troviamo ancora a finire l'ennesima tesi, l’ennesimo master, le abilitazioni, i corsi di formazione…» Una disconnessione egregiamente espressa nel testo del pezzo, in cui Pietro fa fluire l’angoscia e la pressione sociale con una sincerità disarmante. Sin dal verso d’apertura, «Giornata depressa, l’autunno che avanza, il mare lo lascio lì, dalla finestra un cane che abbaia, un vento di tramontana», l’artista pugliese dipinge tra note e pause un quadro vivido della quotidianità e della lotta interiore di tanti giovani italiani che si trovano all’impasse, sospesi tra promesse infrante, sogni e aspettative disilluse, che nella seconda strofa, «mesi stressanti, la Merla di inverno, voglio uscire da questo inferno. Siamo precari, questa è la vita. Ma quando una famiglia??», si fanno strada con ulteriore crudezza, diventando lo specchio di una generazione funambola, alla continua ricerca di stabilità in un contesto sempre più incerto. Ma nel brano c’è spazio anche per la speranza e per una leggerezza necessaria: la canzone si sviluppa infatti in un crescendo emotivo che invita l'ascoltatore a vivere la vita autenticamente, senza lasciarsi influenzare dai giudizi esterni: «Vivere la vita solo come vuoi tu, Bésame fuerte no importa qué sexo eres. Noi siamo qui solo per vivere la vita, Vivere la vita solo come vuoi tu.» Queste parole sono un appello alla riscoperta del proprio "io" interiore, a vivere senza maschere e senza paura. Pietro TheWhite ci ricorda che la vita è un viaggio unico e irripetibile, e che dobbiamo assaporare ogni momento con autenticità e gioia. È una chiamata a liberarsi dalle catene delle aspettative altrui e a trovare la propria strada, seguendo i propri desideri e passioni, sottolineando l'importanza di rimanere fedeli a se stessi in un mondo che spesso cerca di imporre ruoli e comportamenti predefiniti. «Quante volte a causa delle pressioni sociali non ci siamo sentiti all'altezza di fare ciò che davvero ci piace? – prosegue Pietro, concludendo -. Bisogna imparare a credere che anche nei momenti bui è possibile trovare la forza per rialzarci, senza venire influenzati dai pettegolezzi della gente.» Dopo aver iniziato il suo percorso artistico nel 2015 presso la scuola di canto Cantarte a Padova, Pietro TheWhite, all’anagrafe Pietro Labianca, non si è più fermato. Ha affinato la sua tecnica vocale presso la scuola Mozart di Foggia, ottenendo riconoscimenti e diplomi di merito e pubblicando i suoi primi brani inediti. Il singolo d’esordio, "Mani", rilasciato nel 2018, ha segnato il primo passo di una carriera promettente. Nel corso degli anni, Pietro ha pubblicato diversi brani, partecipato a vari concorsi e collaborato con rinomati maestri e istituzioni musicali. La sua passione per la musica è evidente non solo nelle sue release, ma anche nelle sue parole: «Nel canto ritrovo me stesso, canto non solo per me, ma per trasmettere agli altri le emozioni che riesco a provare, nonostante questa mia passione mi sia sempre stata negata, proprio per via delle aspettative, dei miei e della società.» Con "Vivere la Vita", Pietro TheWhite ci invita ad unirci a lui in questo viaggio di scoperta e autoaffermazione. Questo brano è una celebrazione dell'individualità e della libertà personale che ci esorta a vivere pienamente, con serenità e senza rimpianti. Un messaggio di speranza, coraggio e resilienza per chiunque si senta intrappolato dalle aspettative altrui che ci ricorda che, vivere la vita a modo proprio, è un diritto di tutti.... Continua a leggere

Nella scena italiana contemporanea, pochi artisti riescono a coniugare impatto emotivo e messaggi di portata sociale come Valy. Il suo nuovo singolo, "Prendimi o Perditi", prodotto dall’esperienza e dall’abilità creativa di Alessio Bernabei, è un vero e proprio grido di ribellione contro gli stereotipi di genere in chiave pop, una dichiarazione di indipendenza e libertà personale che strizza l’occhio all’estate rimanendo fedele alla mission della sua autrice. Con la sua vocalità distintiva che ha polarizzato l'attenzione dei media e del pubblico, affascinando tutti nelle sue collaborazioni con artisti del calibro di Mondo Marcio e nelle sue iconiche precedenti release, ed un sound fresco e vivace in cui si fondono energia e introspezione, Valy ci regala un biglietto di sola andata verso un mondo privo di etichette e aspettative: «Mi hanno insegnato ad esser fragile non troppo abile» canta l’artista classe ‘93, sfidando le norme che molto spesso limitano e confinano, specialmente le donne, nel loro percorso di crescita e auto-accettazione. Il ritornello del brano è un vero inno alla liberazione dalle pressioni e dai giudizi che ancora oggi, troppo spesso, mirano a soffocare ed opprimere pensieri e aspirazioni individuali: «Mi è sempre stato detto "stai al tuo posto", ho fatto l'esatto opposto (…) ma sono fiera di chi sono». Queste parole invitano ad assumere il controllo della propria vita senza timori, spronando chiunque abbia mai vestito ruoli non propri a cambiare le cose. Un catalizzatore di cambiamento che incoraggia un clima di inclusività e comprensione confermando il ruolo di Valy come portavoce di una generazione pronta a fronteggiare le impalpabili ma fitte barriere sociali frutto di mediocrità e grettezza, dimostrando che la vera forza risiede nel coraggio di essere se stessi e nella volontà di trasformare la propria storia con audacia e determinazione. «"Prendimi o perditi” - dichiara Valy - sfida gli stereotipi di genere, perché ognuno di noi merita amore e rispetto per chi è davvero. Inseguire gli standard di una società malata, che ci vuole stanchi e distratti, non ci fa bene e non fa altro che renderci infelici, insicuri, insoddisfatti delle nostre vite, delle nostre scelte, e di ciò che siamo nel profondo. Con questo brano, vorrei incoraggiare tutti, specialmente i giovani, ad essere autentici, senza sentirsi vincolati dalle aspettative altrui.» Un messaggio, chiaro e potentissimo, in netta opposizione alle convenzioni che costringono le persone in ruoli prestabiliti, spesso in contrasto con la loro vera natura, i loro reali desideri e le loro inclinazioni personali. Un appello a scuotere le catene dei pregiudizi, vivendo secondo i propri valori. In un'era in cui la pressione proveniente dall’esterno può essere davvero schiacciante e portare a conseguenze spesso irrimediabili, Valy ci ricorda l'importanza di ascoltare noi stessi, la nostra voce interiore, accettando, abbracciando ed amando la nostra unicità. La sua musica è sempre stata il vessillo di un movimento culturale che celebra l'identità personale come un tesoro da custodire, anziché un limite da superare. La collaborazione con Alessio Bernabei non è solo una garanzia di qualità musicale, ma anche un simbolo di unione artistica per promuovere un messaggio di inclusività e rispetto. Bernabei è riuscito a cogliere istantaneamente l’essenza del brano, catturandola in un arrangiamento e in una produzione accattivanti ma al contempo riflessivi, amplificano così il significativo messaggio del testo. "Prendimi o Perditi" è una chiamata all'azione per una società più giusta ed equa. Valy, con la sua profonda empatia e sensibilità, ci invita a riconsiderare il modo in cui percepiamo noi stessi e gli altri, incentivando un ambiente in cui l'autenticità è celebrata piuttosto che repressa.... Continua a leggere

Dopo aver chiuso il 2023 facendoci ballare sul dancefloor dei ricordi di una “Stronza Emozione”, Battista si appresta a conquistare l’estate 2024 con un nuovo singolo che promette di scuotere menti e cuori del pubblico, “Come Due Squali” (Cosmophonix Artist Development/Altafonte Italia). Scritto dallo stesso cantautore sardo a quattro mani con Hanashi e composto da Renato Patriarca e Niccolò Terranova, il brano è un tuffo nelle profondità oscure delle relazioni tossiche, mantenendo lo stile incisivo e coinvolgente che ha reso Battista uno degli artisti più promettenti della scena musicale italiana contemporanea. “Come Due Squali”, narra il lato più cupo e torbido dell’amore, che viene descritto come una dipendenza distruttiva. Il titolo stesso è una metafora che racchiude l’accezione del testo: alla fine, uno dei due partner viene mangiato, divorato dall’altro, dalle gelosie, dalle incomprensioni o da se stesso, lasciando dietro sé un oceano di disillusioni, un terreno di gioco senza vincitori, con dolorose lezioni da imparare. Battista non tradisce il suo stile unico, intrecciando la sofferenza con un sound carico, dritto verso una dimensione ancora più dance, un vero e proprio sfogo personale sui cuori infranti. Il brano inizia con un'immagine di disillusione e rassegnazione: «Ho il cuore a pezzi, bevo un altro drink, che poi di te mica importa più, noi siamo in pista pronti a farci male, mi dico basta, tanto è sempre uguale». Queste parole evocano il ciclo ripetitivo di una relazione deleteria, in cui il dolore è una costante e la speranza di cambiamento sembra un’irraggiungibile chimera. Il ritornello, «Non ho più voglia di ascoltare canzoni d’amore con te. Io non riesco più a respirare, che faccio? Mi chiudo in un bar. Ai ai, mi fa male. Ai ai, datti da fare, che tardi, che tardi, che tardi e devo andare», esprime la sensazione di soffocamento e il desiderio di fuga da un abbraccio che il tempo e le delusioni hanno trasformato in una morsa. Una rappresentazione struggente della claustrofobia emotiva che si prova quando si è intrappolati in un rapporto malsano, in una storia che imprigiona anziché liberare le potenzialità di entrambi i partners. E nel ripetersi di «Ai ai, mi fa male», l’artista traduce in musica un grido di dolore e una richiesta di cambiamento necessaria per riprendere in mano le redini della propria vita. In uno dei passaggi più intensi della traccia, Battista canta «come due squali persi e attratti in riva al mare, se non ci abbiamo siamo soli, anime vuote», un’immagine che dipinge la dualità dell’attrazione e della distruzione, sottolineando come, nonostante la vicinanza fisica, l’assenza di una connessione interiore autentica lasci nel cuore ferite profonde. Ferite che nel verso «Come due cicatrici, rimani su di me» simboleggiano le lesioni animiche, le conseguenze che permangono anche dopo la fine della storia. «”Come Due Squali” – dichiara l’artista - è una riflessione su quanto l'amore possa diventare una trappola se ci troviamo in un rapporto che ci fa del male, in un rapporto nocivo. Volevo trasmettere il dolore e la confusione che si provano, ma anche il coraggio necessario per uscirne. Questo pezzo è un grido di aiuto e una dichiarazione di forza, per ricordarci che meritiamo tutti un amore sano e rispettoso.» Le parole di Battista sottolineano la duplice natura di “Come Due Squali”: una canzone che da un lato mette a nudo la sofferenza causata da un amore tossico, e dall'altro celebra la resilienza e la capacità di trovare la forza per rompere il ciclo autodistruttivo. Un invito a riconoscere e affrontare le dinamiche lesive e sabotanti all’interno dei rapporti di coppia che trasmette un messaggio di consapevolezza e coraggio: bisogna avere la forza di lasciare andare ciò che ci danneggia, anche quando è doloroso. Con “Come Due Squali”, Battista ci offre un nuovo capitolo della sua evoluzione artistica, continuando a raccontare e a raccontarsi con sincerità. Questo singolo è una mano tesa per guardarci dentro, per riconoscere le nostre ferite e trovare il coraggio di guarirle. Attraverso la sua musica, Battista ci invita a riflettere sulle nostre esperienze, a comprendere il valore dell'autenticità e a trovare il coraggio di abbandonare ciò che ci ferisce, in un viaggio tra le note che parla al cuore di ognuno di noi.

Domefast, il talentuoso rapper di Ghedi (BS), rinasce dall’”Oblio” esplorato nel suo precedente singolo con “Mamma mia” (The Orchard), un brano che cattura l'essenza dell'estate con energici ritmi Afrotrap ed un sound irresistibile, magistralmente cucito ad hoc sul testo dalle mani magistre di Voluptyk, il celebre architetto europeo di successi a cassa dritta. Questa traccia segna un punto di svolta nella carriera del giovane bresciano, promettendo di diventare l'accompagnamento perfetto per le notti più elettrizzanti. Prodotto da uno degli hitmaker più acclamati d’Europa, Voluptyk (noto per aver plasmato lavori di successo come "Shakerando" di Rhove, "Suavemente" di Soolking, “Sigue” di Morad e release pluripremiate di Sfera Ebbasta, Capo Plaza, Jul e Baby Gang), "Mamma Mia" si posiziona come l'emblema musicale destinato a dominare il dancefloor delle serate più esclusive. Il testo riflette le complesse dinamiche emotive sperimentate da Domefast, trasformandole ed esorcizzandole in un pezzo tutto da ballare. Nel verso «Oh mamma mia, stregoneria, “Che cos’hai fatto? Mi sembri sfatto”. Sono due anni che dalla testa non mi esci via», viene espresso in maniera leggera e al contempo intensa il conflitto interiore e la lotta per liberarsi dai ricordi dolorosi di una relazione complicata. La ripetizione di "Oh mamma mia" non è solo un ritornello, ma un mantra che simboleggia la presa di coscienza necessaria per risvegliarsi da un sonno travagliato, un grido che arriva dritto al cuore di chiunque abbia sperimentato l'angoscia di un amore non corrisposto o problematico. Ma in “Mamma mia”, Domefast non si limita a narrare il dolore: l’artista, che fin dalla sua adolescenza ha trasformato la musica in un'estensione della sua vita, usando le note per esprimere e superare i traumi sociali e la bassa autostima dovuti a periodi difficili di bullismo, converte la sua esperienza in un messaggio di coraggio, speranza e rinascita. Nella sezione del brano in cui afferma «Mai dire mai, ma già tu lo sai che mi tradirai, che tu te ne andrai», si evince la consapevolezza delle sfide amorose, ma anche la determinazione di non lasciarsi abbattere da esse. Una celebrazione della capacità di andare avanti, di crescere e di trasformare il dolore in una forza motrice. Il riconoscimento per tutti coloro che cercano di superare e lasciarsi alle spalle le ombre e le ferite di un rapporto sofferto, un'esplosione di energia che incanta non solo l’orecchio, ma anche l'anima, rendendo ogni momento un concentrato di gioia e libertà. Per Domefast, la musica è sempre stata uno strumento di comunicazione e di riscatto sociale, con cui rendere ogni battuta d’arresto un simbolo di catarsi ed evoluzione personale, ed in questa nuova release, che si muove tra una produzione raffinata ed un testo di impatto, che funge da catalizzatore per superare sentimenti di dolore e conflitto, ogni battito diventa testimone di un ritrovato equilibrio, un mezzo per raggiungere la serenità tanto desiderata. “Mamma mia” è un brano da ascoltare e da vivere, un invito a lasciarsi andare e a ricercare, nel ritmo e nelle parole, la forza di voltare pagina per abbracciare un nuovo capitolo della propria vita.

La musica e i profumi condividono da sempre la straordinaria capacità di diffondersi nell'aria, raccontando molto di una persona e traducendo emozioni, ricordi e sentimenti. Blade, il celebre cantautore cernuschese d’adozione cremasca, incarna perfettamente questa connessione nel suo nuovo singolo, “Megamare”. Ispirato all’omonima fragranza di Orto Parisi, il brano unisce una melodia calda e avvolgente ad un testo intenso e profondo. Proprio come il profumo di Parisi, fresco al primo respiro e via via più salato con il sentore di alghe, zenzero e legni, la traccia evoca la sensazione dell'acqua di mare sulla pelle calda e sudata, una metafora perfetta per raccontare un amore che, pur essendo intenso e travolgente, è destinato ad essere irraggiungibile, proprio come il mare che si ritrae con la marea. Una storia impossibile narrata con disarmante sincerità, in cui Blade mostra senza maschere e timori la frustrazione e il dolore di un sentimento ostacolato dalla vita quotidiana e dalle insicurezze personali. Con una produzione musicale che rispecchia l'intensità della fragranza che l’ha ispirata, “Megamare” si presenta come un'opera completa e toccante, capace di lasciare un’impronta indelebile nell’animo di chi l'ascolta. Il nome “Megamare” non è solo un titolo, ma un richiamo diretto al profumo che ha accompagnato Blade nella scrittura e nella realizzazione del brano. «Metto in play, sì per stasera, non chiamarmi ancora, resto qua solo da te, ma solo per mezz’ora» canta l’artista, evocando immagini vivide di momenti intimi e fugaci. La storia raccontata è quella di due persone la cui vita lavorativa e gelosia reciproca impediscono di vivere serenamente il loro amore. Blade esprime il suo disagio per un rapporto che sembra destinato a non trovare pace, come si evince nel verso: «Tu lo sai che effetto fa il mio Megamare, con me, con me», riflettendo l'intensità e la complessità del legame tra i due protagonisti. Un legame che, pur essendo autentico e totalizzante, è costantemente minato da incomprensioni, esacerbato dalla quotidianità e dalle insicurezze individuali. Nel passaggio «Se per te va bene possiamo scappare da quelle sirene, se per te va bene possiamo guardare le stelle insieme», Blade invita a sognare una fuga, un momento di evasione dalle pressioni esterne, lasciando all’ascoltatore la possibilità di immaginare il finale della storia, come lui stesso racconta: «“Megamare” – dichiara - parla di un amore impossibile tra due persone che si amano veramente tanto, ma che purtroppo non riescono ad andare d’accordo. Come ogni mio singolo, anche questo è tratto da una storia vera. I miei pezzi parlano semplicemente della mia vita. In questo singolo ho voluto esprimere una vicenda un po’ particolare, tra le note del profumo di Orto Parisi che mi hanno accompagnato nella scrittura e nella realizzazione del brano. Questo pezzo fa capire la mia frustrazione nei confronti di questa persona, per quanto lei sia occupata dalla sua vita lavorativa, e racconta soprattutto della sua gelosia nei confronti del mio lavoro. Nonostante questi pensieri, e nonostante l’amore, queste due persone non riescono a trovare un accordo. Il singolo non offre il finale della storia, ma lascia all’ascoltatore la possibilità di immaginare un finale a modo suo». Oltre a raccontare una relazione tormentata, con “Megamare” l’artista vuole trasmettere un messaggio più profondo: prima di amare qualcun altro, è necessario amare se stessi. Anche se le cose belle finiscono, i ricordi preziosi restano; un insegnamento che si riflette nella sua musica e nella sua vita. Blade è una promessa che continua a sorprendere. Ogni nuova release aggiunge significato e autenticità al suo repertorio, confermandolo come una delle voci più autentiche e innovative della scena urban contemporanea. “Megamare”, accompagnato dalle immagini emblematiche di Spidey e dal videoclip ufficiale, diretto da Babyrick e girato al MEG Glamour di Milano, vede protagonisti Blade e Corinne Lorusso. Con la sua interpretazione, Corinne aggiunge un ulteriore livello di emozione, profondità e sincerità alla storia narrata nel testo. Con questo singolo, Blade invita ciascuno di noi a riflettere sulla complessità delle relazioni e sull’importanza di amare noi stessi. Catturando in liriche e suoni l’essenza del profumo che lo ha ispirato, l’artista lombardo riconferma la sua abilità nel tradurre esperienze personali in musica, giungendo dritto al cuore sin dal primo ascolto.... Continua a leggere

Massimo Galfano, celebre cantante, paroliere, produttore e vocal coach italiano con una carriera costellata di successi e riconoscimenti, annuncia l'uscita del suo nuovo singolo "Gli Amori" (Hurricane Music Production). Questa traccia, disponibile in tutti i digital store dal 27 Maggio, in occasione del compleanno dell’artista, non è soltanto un ritorno sulle scene, ma un ponte animico ed emotivo che collega Galfano al suo indimenticabile amico e icona della musica italiana, Toto Cutugno. "Gli Amori", che funge da apripista all'album "Emozioni" – disco che ripercorre i più grandi successi di Cutugno attraverso la sensibilità e l'intensità interpretativa di Galfano, la cui uscita è prevista per il prossimo 27 Ottobre - simboleggia un significativo collegamento tra il passato e il presente, immergendosi nella profondità dell'amicizia e nella potenza delle emozioni sulle ali di melodie che hanno accompagnato e abbracciato intere generazioni. Massimo Galfano ha scelto "Gli Amori" per aprire il percorso di questo album perché rappresenta una delle canzoni più care a Toto, e a sua volta, uno dei brani che più lo ha toccato personalmente e artisticamente. «In un'epoca in cui la discografia e gli autori sembrano esitare nel parlare d'amore con eleganza e rispetto – dichiara – “Gli Amori” si fa strada nell’anima come una meravigliosa espressione di sentimenti genuini. Questo brano, ha anche un significato storico particolare, essendo stato interpretato da Ray Charles nella serata degli ospiti internazionali al Festival di Sanremo 1990; un evento che ha segnato l’incontro memorabile tra diverse culture musicali. È un mix di emozioni e bellezza che continua a risuonare nel tempo.» Nato a Jugenheim, Germania, da genitori siciliani e cresciuto nel cuore della Valle del Belice (TP), Massimo Galfano ha iniziato la sua carriera artistica come attore teatrale a soli 13 anni, per poi fondare la band musicale "Terzo Pensiero" nel 1996. Dopo lo scioglimento della band nel 2000, ha intrapreso la carriera solista, distinguendosi come cantante, interprete, autore, vocal coach e produttore. La sua carriera è ricca di collaborazioni, premi e tour internazionali, che includono riconoscimenti come il Politeama Festival, il Global Legend Talent Award, e un Disco d'Oro alla carriera dalla Hurricane Music Production. "Gli Amori", prodotto dalla Eventi e Management e da Puresound, con il suo richiamo alle radici profonde dell’amore e alla connessione tra esseri umani, è un brano che arriva dritto al cuore, esprimendo in versi di rara bellezza ed eleganza, come «Due consonanti perse in tre vocali, son loro che ci aiutano a non sentirci soli, perciò sono importanti. E li chiamiamo amori», una verità universale, che non conosce lingua, cultura, religione o nazione, sulla natura del sentimento più potente e trasformativo al mondo. Questa versione del brano, magistralmente interpretata da Galfano, segna un importante momento di riflessione sul valore dei rapporti interpersonali e delle emozioni, dei battiti di vita che essi ci regalano, celebrando la vita e l'opera di uno dei più grandi cantautori della Musica Italiana, Toto Cutugno, attraverso gli occhi e la voce di un amico, un collega, un fratello. Con una delicatezza ed un rispetto che solo l’arte pura può racchiudere, Galfano riesce a trasmettere ogni sfumatura emotiva, rendendo "Gli Amori" l’emblema del legame indissolubile che unisce le persone, tra cui gli artisti e i loro pubblici. Questa rivisitazione è un messaggio di speranza e comprensione che riafferma l'importanza dell'amore e dell'umanità in un mondo sempre più individualista. Attraverso le parole e le melodie de "Gli Amori", Galfano ci invita a riconnetterci ai valori fondamentali della vita, sottolineando come i l’amore possa essere la chiave per superare le sfide e le divisioni. Con la pubblicazione di questo singolo e dell’album "Emozioni" di prossima pubblicazione, Massimo Galfano continua a lasciare la sua impronta raffinata ed empatica nel panorama musicale, portando avanti un dialogo artistico che valica tempo e confini.... Continua a leggere

«Novembre 2023 ha segnato un momento cruciale per me, un periodo di intensa ispirazione e rinascita»: è in questa dimensione catartica e trasformativa che è nato "Nei Sogni Miei", il nuovo singolo di Ladrone00, brano che si posiziona come naturale prosecuzione del filone emotivo tracciato con “Fragile” e “Fiamme”. In perfetto equilibrio tra audacia e romanticismo, “Nei Sogni Miei” percorre la continuità di una relazione di coppia, offrendo una visione matura, nonostante la giovane età dell’artista, che sottolinea una crescente preoccupazione: nella sua generazione e in quelle successive, si sta progressivamente perdendo la vera essenza dell'amore, quell'incantesimo che muove ogni cosa. Caratterizzata dall'uso di drum kit, synth e dalla voce inconfondibile dell’artista, questa traccia infonde energia in ogni nota. L'arrangiamento musicale, curato nei minimi dettagli, crea un ambiente sonoro che invita all'introspezione, mentre la melodia, intrisa di dolcezza, malinconia e speranza dal richiamo lo-fi, conduce l’ascoltatore al centro delle dinamiche amorose. Ladrone00, la cui evoluzione autorale e stilistica è sempre più evidente, trasmettere con incisività e naturalezza un senso di urgenza e desiderio, disegnando con la sua sensibilità un paesaggio sonoro in cui passato e presente convergono, fondendosi in un'esperienza musicale che avvolge ed emoziona sin dal primo ascolto. Il testo si apre su uno scenario a mezz’aria tra l’onirico e il reale, richiamando l’immagine di un sogno condiviso, il desiderio di vivere in coppia momenti indimenticabili in loop: «Insieme siamo un sogno, da vivere in replay». Parole semplici ma estremamente evocative, che celebrano la forza e la potenza di un legame capace di persistere anche nei momenti di solitudine. Nel brano, c'è spazio anche per sentimenti più cupi e riflessivi. La strofa «Per te cosa sono? Ma sai che c'è? Il mio cuore grida “Mayday”. Sulla strada solo, persi io e te, Ci rincontreremo nei sogni miei», mette infatti in luce l’oscillazione tra fiducia e disperazione, un percorso interiore in cui l’amore, anche nei suoi momenti difficili, trova espressione nei ricordi, un porto sicuro di connessione e comprensione reciproca. Con "Nei Sogni Miei", prodotto da Matteo Rossini, il giovane talento marchigiano racconta una storia per invitare tutti noi a riflettere sul valore che diamo alle nostre relazioni, puntando i riflettori sul contrasto tra l'apparenza esterna e la verità interiore, come facilmente evincibile dalle parole «Tu sei unica, sei pura, come una bambina. La gente giudica, non fa da cura, non è medicina». Questo brano è un must per chi cerca di comprendere l'amore in tutte le sue sfaccettature, un promemoria in musica che ci ricorda l’importanza di andare oltre giudizi ed apparenze, vivendo ogni relazione con l’intensità e la passione che merita.... Continua a leggere

Maname, talentuoso cantautore nato e cresciuto nel cuore della Brianza, fa il suo ritorno nel panorama musicale con "Solo”, un brano che si distacca dalle consuete convenzioni musicali per diventare un simbolo potente di autonomia personale. Riflettendo le esperienze dirette dell’artista, "Solo" è una celebrazione dell'indipendenza, ma anche un prezioso consiglio per tutti coloro che vivono una relazione di coppia o esplorano la vita da single. Nato dall'esigenza di Maname di raccontare la propria realtà singletudine non come una condizione di mancanza, ma come un essenziale percorso di autoapprezzamento, “Solo” fonde il ritmo e l’energia delle Destiny’s Child alla sensualità travolgente del pop latino, invitandoci a non essere precipitosi nelle tappe della vita di coppia, ma ad assaporare ogni momento con maturità e rispetto, per sé stessi e per gli altri. Dopo aver esordito sulle scene a soli 17 anni ed aver vissuto un’esistenza parallela come psicologo, Maname ci dimostra attraverso la sua musica che l'amore è un'esperienza che merita di essere goduta con piena consapevolezza. La lirica «Non voglio troppe regole, rischio di confondere... Stare solo mi salverà», evidenzia quanto a volte la solitudine sia la scelta più saggia per preservare l’integrità emotiva e l'importanza di mantenere la propria individualità senza perdere di vista il proprio valore, anche nelle dinamiche di coppia. Questo concetto racchiude un tema ricorrente nel brano: la ricerca di unicità e qualità nelle relazioni, evitando di piegarsi alle banalità e di accontentarsi di compromessi superficiali. «Essendo single da parecchio tempo – dichiara -, ho imparato che stare da solo è difficile, ma fondamentale per imparare ad apprezzarsi, per consentirci di amare, ma anche di essere amati. Ho capito che, quando si è in coppia, non occorre preoccuparsi di andare a convivere, di sposarsi e di fare figli o comunque di bruciare le tappe prima del tempo, perché poi ci si scotta. C’è questa corsa disperatissima alla famigliola felice che non ci consente di valutare il resto, tant’è che ci si ritrova a distruggersi dentro e a distruggersi a vicenda, perché le aspettative sono altissime, o perché l’obiettivo di coppia non è mai stato il medesimo. L’amore è cuore sì, è istinto sì, ma è anche testa. Non si può amare a caso. Ci vuole rispetto e non ci si può privare di quello verso sé stessi per accontentare una relazione. Non c’è scritto da nessuna parte che siamo destinati a persone che ci “assomigliano”. Quando ci piace una persona, ci piace e basta. Non c’è un colore, una forma o un abbigliamento specifico». Queste parole regalano una toccante riflessione sulla vita da single e sulle pressioni sociali legate alle relazioni di coppia. Maname ci racconta come il tempo trascorso in solitudine sia stato fondamentale per il suo percorso di autoscoperta, benessere e apprezzamento delle proprie peculiarità, un passo imprescindibile per amarsi ed essere in grado di amare in modo sano e consapevole. Inoltre, l’artista mette in luce la tendenza delle persone a precipitarsi in tappe significative come la convivenza, il matrimonio e la genitorialità, spesso senza una vera comprensione reciproca o con aspettative disallineate, che inevitabilmente conducono ad accesi e deleteri conflitti interni e reciproci. Nelle strofe del pezzo, l'amore è rappresentato nella sua dualità: una fiamma che illumina, ma che può anche bruciare, se non vissuta con la giusta maturità. Unendo la sua passione per la musica ad un percorso accademico in psicologia, Maname ha riposto in “Solo” il frutto di questa sinergia: «Con “Solo” – afferma, concludendo -, ho voluto creare un brano che invitasse chi lo ascolta a guardare dentro di sé, a riconoscere il proprio valore al di là delle relazioni. Ho scelto di parlare di indipendenza, ma anche di bellezza, e di tutte quelle sfide che si fronteggiano da single. È un messaggio per tutti: prima di cercare l'amore in un altro, è fondamentale trovarlo in se stessi». Scritto da Maname e sapientemente composto e prodotto da Vigan Mehmedi, “Solo” ci ricorda l’importanza di essere autonomi, curiosi, evitando di rimanere imprigionati in relazioni o abitudini dettate dalla paura di sbagliare o di rischiare. È un appello ad essere più delle proprie relazioni e a riconoscere che a volte, essere soli, significa vivere in miglior compagnia.... Continua a leggere

Realbaby, il rapper della periferia sud di Roma classe 2002, torna sulle scene con il suo nuovo singolo, “Chiara”. Il brano, che arriva dopo il successo del romanticismo dolceamaro espresso in "Amore & Odio", segna un ulteriore passo avanti nel suo percorso artistico, caratterizzato da una notevole maturità autorale e da una profondità emotiva unica. “Chiara” è un vero proprio manifesto street love, un racconto di vita e di amore dalla duplice chiave di lettura, complessa e intrigante. Realbaby confonde e affascina l'ascoltatore, utilizzando il nome di una donna per dar voce a temi universali come i sentimenti, il dolore e la redenzione. La copertina del brano riflette questa dualità, invitando il pubblico ad immergersi in un viaggio emozionale e autentico che, ad ogni play, rivela nuove sfumature e significati. Il singolo è il risultato di vecchie ruggini passate, infuse di "sporco street love” come afferma l’artista, e nasce dall’intensa e fruttuosa sinergia con il suo produttore di fiducia, Exa. Questo progetto rappresenta una direzione stilistica ben definita, caratterizzata da suoni hip hop, urban e rap, ma anche da una ricerca sonora continua. A livello umano e personale, “Chiara” è il racconto in musica della vita di Realbaby, dal bambino che era al giovane uomo che è oggi, fino a ciò che il futuro gli riserva. Il brano trasmette un mix di sensazioni, positive e negative, esperienze che segnano profondamente e vibrazioni che danno forma e temprano sogni, desideri ed obiettivi. Realbaby narra la sua verità senza nascondersi, mostrando un bambino che non c'è più, ma che continua a vivere all’interno dei suoi testi. «Mi sento diverso distratto dall'obiettivo, senti, mon amour, sono ad un bivio: o vivo io o muori tu. Dalla terra ferma ci spingiamo più su, di te non è ossessione, ma è solo una droga»: queste parole traducono il conflitto interiore dell'artista, la lotta tra la realizzazione personale e la dipendenza emotiva. La metafora della droga descrive questa dipendenza da un legame affettivo tossico e cupo, mentre il bivio rappresenta le scelte difficili che definiscono la sua vita. Con “Chiara”, Realbaby consolida il suo stile conscious ispirato ad artisti del calibro di Capo Plaza, Neima Ezza e Gunna. Questo brano è un passo significativo in un percorso che ha preso una svolta professionale circa un anno fa e che promette tante novità in arrivo. Nella strofa «Mi prendi a bene se siamo noi due, non sei una stella forse una scoperta. Semplici origami dopo una tempesta, mi ami o mi odi, non fa differenza. Fammi fuori, mirami alla testa», il rapper evidenzia la complessità delle relazioni e la vulnerabilità che ne deriva. La scoperta e gli origami simboleggiano la fragilità e la bellezza delle connessioni umane, mentre la richiesta di essere ucciso, mirando dritto alla testa, mostra il desiderio di liberarsi dalle catene di un legame che opprime anziché sprigionare il potenziale individuale e di coppia. «Con “Chiara” – spiega Realbaby - volevo raccontare una storia che fosse personale, ma allo stesso tempo che potesse parlare al cuore di tutti. È un brano che parla delle sfide e delle scelte che affrontiamo ogni giorno, delle dipendenze emotive e della necessità di trovare la nostra strada. Spero che il pubblico possa trovare una parte di sé in questa canzone e sentire la stessa connessione che ho sentito io nel crearla». “Chiara” è una testimonianza della crescita artistica e personale di Realbaby, un invito ad ascoltare e comprendere le storie che definiscono la nostra vita, le nostre esperienze e le nostre batatglie. Con produzioni impeccabili e testi di presa immediata, il giovane rapper romano continua a spingersi oltre i confini della musica urban, consolidando la sua posizione come uno degli artisti più promettenti della sua generazione.

Summa, all’anagrafe Andrea Summa, dopo aver emozionato il pubblico di YouTube con “For You” (feat. Pablo Scapigliati & Claudia Oslé) ed “Orfeo” (feat. Jaidem), torna a far parlare di sé debuttando in tutti i digital store con "¿Donde Voy?", brano che unisce brillantemente rap, reggae, dub e disco. Ispirato dalla poesia “Caminante, no hay camino” di Antonio Machado, questo singolo cattura l'essenza del percorso personale e artistico di Summa, arricchito dalle interpretazioni emotive di Pablo Scapigliati e Claudia Oslé e da un tessuto sonoro, sapientemente intrecciato dalle abili mani di Francis Tural, che comprende pianoforti e chitarre elettriche. Nato a Firenze nel 1999, Summa ha iniziato a scrivere testi fin da bambino, ma è stato nel 2016 che ha deciso di portare il suo talento in studio, incidendo i suoi primi brani e unendosi, l’anno seguente, agli UGKL, un collettivo di rapper fiorentini con i quali ha affinato le sue capacità di scrittura e produzione, entrando in contatto con la scena hip-hop locale e pubblicando numerosi singoli. In "¿Donde Voy?", Summa riflette sulla ricerca di scopo e identità nel percorso di vita di ciascun essere umano: il ritornello, con la frase «Passo e siguo al caminante sin camino» («Passo e seguo il camminante senza cammino») trae direttamente dall’iconografica poetica di Machado, in un richiamo potente alla scoperta personale e all'importanza del viaggio rispetto alla destinazione; temi cari sia all’illustre scrittore andaluso che, evidentemente, all’artista toscano. Un'espressione del cammino interiore che ognuno di noi compie che ci invita a riflettere sulla nostra evoluzione individuale e sociale, esortandoci a rendere ogni passo una trasformazione consapevole; una ricerca continua di direzione e significato. E nella strofa «Ho capito che tutto ritorna nel quadro quando tutto ciò che mi piace equivale a tutto quello faccio», Summa evidenzia l’importanza di attingere al proprio cuore e alle proprie passioni per conoscere la risposta alla domanda “¿Donde voy?”, una risposta che lui stesso ha trovato nella sua musica, diventata un mezzo per affrontare e superare le sfide personali, inclusi i periodi di bullismo e le insicurezze che hanno segnato la sua gioventù. «Con “¿Donde Voy?” – afferma Summa - ho voluto guardarmi dentro, fino in fondo, e condividere un pezzo del mio viaggio personale con il pubblico. Questo brano rappresenta una tappa fondamentale nella mia ricerca di scopo e identità, unendo diversi generi musicali per riflettere l’intreccio delle emozioni che ho vissuto. La collaborazione con Pablo Scapigliati e Claudia Oslé ha aggiunto un’ulteriore dimensione emotiva, permettendomi di esprimere pienamente la dualità tra la lotta interiore e la speranza di rinascita». La combinazione di suoni affascinanti, liriche ponderate e la collaborazione con Pablo Scapigliati e Claudia Oslé, hanno permesso a Summa di dar voce a sentimenti contrastanti, esprimendo con autenticità le battaglie che combattiamo con noi stessi e la strada da percorrere per giungere ad una necessaria accettazione di sé. In "¿Donde Voy?", ogni elemento musicale e testuale si fonde per raccontare una storia di trasformazione in cui la musica diventa il mezzo per ritrovare la forza, la lucidità e la chiarezza imprescindibili per progredire, come anime e come esseri umani. Un must per chi ama il significato anche nei ritmi irresistibili, un invito a meditare sulla propria esistenza e sulla capacità di convertire ogni esperienza, positiva o negativa, in un passo verso la realizzazione personale.... Continua a leggere

Miki Del Prete, paroliere leggendario e figura chiave nella storia della musica italiana, approda in digitale e in tutte le librerie con la sua attesissima autobiografia, "Il mio Amico per la pelle". Questo racconto intimo e sincero offre uno sguardo senza precedenti sulla lunga e profonda amicizia tra Del Prete e Adriano Celentano, icona del rock italiano conosciuta in tutto il mondo. Quella di Miki Del Prete è una vita dedicata alla musica: nato a Bari il 23 luglio 1935, ha scritto oltre cento canzoni per Celentano, tra cui indimenticabili successi come "Impazzivo per te" (1955), "Il Ragazzo della via Gluck" (1966), "La coppia più bella del mondo" (1968), "Una carezza in un pugno" (1968), "Chi non lavora non fa l’amore" (1971), "Sotto le lenzuola" (1971) e molte altre. Tra gli anni '60 e '80, Del Prete è stato un componente fondamentale del Clan Celentano, contribuendo in maniera significativa alla definizione del panorama musicale italiano dell'epoca. Oltre al suo lavoro con Celentano, Del Prete è stato autore per artisti del calibro di Caterina Caselli, Patty Pravo, I Camaleonti e Dalida, confermandosi uno dei produttori più attivi e prolifici degli anni '60, '70 e '80. Ha prodotto album iconici per Celentano, tra cui “Ti Avrò” (1978), “Geppo Il Folle” (1978), “Me Live” (1979) e "I Miei Americani (tre puntini)" (1984), "I Miei Americani (tre puntini) 2" (1986), "Joan-Lui" (1985) e "La Pubblica Ottusità" (1987), i cui arrangiamenti sono stati curati da Pinuccio Pirazzoli. Uomo sensibile e professionista dai mille talenti, Del Prete ha fondato numerose etichette discografiche, tra cui Superstar Records, Fantasy Records, The Shark Records, Seeburg Records e Smeraldo Record. Negli anni '60 ha costituito la Kansas Record, label distribuita dal Clan Celentano. La sua versatilità si estende anche al cinema, dove ha partecipato come attore in film come "Super rapina a Milano", "Geppo il Folle" e "Asso". Ha co-prodotto con la Ciack Film titoli come "Segni particolari bellissimo" e "Il Bisbetico Domato" e ha lavorato alla sceneggiatura di "Yuppy-Du" con Celentano e Silvestri. Negli anni '70 ha organizzato per Celentano un tour europeo negli stadi intitolato "Paura di un trionfo", consolidando ulteriormente il loro sodalizio artistico e personale. "Il mio Amico per la pelle", con i ritratti a cura di Percy Balzuniga, è un libro di ricordi che racconta la storia di una grande amicizia. Miki Del Prete condivide aneddoti e momenti inediti della sua lunga carriera al fianco di Celentano, rivelando un ritratto intimo e umano del "molleggiato". Con delicatezza e affetto, il paroliere pugliese descrive le gioie, i successi, le amarezze e le leggendarie partite a poker con Celentano, offrendo ai lettori una visione unica del grande artista. Il 22 settembre 2024, il Teatro Accademia di Fortunago (PV) ospiterà una serata speciale in stile Talk Show dove Miki Del Prete, accompagnato dalle interpretazioni musicali di Alfredo Lallo e da immagini evocative, narrerà dal palco la sua vita al fianco di Celentano. La serata vedrà la partecipazione di ospiti a sorpresa e promette di essere un evento indimenticabile per i fan della musica italiana. Organizzato dal Comune di Fortunago, PA-74 Music, e Sagrada Efrem per Seven-H London, in collaborazione con le Onlus “La Marti” e “Ginger Soul”, l'evento ha una finalità benefica: sostenere i bambini e la ricerca contro i tumori. I biglietti sono disponibili al link auditoriumfortunago.com/event/miki-del-prete-il-mio-amico-per-la-pelle/. Miki Del Prete, con la sua profonda esperienza e sensibilità artistica, continua ad essere una figura di rilievo nel panorama culturale italiano. Il suo libro "Il mio Amico per la pelle" e la serata evento a Fortunago sono opportunità imperdibili per scoprire e celebrare una delle amicizie più significative e produttive della storia della musica italiana.